Uno de los mayores misterios del cine acaba de ser resuelto 45 años después: ¿Dónde fue tomada la foto original del final de The Shining (EL RESPLANDOR)?
La imagen con «Johnny» (Jack Nicholson)
La escena final, en la que el público ve a Jack en una de las viejas fotografías del Hotel Overlook, es una de las más famosas de la película. El director #StanleyKubrick usó una foto real antigua y le «photoshopeó» el rostro de #JackNicholson.
La imagen es muy conocida, sí, pero durante décadas nadie supo dónde, cuándo, ni quiénes eran las personas que aparecían en ella. Fue un pequeño misterio que cautivó a muchos cinéfilos… y a mí también, porque me encanta perderme leyendo historias de #LostMedia.
La imagen original de 1921
Imaginen mi sorpresa cuando unos días finalmente encontraron la auténtica fotografía original (o sea, en formato físico, tomada del negativo original en placa de cristal) en los archivos de Getty Images, junto con toda la información que faltaba. ¿Cómo lo lograron?
Hace unos meses, varios usuarios de Reddit se propusieron resolver el misterio. Usaron un software de reconocimiento facial para identificar al hombre en la foto: #SantosCasani, un famoso bailarín de Londres que estuvo activo entre 1900 y 1930.
Con esa pista, dedujeron que la foto de #TheShining probablemente fue tomada en Londres a inicios del siglo XX. Empezaron una búsqueda intensa en archivos de periódicos, revisando miles de fotografías antiguas… pero no encontraron nada. Parecía imposible.
Comparando las imágenes
Hasta que #AlasdairSpark, un académico retirado de la University of Winchester en Inglaterra, junto a #AricToler, reportero de The New York Times, contactaron a #MurrayClose, el fotógrafo oficial en el set de ‘The Shining’ durante el rodaje, y recordó que la imagen venía de la biblioteca fotográfica de la BBC, hoy parte de Getty Images.
Con esa pista y el nombre de Santos Casani, buscaron entre los archivos físicos de Getty Images, revisando en viejos libros las licencias que usó Stanley Kubrick y ¡Bingo! finalmente encontraron la foto original, perdida durante casi medio siglo.
La imagen fue tomada durante un baile de San Valentín, el 14 de febrero de 1921, en el Empress Ballroom del Royal Palace Hotel, en Kensington, Londres.
Para la película, Kubrick simplemente insertó el rostro de Nicholson en el cuerpo de Casani, dándole ese escalofriante aire de «¿Jack siempre estuvo en el hotel?»
Pero hay un último detalle que me dejó pensando. ‘The Shining’ se estrenó en 1980, y Santos Casani falleció en 1983, a los 85 años. ¿Habrá visto la película? ¿Habrá reconocido su propia imagen atrapada para siempre en un rincón fantasmagórico del Overlook? Tal vez no… o tal vez sí. Quizá, en sus últimos años, vio su reflejo en la pantalla sin saber que ahí, en esa fotografía retocada, un pedazo de su alma ya había sido sellado para siempre en la eternidad.
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Secretos de un boom que inauguró el cine supertaquillero
TIBURÓN (Jaws) estrenada en los Estados Unidos el 20 de junio de 1975; en México el 15 de abril de 1976 se enfila a su 50 aniversario. Te comparto el siguiente artículo publicado en INFOBAE y con algunas pequeñas aportaciones mías.
Esta obra maestra sigue siendo un referente en Hollywood, inspirando a cineastas, compositores y diseñadores gráficos con su narrativa, música y diseño visual, destaca la revista Empire
Cuando se habla de Tiburón, la obra maestra de Steven Spielberg, no es solo una película que marcó un hito en el cine de terror, sino que, a punto de cumplirse 50 años de su estreno, sigue siendo un referente tanto para cineastas como para compositores y diseñadores gráficos, publicó Empire.
Su historia se define por el legendario tiburón y sus efectos especiales, y por sus personajes memorables, su innovadora música y un póster que captura el miedo primitivo de la humanidad.
