Hoy, en LAS PELÍCULAS CON MÁS…, vamos con esas cintas a las que urge lavarles la boca con jabón. No por violentas, sino por malhabladas y léperas.
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Hubo cines que nacieron con grandes marquesinas, vestíbulos amplios y salas capaces de recibir multitudes. Y hubo otros, más discretos, casi escondidos, que encontraron su lugar dentro de edificios cargados de historia.
Uno de esos casos fue el Cine ATENEA, inaugurado en Monterrey el viernes 8 de agosto de 1975, en Zaragoza y Juan Ignacio Ramón, en pleno centro de la ciudad. Su historia no empieza realmente en 1975, sino mucho antes: en ese mismo predio estuvieron los teatros Juárez y el Independencia, el Cine Rex y luego el Olympia.
El Atenea era parte del mismo edificio.
Pero no era simplemente “otra sala del Olympia”. Tenía su propio acceso, ubicado a la izquierda, y los desplegados de prensa lo anunciaban claramente como una sala “junto al cine Olympia”.
Para entrar al Atenea había que subir a un segundo piso. Ese detalle permite pensar —con prudencia, pero con lógica arquitectónica— que pudo ocupar lo que alguna vez fue el anfiteatro del REX, o algún otro espacio superior del mismo edificio. En cualquier caso, eso le daba una personalidad propia: no era la gran sala de abajo, sino una experiencia más íntima, casi secreta, dentro de un inmueble con pasado cinematográfico.
Y su película inaugural no pudo ser más elegante: AMARCORD, la cinta franco-italiana de 1973, escrita y dirigida por Federico Fellini. La película había ganado el Óscar a la Mejor Película Extranjera, y llegaba al Atenea como carta de presentación de una sala que parecía apostar por un cine distinto, más autoral, más europeo, más de conversación después de la función.
Abrir con Fellini no era cualquier cosa. Amarcord es una película de memoria, nostalgia, humor, fantasía y personajes desbordados. Muy apropiada, curiosamente, para una sala que también parecía vivir entre recuerdos: los del viejo Rex, los del centro de Monterrey y los de una ciudad que todavía conservaba sus cines de calle.
El nombre también tenía lo suyo. Atenea, diosa griega de la sabiduría, las artes y la estrategia, hacía pareja simbólica con Olympia, nombre asociado al mundo clásico y al monte de los dioses. En una misma esquina del centro regiomontano convivían, por unos años, dos nombres de resonancia mitológica: Olympia y Atenea. Muy solemne todo… aunque afuera rugiera el tráfico y uno tuviera que encontrar estacionamiento como pudiera.
El Cine Atenea pertenece a una etapa de transición.
Para mediados de los años setenta, los grandes palacios cinematográficos del centro comenzaban a transformarse. Las enormes salas únicas empezaban a ceder espacio a formatos más pequeños, más flexibles y, en algunos casos, más especializados. La ciudad también estaba cambiando. Años después, muchas de esas construcciones desaparecerían con las obras y demoliciones vinculadas a la Macroplaza.
Por eso, el ATENEA merece recordarse no sólo como un nombre perdido en la cartelera, sino como una pequeña sala con identidad propia. Una sala de segundo piso. Una sala junto al Olympia, pero distinta. Una sala nacida en el edificio heredero del Rex. Una sala que abrió con Fellini.
No todos los cines desaparecidos fueron gigantes. Algunos dejaron huella precisamente por lo contrario: por ser pequeños, discretos, un poco escondidos… y por formar parte de esa geografía sentimental del Monterrey que iba al cine caminando por el centro.
El Atenea fue uno de ellos.
Un cine de segundo piso, con nombre de diosa griega, que abrió sus puertas con Amarcord y que hoy sobrevive en la memoria de quienes todavía pueden decir: “Yo estuve ahí”.
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Por Andrés Bermea y Mr. Chips
¿Sabías que… una parte esencial del nombre más famoso de Hollywood comenzó en Coahuila?
