De Bambi a los Marines

Donnie Dunagan, la voz original del pequeño Bambi, murió a los 92 años después de llevar una de las vidas más insólitas relacionadas con Hollywood: actor infantil, compañero de Boris Karloff y, más tarde, condecorado mayor de los Marines.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Imaginen entrar al cuartel y descubrir que el mayor al mando fue alguna vez Bambi.

Donnie Dunagan hizo todo lo posible para que eso nunca ocurriera.

El actor que prestó su voz al pequeño cervatillo en BAMBI (Bambi, 1942) murió el pasado 4 de noviembre a los 92 años, víctima de cáncer de pulmón. La noticia se conoció públicamente días después.

Su biografía parece escrita por dos personas distintas.

Dunagan nació en San Antonio, Texas, en 1934 y comenzó a actuar siendo apenas un niño. Antes de llegar a Disney apareció en EL HIJO DE FRANKENSTEIN (Son of Frankenstein, 1939), donde interpretó a Peter, hijo del barón Wolf von Frankenstein, compartiendo pantalla con Basil Rathbone, Bela Lugosi y Boris Karloff.

Años después recordaría algo maravilloso: jugaba damas con Karloff durante los descansos… mientras éste todavía llevaba puesto el maquillaje del monstruo.

Luego llegó Disney.

Tenía seis años cuando fue elegido para prestar su voz al joven Bambi. También sirvió como referencia para los animadores, que estudiaban sus expresiones infantiles mientras construían al personaje.

Y le tocó participar en una de las escenas que traumatizaron a generaciones enteras: aquella en la que Bambi descubre que su madre ha muerto.

BAMBI sería su última película.

A los 18 años, Dunagan dejó Hollywood y en 1952 ingresó al Cuerpo de Marines de Estados Unidos. Permaneció allí durante 25 años, participó en tres períodos de servicio en Vietnam, trabajó en contrainteligencia y Force Recon y se retiró con el rango de mayor. Entre sus condecoraciones recibió una Estrella de Bronce y tres Corazones Púrpura.

Pero había un pequeño detalle de su expediente que nadie conocía.

Había sido Bambi.

Durante prácticamente toda su carrera militar lo mantuvo en secreto. Dunagan explicó años después que imaginaba lo que ocurriría si cientos de jóvenes Marines descubrían aquel antecedente:

terminaría convertido en “Major Bambi”.

Así que cerró la boca.

Un compañero no descubrió la verdad hasta aproximadamente un mes antes de que ambos se retiraran. Con el tiempo, Dunagan reconoció que haber ocultado aquella parte de su vida había sido uno de sus grandes arrepentimientos.

Finalmente terminó aceptando con cariño al personaje del que durante tantos años había huido.

Porque pocas carreras pueden resumirse así:

primero hizo llorar a millones de niños.

Después pasó un cuarto de siglo entre Marines.

Y al final descubrió que no había nada vergonzoso en que lo recordaran como aquel pequeño venado.

Donnie Dunagan sobrevivió a Hollywood, a Vietnam y al apodo de “Major Bambi”.

Nada mal para un cervatillo.



GODZILLA VUELVE A RUGIR… DESDE CASA!

GODZILLA MINUS ZERO, continuación de la multipremiada GODZILLA MINUS ONE, ya está en los cines de México. El monstruo más famoso de Japón regresa más grande, más ruidoso y con algo que Hollywood no siempre puede fabricar: memoria.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Godzilla tiene más de setenta años, ha destruido Tokio incontables veces, peleado contra monstruos imposibles y hasta emigrado a Hollywood.

Pero de vez en cuando vuelve a casa.

GODZILLA MINUS ZERO (Godzilla Minus Zero) llegó a los cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, dos días después de su estreno en Japón y un día antes de desembarcar en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y otros mercados.

La película continúa directamente la historia de GODZILLA MINUS ONE (Godzilla Minus One, 2023), la producción japonesa que sorprendió al mundo al combinar espectáculo de monstruos con un drama sobre culpa, supervivencia y las heridas dejadas por la Segunda Guerra Mundial.

Y además consiguió algo que hasta entonces ningún Godzilla había logrado: ganar el Óscar a Mejores Efectos Visuales.

Detrás vuelve a estar Takashi Yamazaki, nuevamente como director, guionista y responsable de los efectos visuales. La historia avanza dos años respecto a la anterior: Japón intenta reconstruirse y recuperar cierta normalidad después de la guerra y del ataque de Godzilla.

Naturalmente, la tranquilidad dura poco.