Para celebrar las cinco décadas del fenómeno, la revista de cine británica Empire le dedicó un amplio dossier… A continuación, exploramos el impacto de Tiburón a través de los ojos de Leigh Whannell, el compositor Hans Zimmer y el director artístico Josh Manderville, tres figuras que abordan diferentes facetas de este clásico de clásicos que hizo que muchos prefirieran tirarse a la piscina antes que meterse en el mar.
Leigh Whannell: el legado de Tiburón y su influencia en el cine moderno
Leigh Whannell, conocido por sus éxitos en el cine de terror como Upgrade y The Invisible Man, no duda en reconocer la influencia que Tiburón tuvo en su vida. Su fascinación comenzó en su infancia, cuando observaba la carátula del filme en la sección de Betamax de una tienda de videos.
A los pocos años, logró convencer a sus padres para ver la película, y fue amor instantáneo. “La vi semanalmente durante un año entero y no dejé de verla”, comenta Whannell, cuya obsesión por el cine de terror y los monstruos no hizo más que crecer desde entonces.
“El tiburón es un efecto práctico hermoso, tal vez el mejor jamás creado”, asegura Whannell. A pesar de que la película fue un producto de bajo presupuesto, Spielberg y su equipo crearon algo único. Tiburón fue una B-movie con la calidad de una producción de nivel A, gracias a su dirección, efectos prácticos y un guion que no relegaba a los personajes a un segundo plano.
Whannell destaca que la película pone a los humanos como el verdadero foco de la trama, no al monstruo marino. Los tres protagonistas, Brody, Hooper y Quint, son fundamentales para la narrativa, y para que la historia sea memorable.
Además, Whannell subraya un aspecto clave: “Si Tiburón se hubiera filmado en un tanque de agua, el filme no habría sido el mismo”, explica. Y enseguida hay que recordar que, pese a que el rodaje hubiese sido mucho más manejable, y pese a los problemas técnicos que suponía rodar en aguas abiertas, Spielberg optó por la segunda opción. ¿Qué buscaba? El mayor realismo posible.
Chan! Chan! Chan! Chan!: la música de John Williams, puro suspenso…
El impacto de Tiburónno se limita a su narrativa visual, ya que la banda sonora de John Williams, especialmente el famoso tema del tiburón, es una de las más emblemáticas en la historia del cine.
Hans Zimmer, uno de los compositores más célebres de la música cinematográfica, no tiene reparos en reconocer la maestría de Williams. “El tema principal de Tiburón es extraordinariamente simple, pero también terriblemente eficaz», comenta Zimmer.
Zimmer explica que la genialidad de la melodía radica en su simplicidad: una secuencia de dos notas, Mi y Fa, que crean una sensación de tensión constante.
Steven Spielberg y «Bruce» el famoso tiburón mecánico
Esta simplicidad, según Zimmer, permite que el tiburón sea percibido como una fuerza incontrolable y eterna.
“La música de Tiburón crea una sensación de amenaza constante. Nos hace sentir que el tiburón podría estar en cualquier lugar, aunque no lo veamos”, dice Zimmer.
Además del tema principal, la suite completa que Williams compuso para la película es un testimonio de su habilidad para conjugar la tensión con la narrativa visual.
En particular, la pieza Shark Cage Fugue es destacada por Zimmer como uno de los puntos más altos de la banda sonora, una composición que subraya la lucha entre los seres humanos y la fuerza imparable del tiburón.
Josh Manderville, el póster de Tiburón y su impacto cultural
El icónico póster de Tiburón es otra de las razones por las cuales la película perduró en la cultura popular. Josh Manderville, director artístico en Mondo, resalta cómo este póster, que inicialmente fue diseñado como la portada del libro de Peter Benchley, se transformó en un símbolo atemporal del miedo humano frente a la naturaleza.
“El póster captura una emoción universal: el miedo a lo desconocido, el miedo de estar fuera de nuestro elemento”, comenta Manderville.