Deja te cuento que la madre de Marilyn Monroe se llamaba Gladys Pearl Monroe, conocida después como Gladys Baker. Nació el 27 de mayo de 1902 en Piedras Negras, Coahuila, ciudad que entonces se llamaba Porfirio Díaz. ¡Sí! Aquí en México. Te paso este dato:… Sus padres eran estadounidenses pero residieron temporalmente en México porque su padre trabajaba pintando vagones para el ferrocarril. Poco después, la familia se mudó a California.
Pero, checa esto: Gladys terminó trabajando como cortadora de negativos cinematográficos. Es decir: antes de que su hija se convirtiera en una de las mujeres más fotografiadas del planeta, su madre ya vivía rodeada de rollos de película. Hollywood, por lo visto, había empezado a acercarse a la familia sin avisar.
El 1 de junio de 1926 nació su hija Norma Jeane, es decir, que acabaría de cumplir 100 años hace unos días… Sin embargo, Gladys padeció graves problemas de salud mental y fue internada cuando la niña tenía ocho años. Norma Jeane pasó entonces por hogares sustitutos, separaciones y una infancia profundamente inestable. Años después, Marilyn hablaría del abandono y de su deseo de pertenecer a una familia; resulta difícil no relacionar esa necesidad afectiva con aquellos primeros años, aunque reducir toda su compleja vida a una sola causa sería injusto.
Pero aquí aparece el giro digno de guion.
Cuando Norma Jeane buscaba un nombre artístico, el ejecutivo Ben Lyon propuso Marilyn, inspirado en la actriz teatral Marilyn Miller. Para el apellido eligieron Monroe, el apellido de soltera de su madre. Así que Gladys, la mujer nacida en Piedras Negras, terminó aportando la mitad del nombre que Hollywood convertiría en leyenda.
Madre e hija mantuvieron una relación difícil y distante, aunque Marilyn contribuyó económicamente a su manutención.
Y mira, este dato es insólito, Gladys sobrevivió a su hija ¡más de veinte años!: salió del hospital en 1967, vivió una temporada con su hija Berniece y murió en Gainesville, Florida, en 1984, a los 81 años.
Marilyn Monroe no nació en México. Pero su apellido artístico sí llevaba una inesperada conexión coahuilense, y varias veces visitó el país.
Hollywood puso las luces, el vestido blanco y el glamour. Piedras Negras aportó el “Monroe”…
Marilyn falleció justo un 5 de agosto, como hoy, pero en 1962… Hace exactamente sesenta y cuatro años…
Con información disponible en la web.
Fuentes: BIOGRAPHY | HISTORY DEFINED |WIKIPEDIA
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Con la muerte de Elsa Aguirre, el Cine de Oro Mexicano pierde no sólo a una de sus últimas grandes figuras, sino a una presencia distinta: una actriz que nunca necesitó levantar la voz para imponerse en pantalla. Su fuerza estaba en otra parte: en la mirada, en la elegancia, en esa serenidad que parecía venir de un México ya muy lejano, pero que todavía reconocemos cuando aparece su rostro en una película.
Elsa Aguirre falleció a los 95 años, en Cuernavaca, rodeada de sus seres queridos. La noticia fue confirmada por la Asociación Nacional de Intérpretes, que destacó tanto su talento dramático como su belleza icónica dentro del cine nacional. Nacida en Chihuahua en 1930, llegó al cine siendo apenas una adolescente, después de ganar un concurso organizado por Clasa Films Mundiales, que la llevó a debutar en EL SEXO FUERTE (1946).
Pero reducir a Elsa Aguirre a “una de las mujeres más bellas del cine mexicano” sería quedarse en la superficie. Sí, su belleza fue evidente, casi escultórica, de esas que la cámara no sólo registra sino que parece obedecer. Sin embargo, lo que la distinguió fue que no se quedó prisionera de esa imagen. En una época en la que muchas actrices eran moldeadas por el estudio, por el galán de turno o por la idea de la “mujer ideal”, Elsa Aguirre construyó una presencia más discreta, más contenida, menos estruendosa que la de otras divas, pero igualmente poderosa.
En películas como OJOS DE JUVENTUD, LLUVIA ROJA, LA MUJER QUE YO AMÉ y CUIDADO CON EL AMOR, compartió pantalla con figuras como Jorge Negrete, Pedro Infante y hasta Mauricio Garcés. Su carrera cruzó el melodrama, la comedia, el drama romántico y más tarde la televisión, siempre con una cualidad que la hacía reconocible: no parecía actuar desde el exceso, sino desde una naturalidad elegante.