La película dura 135 minutos y recupera varios personajes de la cinta anterior, entre ellos Kōichi Shikishima y Noriko. Esta vez la amenaza crece tanto en escala como en ambición, pero Yamazaki conserva algo que distinguió a MINUS ONE de muchas superproducciones contemporáneas: antes de preocuparse por el monstruo, procura que nos preocupemos por las personas que están debajo de sus enormes patas.

Y hay otra novedad importante.

GODZILLA MINUS ZERO es la primera producción japonesa rodada bajo el programa “Filmed for IMAX”, lo que convierte la experiencia de pantalla grande en parte importante de su propuesta. Toho incluso organizó funciones anticipadas IMAX alrededor del Godzilla Day del 3 de noviembre.

Las primeras críticas han sido mayoritariamente favorables, aunque no unánimes. Algunos críticos celebran que sea más grande, oscura y visualmente espectacular que su predecesora; otros consideran que el drama humano ocupa demasiado espacio frente al espectáculo monstruoso. En Rotten Tomatoes aparece actualmente con 90% de aprobación de la crítica y 96% del público verificado.

Pero quizá lo más interesante sigue siendo otra cosa.

Hollywood convirtió a Godzilla en protagonista de una enorme franquicia internacional.

Japón, en cambio, volvió a utilizarlo como lo hizo desde 1954: no solamente como monstruo, sino como reflejo de los miedos de una sociedad.

Destrucción.

Guerra.

Radiación.

Trauma.

Reconstrucción.

Por eso Godzilla puede atravesar ciudades y décadas sin desaparecer.

A veces es espectáculo.

A veces es metáfora.

Y cuando vuelve a Japón, suele ser las dos cosas al mismo tiempo.

Después de todo, hasta los monstruos saben dónde está su casa.





EL GATO CON SOMBRERO: ¿DIVERSIÓN INOCENTE O DEMASIADAS TRAVESURAS?

La nueva película animada de Warner Bros. llega a los cines mexicanos con una promesa de magia, caos e irreverencia. Pero ¿Es realmente recomendable para los niños?

Ante el estreno de esta aventura animada, CINESAURIO revisó información oficial, entrevistas con sus creadores y evaluaciones de críticos y especialistas para ofrecer a los padres elementos que les ayuden a decidir si es una película apropiada para sus hijos.

El famoso personaje creado por Dr. Seuss en 1957 regresa a la pantalla grande con El Gato con Sombrero (The Cat in the Hat, 2026), una producción animada dirigida por Erica Rivinoja y Alessandro Carloni, con Bill Hader como la voz original del travieso felino y Alfonso Herrera en el doblaje mexicano.

Alfonso Herrera protagoniza el doblaje en Español

La historia presenta a Gabby y Sebastián, dos hermanos que atraviesan momentos difíciles después de mudarse a otra ciudad. Para devolverles la alegría aparece un gato extravagante que tiene una solución para todo: imaginación, magia y unas travesuras que suelen terminar en un desorden monumental.

Hasta aquí, entretenimiento infantil. Pero hay algo que merece nuestra atención.

¿Diversión o invitación a desobedecer?

Durante la infancia, especialmente entre los tres y siete años, los niños todavía están desarrollando su capacidad para distinguir las consecuencias reales de las acciones que observan en la ficción.

Un personaje que rompe las reglas, desafía a los adultos y provoca desastres sin consecuencias aparentes puede resultarles muy atractivo.

¿Significa que después de ver la película los pequeños saldrán a destruir la casa? Por supuesto que no. Los niños no son máquinas que reproducen automáticamente lo que ven.

Sin embargo, desde la psicología y la educación, importa observar si las conductas inadecuadas aparecen acompañadas de consecuencias y aprendizajes, o si solamente son celebradas porque provocan carcajadas.

¿Qué pretenden realmente sus creadores?

En una entrevista con Cartoon Brew, los directores explicaron que buscan abordar un problema contemporáneo: niños cada vez más absorbidos por las pantallas, los videojuegos y las redes sociales, pero desconectados de sus familias.

La intención declarada es recuperar la imaginación, la convivencia y la capacidad de disfrutar el presente.

No encontramos evidencias de una agenda oculta para promover la desobediencia o destruir los valores familiares. Más bien, la película parece utilizar el caos como vehículo para hablar de afecto, adaptación a los cambios y comprensión entre padres e hijos.

Lo bueno y lo cuestionable

A favor: imaginación desbordante, creatividad visual, humor y mensajes positivos sobre la familia, la amistad y la importancia de comprender los sacrificios de los padres.