El diseño original de Roger Kastel, quien fue encargado de la portada del libro, muestra a una mujer nadando tranquilamente, inconsciente del tiburón que acecha bajo ella. La inclusión del horizonte y los colores rojos, blancos y azules, hace eco de la ambientación estadounidense de la película, subrayando el contexto social y cultural del 4 de julio.
“La composición pone al espectador en el agua, viéndolo todo desde el punto de vista de la mujer, pero también deja claro que estamos ante un peligro inminente”, explica Manderville.
La manera en que el tiburón está representado, solo sugiriendo su tamaño, hace que la criatura sea aún más aterradora. Este diseño funcionó como una pieza publicitaria, convirtiéndose en una representación visual de nuestra vulnerabilidad ante las fuerzas de la naturaleza.
A lo largo de las décadas, el póster de Tiburón se mantuvo relevante, con su simbolismo de miedo primordial que trasciende el contexto específico de la película.
El legado perdurable de Tiburón
Estrenada en junio de 1975, Tiburón marcó un antes y un después en Hollywood en cuanto al denominado blockbuster veraniego, es decir, los filmes que arrasan en la taquilla. Luego, George Lucas pondría la vara aún más alta a partir del arrasador éxito e Star Wars
La influencia de Tiburón sobre el cine contemporáneo es innegable. A través de la visión de Leigh Whannell, Hans Zimmer y Josh Manderville, podemos entender cómo esta obra maestra dejó una marca imborrable en diversas áreas del cine.
Desde sus efectos prácticos hasta la magia de su banda sonora y la poderosa imagen de su póster, Tiburónsigue siendo un referente fundamental para los cineastas, músicos y diseñadores gráficos. Más de cuatro décadas después de su estreno, su legado continúa impactando y manteniendo su lugar como uno de los mayores logros en la historia del cine.
Mira el tráiler…
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LOS ÁNGELES, CA – El actor, director y productor mexicano Diego Luna presentará la ceremonia de entrega de los Premios Científicos y Técnicos de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas el martes 29 de abril de 2025 en el Museo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Durante la velada, presentará 14 logros, anunciados previamente en enero.
Quienes reciban los Premios Científicos y Técnicos deben demostrar una trayectoria probada de contribución significativa al proceso cinematográfico. Además, se entregará un Premio de la Academia al Mérito (una estatuilla del Oscar®) en la ceremonia para reconocer colectivamente a «todas las personas que han desarrollado y apoyado la tecnología de subtítulos, ya sea abierta o cerrada, para el cine».
Luna actualmente protagoniza y es productor ejecutivo de la serie «Andor», nominada al Emmy® y ganadora del Premio Peabody, retomando su papel de Cassian Andor de «Rogue One: Una historia de Star Wars». Recientemente, apareció en la miniserie «La Máquina», por la que recibió una nominación al Globo de Oro. Su filmografía incluye obras destacadas como “Y Tu Mamá También”, “Frida” y la próxima película “El Beso de la Mujer Araña”. También ha dirigido varias películas, entre ellas “César Chávez” y “El Sr. Pig”. Luna cofundó la productora La Corriente del Golfo, dedicada al desarrollo de historias y talento mexicano.
Para más información sobre los Premios Científicos y Técnicos, visite www.oscars.org/sci-tech.
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Nuestra sala virtual de cine con las mejores películas del «Film Noir»
¿Cómo es el «Film Noir«?
Definición y complejidad:
El cine negro es una categoría cinematográfica que nace formalmente en la década de 1940 que presenta thrillers psicológicos de crímenes con un estilo visual oscuro y estilizado. Desafía las clasificaciones estrictas de género, lo que genera amplitud temática y debates continuos.
Contexto histórico:
Surgido durante y después de la Segunda Guerra Mundial, el «Film Noir o Cine Negro» refleja el desencanto de la época, influenciado por el expresionismo alemán, el realismo poético francés y la «Novela Negra«.
Estilo visual y narrativo:
Conocido por su iluminación de claroscuro, visuales inquietantes y narrativa no lineal, el «Film Noir o Cine Negro» a menudo explora temas de ambigüedad moral, corrupción y personajes atormentados.