Había en ella una especie de dignidad tranquila. Elsa Aguirre podía ser luminosa sin resultar frívola; podía ser romántica sin parecer débil; podía ser sofisticada sin perder cercanía. No era la diva que avasalla: era la diva que permanece. Y quizá por eso su imagen trascendió el tiempo de manera distinta. No se quedó congelada en el póster o el celuloide, sino que siguió habitando la memoria del público como una mujer real, con voz propia, con disciplina, con carácter y con una manera muy personal de entender la vida.
Fuera de la pantalla, también se distinguió por algo poco común entre las grandes estrellas de su generación: su relación con el cuerpo y la vida interior. Durante décadas practicó yoga, promovió la meditación y llevó una dieta vegetariana u ovolactovegetariana (seguía una alimentación vegetariana que incluía huevo y lácteos), hábitos que ella misma relacionaba con su bienestar y longevidad. En entrevistas recientes hablaba de caminar, ejercitarse y cuidar su alimentación como parte de una disciplina cotidiana, no como pose de celebridad.
Ese rasgo es importante porque revela a una mujer que no sólo cultivó su imagen, sino también su equilibrio. Elsa Aguirre no parecía perseguir la juventud; más bien daba la impresión de haber hecho las paces con el tiempo. Mientras otras figuras quedan atrapadas en el recuerdo de lo que fueron, ella siguió apareciendo ante el público con una mezcla de coquetería, lucidez y serenidad. Como si hubiera entendido que la belleza, cuando se sostiene sólo en el rostro, se agota; pero cuando nace también del alma, de la presencia, puede durar toda una vida.
También fue una figura querida porque mantuvo un vínculo cercano con sus admiradores. Aun retirada de la actuación, siguió compartiendo recuerdos, reflexiones y fragmentos de su vida. Su permanencia no dependía ya de estrenos ni de reflectores, sino del afecto de varias generaciones que la recordaban como parte de un cine mexicano donde el rostro de una actriz podía convertirse en patrimonio sentimental.
Elsa Aguirre perteneció a una época en la que el cine mexicano fabricaba mitos, pero su singularidad estuvo en no dejarse devorar del todo por el mito. Fue estrella, sí; fue belleza emblemática, desde luego; pero también fue una mujer disciplinada, reservada, espiritual, resistente y dueña de una elegancia que no necesitaba explicación.
Hoy, al despedirla, no se va solamente una actriz de la Época de Oro. Se va una forma de vivir, de estar frente a la cámara: con misterio, con clase, con luz propia. Una forma de belleza que no pedía permiso ni hacía ruido. Elsa Aguirre no sólo perteneció al Cine de Oro. Fue una de esas presencias que ayudaron a que el cine mexicano brillara con oro propio.
Por: Consejo Editorial de CINESAURIO
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No todas las salas de cine son iguales, aunque todas vendan palomitas.
Una película como LA ODISEA, de Christopher Nolan, no está pensada sólo para “verse”; está pensada para sentirse grande. Y ahí es donde entra la diferencia entre verla en una sala tradicional y verla en una sala IMAX Láser.
En una sala digital común, la película se puede ver bien. La imagen es correcta, el sonido cumple y uno entiende perfectamente la historia. Pero en IMAX Láser la experiencia sube varios escalones: la pantalla suele ser más grande, la imagen tiene más brillo, mejor contraste, colores más firmes y un sonido más envolvente. En pocas palabras: no sólo ves el viaje de Odiseo; sientes que el mar, los monstruos y los dioses te quedan más cerca.
Ahora, pongámoslo en términos sencillos. Muchas salas tradicionales proyectan en digital 2K, que equivale aproximadamente a una imagen de 2048 por 1080 pixeles. IMAX Láser, en cambio, trabaja con proyección 4K, es decir, alrededor de 4096 por 2160 pixeles. ¿Qué significa eso para el espectador? Que la imagen puede tener hasta cuatro veces más información visual. Es como comparar una foto buena en el celular con una imagen mucho más grande, más limpia y con más detalle. En una pantalla chica quizá no se nota tanto, pero en una pantalla enorme, como la de una sala IMAX, esa diferencia ayuda a que los rostros, paisajes, texturas, mares, cielos y escenarios se vean más definidos.