En contra: algunas críticas advierten de humor escatológico, lenguaje inconveniente para los pequeños, violencia caricaturesca, escenas con monstruos que pueden asustarlos y un ritmo visual excesivamente acelerado.

No necesariamente son elementos perjudiciales, pero tampoco conviene ignorarlos.

Entonces, ¿a qué edad?

Nuestra recomendación orientativa es reservarla preferentemente para niños de ocho años en adelante, acompañados por sus padres. Entre los seis y siete años dependerá de su madurez y sensibilidad. Para los menores de seis, sería preferible elegir una película más tranquila.

La clasificación estadounidense es PG, que recomienda orientación de los padres. En México, las fuentes consultadas muestran clasificaciones distintas, por lo que conviene verificar la correspondiente a la exhibición elegida.

El balance de CINESAURIO

El Gato con Sombrero parece tener buenas intenciones, aunque su manera de transmitirlas puede resultar demasiado estridente.

No es necesario prohibir las travesuras cinematográficas. La imaginación también necesita romper algunas reglas… ¡por lo menos las de la fantasía!

Lo importante es que los niños comprendan que divertirse no significa hacer lo que se nos antoje sin pensar en los demás.

Y si después de la función padres e hijos conversan sobre lo que vieron, quizá el gato haya conseguido algo mejor que provocar carcajadas: dejar una pequeña enseñanza debajo de su enorme sombrero.


Nota editorial: Este artículo se elaboró a partir de información oficial, entrevistas con los realizadores y reseñas de críticos y especialistas que han visto la película. No constituye una crítica basada en un visionado propio. Las edades sugeridas son una orientación editorial para las familias, no una clasificación oficial ni una evaluación clínica sobre sus posibles efectos en los niños.





Diego Luna estrena mañana CENIZA EN LA BOCA

CENIZA EN LA BOCA, dirigida por Diego Luna llega mañana, 5 de noviembre, a los cines de México. Una historia de migración, familia y desarraigo que recuerda algo incómodo: cambiar de país no siempre significa cambiar de vida.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Diego Luna vuelve a colocarse detrás de la cámara.

Y esta vez no para contar una historia cómoda.

CENIZA EN LA BOCA, su nuevo largometraje como director, se estrena en cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, después de recorrer festivales como Cannes, Toronto, San Sebastián, Sarajevo y Morelia. La película es una coproducción entre México y España y tiene una duración aproximada de 98 minutos.

La historia sigue a Lucila, una joven mexicana interpretada por Anna Díaz, que viaja con su hermano Diego a Madrid para reencontrarse con su madre, Isabel, encarnada por Adriana Paz.

La madre lleva ocho años viviendo y trabajando ilegalmente en España para sostenerlos desde lejos.

En teoría, el reencuentro debería significar empezar de nuevo.

En la práctica, las cosas resultan bastante menos sencillas.

Lucila descubre que emigrar no elimina automáticamente los problemas: aparecen empleos precarios, discriminación, racismo, responsabilidades familiares que nadie pidió y una sensación constante de no pertenecer del todo a ningún sitio.

La escritora mexicana Brenda Navarro

La película está basada en la novela homónima de Brenda Navarro, publicada originalmente en 2021. El guion fue desarrollado por Diego Luna junto con Abia Castillo y Diego Rabasa, en un proceso que tomó alrededor de dos años y medio.

Pero quizá lo más interesante está en el punto de vista.

Ésta no parece ser simplemente una película “sobre migrantes”.

Es una historia sobre lo que ocurre dentro de una familia cuando la distancia, el sacrificio y las expectativas empiezan a cobrar factura.

Porque emigrar suele contarse como una historia de oportunidad: alguien se va para construir una vida mejor.

CENIZA EN LA BOCA se pregunta qué pasa cuando esa vida mejor llega acompañada de otras heridas.

Luna ha explicado que considera especialmente pertinente hablar hoy de migración y que el proyecto fue desarrollado durante varios años con un equipo de voces diversas.

La película también llega con un recorrido internacional considerable. Fue presentada en una función especial del Festival de Cannes 2026, formó parte de Horizontes Latinos en San Sebastián y posteriormente llegó al Festival Internacional de Cine de Morelia.

Ahora le toca encontrarse con el público mexicano.

Y quizá ahí esté la verdadera prueba.

Porque detrás de estadísticas, fronteras, permisos y discusiones políticas sobre migración siempre termina apareciendo algo mucho más sencillo:

una persona que se fue,

otra que se quedó,

y una familia intentando averiguar qué queda de ellas cuando finalmente vuelven a encontrarse.

CENIZA EN LA BOCA llega mañana a las salas mexicanas.