Impacto y legado:
La influencia perdurable del «Film Noir o Cine Negro» abarca el cine mundial, inspirando subgéneros como el «Neo-Noir» e impactando películas de diferentes épocas y géneros.
El «Film Noir o Cine Negro» es el cine de la década de 1940, plagado de «femmes fatales» (O Mujeres Fatales), antihéroes atormentados o condenados, moralidad gris o inexistente y calles peligrosas y oscuras. Surgió de las grietas de la guerra y la recesión, envuelto en estilos visuales muy creativos, sombras profundas y un estilo experimental. El cine negro expandió las posibilidades del cine hollywoodense y dejó una huella imborrable en el cine mundial.
Te invito a visitar nuestra sala virtual de cine con las mejores películas del «Film Noir» con títulos que generalmente cuentan con un 100% de aceptación en ROTTEN TOMATOES. Nuestro catálogo de títulos crece con frecuencia.
A los 65 años falleció el reconocido actor estadounidense Val Kilmer, generando profundo pesar en Hollywood.
Según confirmó su hija, la actriz Mercedes Kilmer, al The New York Times, el intérprete murió debido a una neumonía en Los Angeles, California.
El artista había sido diagnosticado de cáncer de garganta en 2014, haciendo pública su condición tres años después. A través del documental autobiográfico VAL, estrenado en Cannes, ofreció un inédito acceso a su situación personal.
Kilmer fue un actor que se puso en la piel de muchos personajes, desde Batman al cantante Jim Morrison, pasando por el elegante ladrón Santo o el rey Filipo, padre de Alejandro Magno.
Sin embargo, uno de los más recordados fue sin duda el de Tom “Iceman” Kazansky, un arrogante piloto de la Marina de Estados Unidos y principal antagonista del personaje de Tom Cruise, Pete “Maverick” Mitchell, en Top Gun de 1986.
Un emotivo reencuentro 36 años después
Uno de los actores que Cruise consideraba crucial para la secuela, Top Gun: Maverick, era precisamente Kilmer. Así lo dejó en claro en 2021 el productor Jerry Bruckheimer.
“Todos queríamos que volviera, pero Tom estaba muy convencido: si iba a hacer otra Top Gun, Val tenía que estar en ella”, dijo en aquella oportunidad.
Pero muchas cosas habían pasado desde el estreno de la primera entrega. Y es que cuando se rodó la secuela, Kilmer ya llevaba años lidiando con las consecuencias de su cáncer de garganta.
Si bien había podido salir adelante, perdió la voz tras someterse a una quimioterapia y a una traqueotomía. Esto hizo que prácticamente se le cerraran las puertas de la industria cinematográfica aunque a Cruise no le importó: estaba empeñado en contar con él.
De esta manera, 36 años después de la entrega original, Iceman regresó con un pequeño pero importante papel para el cual se hicieron ajustes en la historia del aviador.
Fue así como su personaje aparece con un cáncer terminal que lo obliga a comunicarse a través de un computador. Para recrear su voz, el equipo de producción contrató a la empresa Sonantic para que creara 40 modelos mediante la inteligencia artificial y usando grabaciones anteriores del actor como base.
Pese a los breves minutos en los que aparece en pantalla, Iceman, el almirante de la flota estadounidense del Pacífico, adquiere un rol vital en el desarrollo de la trama al motivar a Maverick a seguir con la misión que se le encomendó, instándolo a confiar en el problemático Rooster, interpretado por Miles Teller.
Poco después Iceman muere y es despedido en un emotivo funeral con todos los honores militares. El momento toma otro cariz al considerar que Top Gun: Maverick sería la última participación de Kilmer en la pantalla grande.
Durante una entrevista con Jimmy Kimmel, Cruise remarcó lo emotivo que fue para él actuar nuevamente con Val.
“Lo conozco desde hace décadas y le agradezco que volviera a hacer el personaje. Es un actor tan poderoso que instantáneamente se convirtió en él. Simplemente lo ves, y ves a Iceman”, dijo tras el estreno de la secuela.
Junto con admitir que lloró con su escena junto a Kilmer, Cruise mencionó: “Es un actor brillante y amo su trabajo”.