Pero la resolución no lo es todo. IMAX Láser también gana por luz y contraste. En una sala común, una escena oscura puede verse apagada o plana. En una buena sala IMAX Láser, los negros suelen tener más profundidad, las zonas brillantes destacan más y la imagen conserva mejor su fuerza. Esto importa mucho en una película de aventuras épicas, donde no sólo queremos saber que hay un barco en el mar: queremos sentir el tamaño del mar.
Nolan filmó LA ODISEA con cámaras IMAX, es decir, pensando en pantallas gigantes desde el origen. Por eso, cuando una película así llega a una sala IMAX, no es un simple lujo: es acercarse más a la forma en que fue imaginada.
¿Significa que en una sala tradicional se verá mal? No. Pero es como ver un mural en una foto o pararte frente al mural. La historia es la misma, pero el impacto cambia.
En México, lo más probable es que podamos verla en IMAX digital o IMAX Láser, no en el rarísimo IMAX de película de 70 mm que tanto aman los puristas. Aun así, IMAX Láser es una excelente opción: más nítida, más luminosa y más inmersiva que una sala convencional.
Así que si vas a ver LA ODISEA, la recomendación CINESAURIO es clara: si puedes elegir, busca una sala IMAX Láser. Porque hay películas que uno va a ver… y hay otras que conviene dejar que lo traguen a uno por completo.
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MIRA ESTE BREVE VIDEO QUE CELEBRA 80 AÑOS DE LA ACADEMIA MEXICANA DE ARTES Y CIENCIAS CINEMATOGRÁFICAS.
Hoy miércoles 8 de julio de 2026 se llevó a cabo el Anuncio de Nominados de la 68° edición del Premio Ariel en la Cineteca Nacional México. Los anfitriones de este evento fueron la actriz Luisa Huertas y el actor Baltimore Beltrán, quienes compartieron con la prensa los nombres de las nominadas y los nominados en las 25 categorías que premia la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.
Asimismo, compartieron que este año, acudieron al llamado de la convocatoria 151 películas, 67 largometrajes, 84 cortometrajes y 10 películas iberoamericanas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Panamá, Portugal y Venezuela. Los galardonados con el Ariel de Oro en esta edición serán el ilustre documentalista Demetrio Bilbatúa y la icónica actriz Rosita Arenas.
Además, los anfitriones y el presidente de la AMACC, Daniel Hidalgo, resaltaron la realización del ciclo de exhibición Rumbo al Ariel 2026, donde los trabajos nominados serán presentados en exhibiciones gratuitas que, gracias a la colaboración de PROCINECDMX y el Instituto Mexicano del Seguro Social, estará presente a largo de todo el país en sedes físicas. Rumbo al Ariel también contará con transmisiones de los cortometrajes de ficción, animación y documental en los canales que conforman la Red de Radiodifusoras y Televisoras Educativas y Culturales de México, asegurando así que recorran todo el territorio nacional. Para quienes prefieran disfrutar de las películas en línea, estará disponible la plataforma de streaming de FestivalOpen!, en donde todos podrán disfrutar de funciones diarias sin ningún costo.
Las fechas, horarios y más detalles se encontrarán en la página oficial de la AMACC y en sus redes sociales.