Y a veces basta cruzar un océano para descubrir que hay cosas de las que uno nunca termina de irse.




Homero, ahora con prompt

Grok Imagine, la inteligencia artificial de Elon Musk, publicó los primeros siete minutos de su propia versión de LA ODISEA. Mientras Christopher Nolan convirtió a Homero en un espectáculo cinematográfico gigantesco, la IA intenta demostrar que también puede llegar a Ítaca.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Homero debe estar pasando una temporada bastante movida.

Después de que Christopher Nolan convirtiera LA ODISEA (The Odyssey) en uno de los grandes acontecimientos cinematográficos recientes, apareció un nuevo competidor dispuesto a contar las aventuras de Odiseo.

Solo que éste no necesita cámaras, barcos ni miles de extras.

Necesita prompts.

El pasado 23 de octubre, Grok Imagine, la herramienta de generación de imágenes y video de xAI, publicó el primer episodio de una versión de LA ODISEA creada mediante inteligencia artificial. Dura poco más de siete minutos y fue realizada en colaboración con Wonder Studios y el director Dev Walker, ambos especializados en producción audiovisual con IA.

El proyecto había sido anunciado en julio por Elon Musk con una promesa bastante ambiciosa: antes de terminar 2026, Grok produciría un largometraje completo, “históricamente preciso” y fiel al poema de Homero.

Por ahora tenemos siete minutos.

El episodio muestra a Odiseo antes de partir hacia la Guerra de Troya, resistiéndose inicialmente a participar hasta que un antiguo juramento termina obligándolo a embarcarse.

Y aquí comienza lo interesante.

Porque casi simultáneamente tenemos dos maneras radicalmente distintas de enfrentarse a un texto escrito hace casi tres mil años.

Por un lado está Nolan: producción física, grandes escenarios, actores, cámaras, fotografía, montaje, sonido y una obsesión casi religiosa por hacer que el espectador vaya a una sala de cine.

Por el otro está Grok Imagine: instrucciones escritas a una inteligencia artificial que genera personajes, escenarios, movimientos y voces a partir de modelos digitales.

En teoría, ambos parten del mismo sitio.

Homero.

Pero el camino hacia Ítaca no podría ser más distinto.

La primera muestra de Grok también evidencia que la tecnología todavía tiene dificultades. Medios especializados han señalado problemas de sincronización entre voces y rostros, movimientos artificiales y una interpretación visual irregular. Incluso la propia Grok, al ser consultada posteriormente sobre la supuesta “precisión histórica”, reconoció que semejante promesa es complicada: LA ODISEA es, después de todo, un poema mitológico, no una crónica periodística de la Edad de Bronce.

Y quizá allí esté la verdadera historia.

No se trata de decidir todavía si la inteligencia artificial podrá algún día hacer una buena película.

La pregunta es otra:

¿Qué convierte a una sucesión de imágenes en cine?

¿La tecnología?

¿El presupuesto?

¿La cámara?

¿Los actores?

¿O las decisiones humanas que determinan por qué una imagen aparece después de otra?

Grok tiene hasta fin de año para cumplir su promesa de completar el largometraje.

Mientras tanto, Homero probablemente observa todo desde algún lugar.

Después de casi tres mil años, descubrir que ahora también necesita aprender a escribir prompts debe ser su aventura más extraña.

Creo que aquí el contraste Nolan vs. Grok funciona mucho mejor que hacer una simple nota tecnológica. El verdadero personaje termina siendo el cine mismo: dos caminos para contar exactamente la misma historia y dos ideas muy distintas de lo que significa hacer una película.



Tres horas, ningún superhéroe… y salas llenas

YOU CAN SEE EVERYTHING, el documental sobre Elizabeth Holmes, debutó con 15 millones de dólares en solo 855 salas. Una pequeña prueba de que quizá el público no perdió la paciencia: simplemente dejó de regalársela a cualquier película.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Hollywood lleva años preocupado porque el público supuestamente ya no aguanta sentado.

Que si TikTok redujo nuestra capacidad de atención. Que si una película de dos horas ya es demasiado. Que si hay que meter acción antes de que alguien saque el celular.

Y entonces llega un documental de dos horas con 55 minutos.

Y llena las salas.

¡BOLETOS AGOTADOS! y a ¡$20 DÓLARES POR CABEZA!!

YOU CAN SEE EVERYTHING (You Can See Everything), dirigido por Nathan Fielder y Lance Oppenheim, debutó este fin de semana en Estados Unidos y Canadá con 15 millones de dólares en apenas 855 salas. A24 reportó más de 2,000 funciones agotadas, convirtiéndolo en el mejor estreno norteamericano para un documental en más de veinte años.