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Tras varios años de preparación, el regreso de La pasión de Cristo ya tiene fecha de inicio de rodaje. La secuela, titulada The Resurrection of the Christ, comenzará su producción en agosto de 2025 en los estudios Cinecittà de Roma, según confirmó la CEO del estudio, Manuela Cacciamani, en una entrevista con Il Sole 24 Ore.
Según Variety, otras fuentes reafirmaron que la filmación procedería en el verano boreal de este año.
El filme, dirigido nuevamente por Mel Gibson, también se grabaría en la antigua ciudad italiana de Matera y en otras localidades del sur del país, como Ginosa, Gravina, Laterza y Altamura.
Cinecittà, el corazón del cine italiano
El complejo de estudios Cinecittà en Roma será la base principal de producción de la película, específicamente en su moderno Studio 22.
Cinecittà, fundado en 1937, ha sido la cuna de grandes producciones internacionales, como Ben-Hur(1959) y La Dolce Vita (1960). El hecho de que Gibson haya elegido este lugar refuerza el carácter épico y ambicioso del proyecto, que sigue la línea de la primera película.
Como ocurrió con La pasión de Cristoen 2004, la secuela también utilizará escenarios naturales en el sur de Italia para recrear la atmósfera bíblica.
La ciudad de Matera, con su arquitectura rupestre, fue el principal escenario de la película original y volverá a desempeñar un papel clave en esta producción. A diferencia de la primera entrega, Gibson también ha explorado otras posibles locaciones, incluyendo Malta, Israel y Marruecos, según reportó Italpress en septiembre de 2024.
Un proyecto de larga gestación
Desde hace años, Gibson ha dado pistas sobre la secuela deLa pasión de Cristo, aunque la producción ha pasado por diferentes fases de desarrollo.
En enero de 2025, el director habló sobre el proyecto en The Joe Rogan Experience, señalando que la película ofrecerá una visión única de la resurrección de Jesús. “Es un viaje alucinante. Nunca he leído nada como este guion”, afirmó el cineasta.
En 2022, en una entrevista con el National Catholic Register, Gibson adelantó que la película no seguiría una narrativa lineal: “Tienes que alternar el evento central con todo lo que lo rodea en el futuro, en el pasado y en otros reinos, y eso se vuelve un poco de ciencia ficción”.
“Para contar realmente la historia, tienes que empezar con la caída de los ángeles. Eso significa que estás en otro lugar, en otro reino. Tienes que ir al infierno”, añadió en esa conversación.
El actor Jim Caviezel, quien interpretó a Jesús en la primera película, confirmó en 2018 su regreso para la secuela y aseguró en una entrevista con USA Today que “será la película más grande de la historia”.
Además de Caviezel, se espera el retorno de Maia Morgenstern como María y de Francesco De Vito en el papel de Pedro.
El guion de la película fue coescrito por Mel Gibson y Randall Wallace, guionista de Corazón valiente. Wallace ha descrito la historia como un proyecto “monumental”, con un enfoque que va más allá de la resurrección de Jesús.
La primera entrega de La pasión de Cristo (2004) fue un fenómeno mundial que recaudó casi 612 millones de dólares en taquilla y se convirtió en la película independiente más taquillera de la historia en su momento.
A pesar de su éxito, también fue objeto de controversia, especialmente por acusaciones de antisemitismo en su representación de los líderes judíos de la época. No obstante, la película se convirtió en un referente para el cine religioso y de gran éxito en dichas congregaciones en todo el mundo.
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Ficción semi-futurista y semi-deportiva, con adrenalina, humor y drama. Creada y dirigida por Iñigo Abaroa
Con un golpe de claqueta, AZTECAMURAI: La Leyenda de ULTRAXIS marcó el cierre de una etapa clave de producción en la legendaria isla de Mexcaltitán, Nayarit, con el respaldo de SECTUR Nayarit. Esta ficción semi-futurista, creada y dirigida por Iñigo Abaroa, fusiona el profesionalismo del fútbol con la mitología enmascarada de la lucha libre, en una historia de redención interna que desafía los límites entre la realidad y la virtualidad.