La lista de nominaciones es la siguiente:
Actor
● Andrés Catzín – Cosmos
● Ernesto Rocha – Adiós, amor
● Hoze Meléndez – Cocodrilos
● Mauricio Isaac – Café Chairel
● Osvaldo Sánchez – En el camino
Actriz
● Ángela Molina – Cosmos
● Diana Sedano – Juana
● Emma Dib – La eterna adolescente
● Mónica del Carmen – Las mutaciones
● Natalia Reyes – Aún es de noche en Caracas
Coactuación femenina
● Arcelia Ramírez – Cocodrilos
● Margarita Sanz – Juana
● Ángeles Cruz – Las locuras
● Ruth Ramos – La eterna adolescente
● Teresita Sánchez – Cocodrilos
Coactuación masculina
● Bernardo Gamboa – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Héctor Kotsifakis – Pérdida total
● Manuel Cruz Vivas – Cocodrilos
● Mariano López Sosa – En el camino
● Roberto Sosa – Las locuras
Cortometraje animación
● Azulesepia Dir. Luis Manuel Villarreal Dávila
● Desdoblándome Dir. Natalia Pájaro
● Te prometo violencia Dir. Juan María León Piña
● Teatro Secreto Dir. Diego Martínez Gutiérrez
● Wing Shop Dir. Andrea León Gutiérrez, Gabriela Rojas Bustos, Sascha Schmit
Cortometraje documental
● La mar Dir. Jean Chapiro Uziel
● Las voces del despeñadero Dir. Victor Rejón, Irving Serrano
● Mácula Dir. Mariana Xochiquétzal Rivera García
● Mujer de barro Dir. Concepción Vásquez
● Toda la vida para siempre Dir. Sebastián Molina Ruiz
Cortometraje Ficción
● Azul Dir. David Karlak
● Crónica menor Dir. Francisco Usiel
● Oc ni temiki (sigo soñando) Dir. Misael Alva
● Techiq Dir. Missael Sánchez Arce
● Una torreta en llamas Dir. Humberto Flores Jáuregui
Dirección
● David Pablos – En el camino
● Ernesto Martínez Bucio – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Gabriel Mascaro – O último azul
● Lucía Gajá – Vidas en la orilla
● Pablo Pérez Lombardini – La reserva
Diseño de arte
● Belén Estrada – En el camino
● Christian Alfredo Galindo García, Consuelo Ileana Martínez Ruiz – Autos, mota y rocanrol
● Daniela Rojas – Juana
● Ezra Buenrostro – Aún es de noche en Caracas
● Salvador Parra – Vainilla
Edición
● Alfonso Gastiaburo, Ana García, Lucía Gajá – Vidas en la orilla
● Ernesto Martínez Bucio, Karen Plata, Odei Zabaleta – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Jonathan Pellicer – En el camino
● Jorge Marquéz – Gerry Adams: El hombre de Ballymurphy
● Omar Guzmán, Sebastián Sepúlveda – O último azul
Efectos especiales
● Arturo Vázquez – Contraataque
● Gerardo Muñoz, Omar Israel Ayala de la Peña – Un cuento de pescadores
● José Martínez «Josh» – Mujeres del alba
● Luis Ambriz – Cocodrilos
● Ricardo Arvizu – Aún es de noche en Caracas
Efectos visuales
● Amet Ramos – Un cuento de pescadores
● Gaston Alvárez – Autos, mota y rocanrol
● Jorge Palma Bermúdez – En el camino
● María José Straffon – Soy Frankelda
● Paula Siqueira, Raúl «Ratón» Luna – Aún es de noche en Caracas
Fotografía
● Germinal Roaux, Inti Briones – Cosmos
● Guillermo Garza – O último azul
● Juan Pablo Ramírez – Aún es de noche en Caracas
● Moritz Tessendorf – La reserva
● Ximena Amann (AMC) – En el camino
Guion adaptado
● Javier Peñalosa, Mariana Chenillo – Los dos hemisferios de Lucca
● Jimena Montemayor Loyo – Mujeres del alba
● Jorge Hérnandez Aldana – La sombra del catire
● Jorge Ramírez-Suárez – Las mutaciones
● Mariana Josefi na Rondón García, María Teresa Ugás Castro – Aún es de noche en Caracas
Guion original
● David Pablos – En el camino
● Ernesto Martínez Bucio, Karen Plata – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Gabriel Mascaro, Tibério Azul – O último azul
● Germinal Roaux – Cosmos
● Pablo Pérez Lombardini – La reserva
Largometraje animación
● La gran historia de la fi losofía occidental Dir. Aria L. Covamonas