Nada mal para una película sin superhéroes, dinosaurios, multiversos ni autos brincando entre edificios.

¿De quién habla? De Elizabeth Holmes, fundadora de Theranos, la empresa que prometía revolucionar los análisis médicos realizando cientos de pruebas con unas cuantas gotas de sangre. La compañía llegó a valer miles de millones de dólares hasta que investigaciones periodísticas revelaron que gran parte de aquellas promesas no funcionaban como se aseguraba.

Holmes fue condenada por fraude y comenzó a cumplir una sentencia federal en 2023.

El documental arranca 34 días antes de su ingreso a prisión, cuando permite que un equipo filme su vida familiar junto a su pareja y sus hijos. Lo que empieza como retrato íntimo termina convirtiéndose en una exploración sobre verdad, manipulación, imagen pública y una pregunta bastante incómoda: ¿cuánto de lo que vemos es realmente la persona y cuánto es el personaje que quiere mostrarnos?

Ahí está probablemente la razón de su éxito.

La historia de Holmes ya había sido contada en libros, podcasts, reportajes y televisión. Pero conocer los hechos no necesariamente significa comprender al personaje.

Fielder y Oppenheim encontraron todavía algo que explorar.

Oppenheim, además, dirigió PRIMETIME (Primetime), otra película interesada en esa zona borrosa donde realidad, medios y espectáculo empiezan a mezclarse.

Pero el dato más sabroso está en el público: más del 70% de quienes compraron boleto fueron menores de 35 años.

Es decir, buena parte de esa generación acusada constantemente de no aguantar más de diez minutos de atención decidió pagar para sentarse casi tres horas frente a un documental.

Tal vez habría que revisar el diagnóstico.

Quizá los jóvenes no odian las películas largas.

Quizá odian aburrirse.

Y esa puede ser la verdadera lección de YOU CAN SEE EVERYTHING (You Can See Everything). No todas las películas necesitan durar tres horas —por favor, Hollywood, tampoco exageres—, pero la duración deja de importar cuando existe curiosidad, conversación y una historia que promete algo más que llenar tiempo.

El público todavía tiene paciencia.

Solo que ahora parece administrarla mejor.



CUANDO LA NOTICIA SE CONVIERTE EN SHOW

PRIMETIME, película presentada hoy sábado en el Festival de Venecia con Robert Pattinson, revisa la frontera incómoda entre periodismo, justicia, espectáculo y rating.

Hubo un tiempo en que la noticia quería informar.

Luego descubrió la iluminación dramática, la música de suspenso, el corte a comerciales y el primer plano del conductor mirando a cámara como si acabara de descubrir el pecado original.

Robert Pattinson y Chris Hansen conductor de To Catch a Predator

Y entonces la noticia se puso maquillaje.

Ese parece ser el terreno de PRIMETIME (Primetime), película presentada este sábado 5 de septiembre en el Festival de Venecia, dirigida por Lance Oppenheim y protagonizada por Robert Pattinson. La cinta está inspirada en el polémico programa televisivo TO CATCH A PREDATOR (To Catch a Predator), aquel formato de NBC en el que cámaras ocultas, periodistas, policías y presuntos depredadores sexuales se mezclaban en una fórmula explosiva: investigación, trampa, justicia pública y televisión de alto impacto.

Robert Pattinson y Lance Oppenheim (Director) hoy sábado en Venecia

La película marca el debut de Oppenheim en la ficción narrativa, después de una trayectoria en el documental, y coloca a Pattinson en un papel inspirado en Chris Hansen, el conductor que se volvió rostro de aquel fenómeno televisivo. Hansen no participó en la producción y ha criticado el proyecto, lo que añade otra capa al asunto: incluso cuando el cine intenta revisar la televisión, la televisión revisada también reclama su versión de los hechos.

Pero lo interesante no es solo el caso concreto. Lo interesante es la pregunta que queda flotando sobre la pantalla:

¿En qué momento informar dejó de ser suficiente y empezó a convertirse en espectáculo?

Ahí PRIMETIME (Primetime) dialoga, aunque desde otro terreno, con SEPTEMBER 5 (September 5), la película de Tim Fehlbaum sobre la cobertura televisiva del ataque terrorista contra la delegación israelí en los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972. Aquella cinta se centra en el equipo de ABC Sports, que de pronto pasó de narrar competencias olímpicas a transmitir en vivo una tragedia internacional.