Desde su amor a primera vista con un libro hace décadas hasta su primera visita en enero de este año, Abaroa sintió la magia del lugar, una conexión casi inexplicable entre el espíritu de la historia y la esencia de la isla. Uno de los productores lo vivió de manera aún más directa al recibir un «bautizo» inesperado de una Garza Nayarita, una criatura con profundo significado en el Códice Boturini, el documento que sitúa a Mexcaltitán como la isla de adoración de Huitzilopochtli, en las tierras ancestrales del antiguo Aztlán.
UN VIAJE DE REDENCIÓN Y AUTODESCUBRIMIENTO
En un futuro cercano, donde el deporte más grande del mundo se juega en la frontera entre lo real y lo virtual, UNO, un ex-atleta legendario e hijo del mejor jugador en la historia de México, lucha por cambiar su destino y salvar a su familia. Para lograrlo, debe clasificar entre los mejores 24 jugadores de ULTRAXIS en el mundo, pero el verdadero reto no es físico, sino sanar y alinearse mental y espiritualmente hasta poder sostener el impacto de llegar a la cima.
Guiado por su antiguo entrenador, un genio-loco y creador del mismo juego de ULTRAXIS, el implacable PROFEI, UNO enfrentará desafíos dentro de simulaciones diseñadas para quebrarlo desde adentro. Solo si logra ver más allá de lo absurdo y conquistar los 8 pilares, podrá demostrar su nivel de élite como atleta, con autodominio, instinto intuitivo y convicción trascendental. Y solo entonces podrá romper las reglas del juego al reescribir el mismo deporte, convirtiéndose en el primer jugador enmascarado en la historia de ULTRAXIS, en un mundo donde todos han competido con su identidad real.
FILMADA EN MÉXICO, NACIDA DEL COLECTIVO
Desde 2023, la película ha evolucionado con cada locación, cada día de rodaje y cada nuevo talento sumado al equipo. Para Abaroa, el cine ha sido un aprendizaje en la construcción colectiva, un acto de fe donde cada pieza suma algo más grande que el individuo.
“Desde mi co-escritor hasta el último miembro del crew en sumarse, lo mejor que he aprendido a hacer por este proyecto fue dejar que fuera moldeado por más almas, mentes y corazones…así es como realmente cobra vida de la mejor manera”
En Mexcaltitán, esa sinergia se hizo evidente. La isla y su gente no fueron solo el escenario de la historia, sino parte activa de la película. Desde los niños que aparecieron justo cuando se necesitaban, hasta los pescadores que prestaron sus pangas y su tiempo, cada toma fue moldeada con la energía y esencia del lugar.
Los jóvenes del pueblo aún juegan en las calles, en las canchas de la plaza, corren o andan en bicicleta, lejos de la constante distracción de las pantallas. Su autenticidad y entusiasmo fueron el alma de varias escenas clave:
• Miguel Ángel, Arturo, José, Kevin, Julio y Steven lanzando tomates y piñas con precisión quirúrgica.
• Juan Gilberto bailando sobre las pangas al amanecer.
• El párroco y la iglesia del pueblo abriendo sus puertas justo cuando la necesitábamos.
• Másde 100 Mexcaltecas participaron de alguna manera en la filmación, haciendo de este rodaje una experiencia inolvidable.
La naturaleza también fue protagonista. El calor y los jejenes—esos pequeños demonios voladores—atacaron sin piedad, dejando su marca en nuestro primer asistente de cámara y director de fotografía. Pero incluso en su crudeza, la isla fue generosa, regalándonos noches frescas en medio de una ola de calor y protegiéndonos de riesgos mayores en el pesca, la icónica estructura de madera en medio de la marisma donde rodamos algunos de los planos más bellos de la película.
Y como si todo estuviera predestinado, el eclipse lunar del 13 al 14 de marzo—un evento de profunda simbología en la película—se alineó con nuestro rodaje sin haber sido planeado. El sol y la luna, la dualidad que define el viaje de UNO, se manifestaron en el cielo justo cuando más lo necesitábamos.