La relación entre ambas es muy sugerente. SEPTIEMBRE 5 (September 5) mira el origen de una era: la noticia en vivo como acontecimiento global. PRIMETIME (Primetime) parece mirar una consecuencia posterior: la noticia convertida en formato, en marca, en tensión narrativa, en personaje televisivo y en producto de consumo.

Una muestra el momento en que la cámara llega a una tragedia.

La otra, el momento en que la cámara parece empezar a construir el escenario de la confrontación.

Y ahí la cosa se pone incómoda.

Porque el periodismo necesita mirar. Necesita investigar. Necesita revelar. Pero la televisión, cuando descubre que el público no solo quiere saber sino también sentir adrenalina, puede cruzar una línea delicada. La noticia deja de ser únicamente información y empieza a organizarse como relato: presentación del sospechoso, tensión, confrontación, caída y cierre moral. Casi como si la realidad pidiera estructura de película policiaca.

El problema es que la realidad no siempre obedece al guion.

Chris Hansen

En el caso de TO CATCH A PREDATOR (To Catch a Predator), el programa se volvió un fenómeno cultural en Estados Unidos, pero también fue cuestionado por sus métodos, por la colaboración entre medios y fuerzas policiales, y por el riesgo de convertir la exposición pública en castigo televisado. PRIMETIME (Primetime) toma inspiración también de un caso trágico de 2006, cuando Bill Conradt, fiscal asistente en Texas, murió por suicidio durante una operación vinculada al programa.

Por eso la película no parece tratar solo de un conductor famoso ni de una serie polémica. Trata de una pregunta que sigue viva:

¿Qué pasa cuando la televisión se coloca entre la justicia y el espectáculo?…

¿Qué ocurre cuando una cámara no solo registra una escena, sino que ayuda a convertirla en evento?…

Robert Pattinson, que en los últimos años ha construido una carrera bastante más inquieta de lo que muchos imaginaban en tiempos de vampiros crepusculares, parece encontrar aquí un papel hecho para la ambigüedad. No interpreta simplemente a un héroe ni a un villano. Interpreta a una figura mediática situada en esa zona gris donde la denuncia, el ego, la fama, la utilidad pública y el rating pueden sentarse en la misma mesa.

Y quizá por eso este tema resulta tan atractivo. Porque el cine no solo sirve para contar historias inventadas; también sirve para revisar cómo hemos contado la realidad. Nos permite mirar el aparato detrás de la imagen: la cámara, el productor, el conductor, el editor, la audiencia, el rating y esa pregunta que rara vez aparece en pantalla: ¿Quién se beneficia de que esto se vea así?

En SEPTIEMBRE 5 (September 5), la televisión enfrenta una tragedia que ocurre frente a sus cámaras.

En PRIMETIME (Primetime), la televisión parece haber aprendido a convertir la confrontación en fórmula.

Entre una y otra hay décadas de evolución mediática, pero también una misma inquietud: cuando la realidad entra a cuadro, ¿la estamos mirando… o la estamos produciendo?

Tal vez por eso estas películas incomodan. Porque no solo hablan de la televisión. Hablan de nosotros, los espectadores. De nuestra curiosidad. De nuestro morbo. De esa parte nuestra que dice “¡Qué horror!”… pero no cambia de canal.

Y ahí está el verdadero golpe.

Cuando la noticia se convierte en show, siempre hay alguien sentado enfrente, viéndola.

Por el equipo editorial de Cinesaurio


DOLLY PARTON: CONVIRTIÓ LAS LENTEJUELAS EN LUZ PROPIA

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Dolly Parton murió este martes 25 de agosto de 2026, a los 80 años, en Nashville, Tennessee. La noticia fue confirmada por su familia y representantes. Hasta el momento no se ha informado oficialmente la causa de su muerte; distintos medios señalan que en los últimos meses había enfrentado problemas de salud, pero la versión pública disponible se limita a indicar que falleció pacíficamente.

Con Dolly Parton se va mucho más que una estrella de la música country. Se va una de esas figuras rarísimas que parecían inventadas por el propio espectáculo: voz prodigiosa, pelucas imposibles, vestidos brillantes, humor afilado, inteligencia empresarial y una capacidad enorme para reírse de sí misma antes de que alguien más intentara hacerlo.

Dolly Rebecca Parton nació el 19 de enero de 1946 en Pittman Center, Tennessee, y creció en una familia pobre de las montañas Smoky.

Dolly Parton en los Premios Óscar de 2006

Reuters recuerda que fue una de doce hijos y que su origen humilde marcó profundamente su música, sus letras y su manera de relacionarse con el público. De ahí salió una artista que nunca renegó de sus raíces, pero tampoco permitió que la encerraran en ellas.

Su carrera musical fue monumental. Escribió miles de canciones, vendió más de 100 millones de discos y dejó títulos que ya forman parte de la memoria popular: “Jolene”, “Coat of Many Colors”, “9 to 5” y, por supuesto, “I Will Always Love You”, canción que ella compuso y que décadas después Whitney Houston convirtió en fenómeno mundial. Reuters la describe como autora de aproximadamente 3,000 canciones y una de las figuras más reconocibles de la cultura popular estadounidense.

Pero en CINESAURIO nos toca mirarla también desde la pantalla. Dolly debutó en cine con COMO ELIMINAR A SU JEFE (9 to 5, 1980), junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, una comedia laboral que hoy se recuerda como una pequeña bomba feminista envuelta en humor. IMDb señala que por esa película obtuvo una nominación al Óscar por la canción principal, además de premios Grammy por “Nine to Five”.

Después vinieron LA MEJOR CASITA DE PLACER (The Best Little Whorehouse in Texas, 1982), con Burt Reynolds; EL TAXISTA CARADURA (Rhinestone, 1984), con Sylvester Stallone; MAGNOLIAS DE ACERO (Steel Magnolias, 1989), junto a Sally Field, Shirley MacLaine, Olympia Dukakis, Daryl Hannah y Julia Roberts; FAMOSA POR ERROR (Straight Talk, 1992); y RUIDOS GOZOSOS (Joyful Noise, 2012), con Queen Latifah. Su filmografía nunca fue tan extensa como su discografía, pero sí dejó una presencia reconocible: Dolly no “aparecía” en pantalla; entraba como si la luz la hubiera estado esperando.

Como actriz tenía una virtud muy difícil: parecía natural incluso cuando todo en ella era deliberadamente actuado. Su imagen era grande, brillante, exagerada, casi de caricatura; pero detrás de esa superficie había una persona cálida, precisa, inteligente y dueña absoluta de su personaje público. Ella misma convirtió el exceso en marca personal. Las lentejuelas, el peinado, el maquillaje y el humor no eran disfraz: eran armadura, bandera y declaración de independencia.

Dolly Parton en el Songwriters Hall of Fame

Sus premios hablan de una carrera fuera de serie. Fue reconocida con múltiples Grammy; ingresó al Country Music Hall of Fame, al Songwriters Hall of Fame y al Rock & Roll Hall of Fame; recibió la National Medal of Arts y los Kennedy Center Honors. En 2025, la Academia de Hollywood anunció que Dolly Parton recibiría el Premio Humanitario Jean Hersholt, uno de los reconocimientos más importantes que otorga la industria cinematográfica por labores filantrópicas.

Y justamente ahí aparece otra Dolly: la filántropa. Su Imagination Library distribuyó millones de libros gratuitos a niños; también apoyó causas educativas, víctimas de desastres y proyectos de salud. AP recuerda que donó un millón de dólares a investigaciones relacionadas con la vacuna contra COVID-19, además de impulsar programas de lectura infantil y ayuda comunitaria.

Dolly Parton en el Rock & Roll Hall of Fame, 2022

Dolly Parton fue única porque nunca pidió permiso para ser varias cosas a la vez. Fue cantante country y estrella pop. Compositora sentimental y empresaria astuta. Mujer de fe y figura camp. Símbolo del sur estadounidense y celebridad global. Una artista profundamente popular que podía cantar una pena amorosa con absoluta sinceridad y, al minuto siguiente, soltar una broma sobre su propio escote.

Quizá por eso la quiso tanta gente tan distinta. Dolly no parecía hablar desde una torre de fama, sino desde una cocina iluminada, un camerino lleno de brillo o una carretera de Tennessee. Tenía esa cualidad rara de las estrellas verdaderas: era más grande que la vida, pero nunca dejó de sonar cercana.

En el cine, en la música y en la cultura popular, Dolly Parton deja algo más que canciones y películas. Deja una lección de identidad: se puede ser brillante sin volverse frío, poderoso sin perder ternura, famoso sin olvidar de dónde se viene.

Hoy se apaga una voz inmensa.

Pero Dolly Parton hizo lo que solo logran los artistas inolvidables: dejó suficiente luz como para que el escenario no se quede oscuro.



HOMERO TAMBIÉN VENDE PALOMITAS…

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante años nos han dicho que el público ya no tiene paciencia. Que las películas largas espantan. Que las historias complejas no venden. Que si no hay superhéroes, multiversos, cameos sorpresa o muñecos coleccionables, la taquilla se pone nerviosa.