UN EQUIPO QUE ELEVA NUESTRO PROYECTO A OTRO NIVEL
El corazón de AZTECAMURAI no solo late en su historia y locaciones, sino en el equipo extraordinario que ha llevado este proyecto más allá de su concepción original. Marcos Bucay, productor y parte fundamental del BrainTrust de historia y guion, ha sido clave en la evolución narrativa del proyecto, aportando su visión desde su experiencia en La Oficina (PrimeVideo), Club de Cuervos y ¿Cómo sobrevivir soltero?. En el área de distribución, contamos con el respaldo estratégico de Jim Packer, veterano de Lionsgate, así como de Edward Allen y Paul Presburger, de Miércoles Entertainment, quienes han aportado su vasta experiencia en la distribución de cine y series para Latinoamérica y el público US-Hispanic. Junto a ellos, Will Gish ha sido un aliado invaluable en la escritura, consolidando la identidad única de la historia.
UN NUEVO MODELO PARA EL CINE INDEPENDIENTE
AZTECAMURAI no solo es un reto visual y narrativo, también es una apuesta por un nuevo paradigma en el cine independiente mexicano, latino y US-Hispanic. Un modelo donde la visión artística se equilibra con una estrategia de negocios aterrizada, permitiendo una independencia real sin comprometer la identidad ni ejecución de la obra.
El viaje aún no termina…
Gracias, Mexcaltitán. Gracias por prestarnos tu luz, tu gente y tu inigualable magia para anunciar oficialmente nuestra pelicula.
Photo credit: «Michikai Studio»
#Aztecamurai #CineMexicano #CineIndependiente
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BLANCA NIEVES de Disney, una nueva versión de «acción viva» del clásico de 1937. Esta mágica aventura regresa la inolvidable historia con Rachel Zegler en el rol principal y Gal Gadot como su madrastra, la Reina Malvada. El nuevo tráiler muestra la magnitud y belleza del impresionante diseño de producción, los entrañables personajes: Tímido, Doc, Tontín, Gruñón, Feliz, Dormilón y Estornudo, y un primer vistazo a la poderosa balada “Waiting on a Wish”.
Una prometedora violinista y su marido, un ambicioso periodista de radio local, atraviesan una crisis matrimonial que parece llevarles a una ruptura definitiva. Todo cambia cuando él descubre por una investigación cómo las intervenciones de San José han impactado a otros y reflexiona sobre su propio papel como esposo y padre. En el momento crucial, ¿Actuará como el guardián de su familia?
Dalia descubre que su marido ha desaparecido. Su vida y su trabajo como conductora de metro empiezan a derrumbarse; la violenta indiferencia de su entorno la envuelve en un oscuro túnel que parece no llevar a ninguna parte.
OTRO CUERPO sigue a una estudiante universitaria después de descubrir que han suplantado su apariencia con una aplicación ‘deepfake‘ para generar pornografía en Internet. A través de diarios en video espontáneos, medios sintéticos y animación 2D y 3D, la película nos lleva a los mundos en línea y fuera de línea de Taylor, humanizando un vasto problema social y reflexionando sobre la urgencia de adelantar la ética y la integridad humana al avance de la tecnología.
A lo largo del año de 1938, el Presidente Lázaro Cárdenas, enfrenta la decisión más difícil de su mandato: expropiar la industria petrolera. Poderosas empresas extranjeras no están dispuestas a permitirlo; la resolución implica además indemnizarlas para evitar un conflicto internacional de grandes magnitudes. Es aquí donde el pueblo mexicano se une para aportar lo que puede con tal de que el petróleo regrese a las manos de la nación.
Actores: Rober De Niro, Debra Messing, Cosmo Jarvis, Kathrine Narducci
País Estados Unidos
Duración 2h 3m
The Alto Knights sigue a dos de los jefes del crimen organizado más notorios de Nueva York, Frank Costello y Vito Genovese, y cómo sus caminos separados hacia el poder los colocan en un curso de colisión mortal.