Y entonces llegó Homero.

Bueno, llegó Christopher Nolan con Homero bajo el brazo.

LA ODISEA (The Odyssey) acaba de convertirse en la película clasificación ‘R’ más taquillera de todos los tiempos, superando a DEADPOOL & WOLVERINE, que tenía el récord desde 2024. Según reportes recientes, la cinta de Nolan ya ronda los 1,400 millones de dólares a nivel mundial y también se convirtió en la película más taquillera de toda su carrera.

LA ODISEA (The Odyssey) acaba de convertirse en la película clasificación ‘R’ más taquillera de todos los tiempos, superando a DEADPOOL & WOLVERINE (Deadpool & Wolverine), que tenía el récord desde 2024. Según reportes recientes, la cinta de Nolan ya ronda los 1,400 millones de dólares a nivel mundial y también se convirtió en la película más taquillera de toda su carrera.

El dato es notable por muchas razones. Primero, porque estamos hablando de una película clasificación R en Estados Unidos, lo que limita el acceso de menores de 17 años si no van acompañados por un adulto. Segundo, porque no se trata precisamente de una comedia ligera de hora y media. Es una epopeya antigua, basada en un poema atribuido a Homero, con viaje, guerra, monstruos, dioses, regreso al hogar y bastante sufrimiento humano. Nada de “me la explicas en TikTok en treinta segundos”.

Y aun así, el público compró boleto.

Ahí está la noticia verdadera.

Nolan tomó una obra literaria que tiene casi tres mil años de antigüedad y la convirtió en acontecimiento cinematográfico. No la vendió como tarea escolar ni como lectura obligatoria con examen el lunes. La presentó como espectáculo: gran formato, reparto estelar, aventura, misterio, prestigio y esa sensación de que, si no la ves en sala, te estás perdiendo algo.

Eso es algo que Hollywood debería anotar con plumón rojo: el público no necesariamente huye de las historias ambiciosas. Huye del aburrimiento. Huye de las películas que parecen diseñadas por comité. Huye de los estrenos que prometen mucho ruido pero poca emoción. Pero cuando una película logra convencerlo de que hay una experiencia grande esperándolo, el público todavía sale de casa.

Claro, Nolan no es cualquier director. Su nombre ya funciona casi como marca de garantía. Después de BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE (The Dark Knight), EL ORIGEN (Inception), INTERESTELAR (Interstellar) y OPPENHEIMER (Oppenheimer), buena parte de la audiencia sabe que una película suya no se estrena: se anuncia como evento. Y esa diferencia cuenta.

Pero el triunfo de LA ODISEA (The Odyssey) también tiene algo de saludable provocación cultural. En una temporada dominada por franquicias, secuelas y héroes en traje ajustado, un poema épico de la Grecia antigua se sentó en la mesa de la taquilla y pidió palomitas grandes.

Y se las dieron.

El éxito no significa que mañana todos los estudios vayan a adaptar a los clásicos griegos. Tampoco veremos necesariamente una avalancha de películas sobre Sófocles, Eurípides o Hesíodo con palomera conmemorativa. Pero sí demuestra que el cine comercial todavía puede dialogar con materiales culturales profundos, antiguos y aparentemente “difíciles”, siempre que los convierta en experiencia viva.

Porque LA ODISEA (The Odyssey) no solo vende la historia de Odiseo intentando regresar a casa. Vende la promesa de un viaje. Y el cine, desde sus orígenes, ha sido precisamente eso: una invitación a sentarse en la oscuridad para ir a otro lugar.

Quizá por eso este récord importa. No solo porque Nolan rompió una marca de taquilla. No solo porque desplazó a un gigante reciente como DEADPOOL & WOLVERINE (Deadpool & Wolverine). Importa porque recuerda que el público puede seguir respondiendo a historias con peso, con tradición y con ambición, siempre que la pantalla las haga respirar.

A Hollywood le gusta pensar que la fórmula del éxito está en calcular tendencias.

Homero, desde algún rincón del Olimpo literario, acaba de sugerir otra cosa: quizá la fórmula estaba en contar bien un gran viaje.

Con monstruos, sí.

Con tragedia, también.

Pero sobre todo con una razón para que el espectador quiera subirse al barco.

Al final, la lección es sencilla: no hay que subestimar al público.

Puede que hoy vea videos cortos, series a doble velocidad y avances en el celular.

Pero si el viaje promete valer la pena, todavía compra boleto, apaga la luz y se deja llevar.

Porque, como acaba de demostrar Nolan, Homero también vende boletos de cine y  palomitas.