● Soy Frankelda Dir. Arturo Ambriz Rendón, Rodolfo Ambriz Rendón
Largometraje documental
● Brigada 2045 Dir. Olivia Luengas Magaña
● Gaza, la franja del exterminio Dir. Rafael Rangel
● La libertad de Fierro Dir. Santiago Esteinou
● Llamarse Olimpia Dir. Indira Cato Cortes
● Vidas en la orilla Dir. Lucía Gajá
Maquillaje
● Adam Zoller – En el camino
● Alejandra Velarde – Vainilla
● Gerardo Muñoz – Un cuento de pescadores
● Karina E. Monroy – Autos, mota y rocanrol
● Karina Rodríguez – Aún es de noche en Caracas
Música original
● Andrea Balency-Bearn – En el camino
● María Giménez Cacho Goded – Juana
● Memo Guerra – O último azul
● Yolihuani Curiel Balzareti – Brigada 2045
● YOM – La reserva
Ópera prima
● Cocodrilos Dir. J. Xavier Velasco
● El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) – Dir. Ernesto Martínez Bucio
● Juana Dir. Daniel Giménez Cacho
● La reserva Dir. Pablo Pérez Lombardini
● Vainilla Dir. Mayra Hermosillo
Película iberoamericana
● Belén (Argentina) Dir. Dolores Fonzi
● La misteriosa mirada del fl amenco (Chile) Dir. Diego Céspedes
● Los domingos (España) Dir. Alauda Ruiz de Azúa
● Manas (Brasil) Dir. Marianna Brennand
● Un poeta (Colombia) Dir. Simón Mesa Soto
Revelación actoral
● Aurora Dávila – Vainilla
● Carolina Guzmán – La reserva
● Donovan Said – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Laura Uribe Rojas – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Victor Miguel Prieto Simental – En el camino
Sonido
● Alex de Icaza, David Montero – Autos, mota y rocanrol
● Antonio Porém Pires, Lena Esquenazi, Nayuribe Montero – Aún es de noche en Caracas
● Arturo Salazar, Liliana Villaseñor, María Alejandra Rojas, Vincent Sinceretti – O último azul
● Carlos Cortés Navarrete (C.A.S.), Miguel Mata, Odín Acosta Ascencio – Brigada 2045
● Denis Sechaud, Ivan Dumas, Raphaël Sohier – Cosmos
Vestuario
● Brenda Gómez – Aún es de noche en Caracas
● Felipe Criado – En el camino
● Felipe Criado – Cosmos
● Gilda Navarro – Vainilla
● Gilda Navarro, Joanna Nogueiras Yankelevich – Autos, mota y rocanrol
Película
● El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) – Mandarina Cine, Dir. Ernesto Martínez Bucio
● En el camino – Animal de Luz Films, Dir. David Pablos
● La libertad de Fierro – Javier Campos López, Santiago Esteinou, Dir. Santiago Esteinou
● O último azul – Cinevinay, Desvia, Dir. Gabriel Mascaro
● Vainilla – Huasteca CC, Redrum, Dir. Mayra Hermosillo
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La nueva entrega de de la saga de los juguetes capta 70 mdd en EU, la heroína apenas 38 mdd
🎦 En un revés para las renovadas operaciones cinematográficas de DC de Warner Bros., «Supergirl» no fue rival en absoluto para «Toy Story 5» en los cines de Norteamérica y se estrenó en un lejano segundo lugar.
La película de Pixar se mantuvo en el número uno de la taquilla con 70 millones de dólares en ventas de entradas en el mercado nacional y otros 89.1 millones en el extranjero, según estimaciones del estudio difundidas el domingo, tras un debut casi récord para una película animada.
El estreno de The Walt Disney Co. ha acumulado rápidamente 585 millones de dólares en todo el mundo en sólo dos semanas, lo que la convierte en uno de los mayores éxitos del año.
«Supergirl», en cambio, no logró despegar. Se estrenó con 38 millones de dólares en salas de Estados Unidos y Canadá. Sumó 30 millones de dólares en mercados internacionales.
El spinoff de superhéroes de Craig Gillespie es el segundo estreno en la gran pantalla de James Gunn y Peter Safran, quienes fueron elegidos para dirigir DC Studios a finales de 2022. Su primer lanzamiento, «Superman» de 2025, recaudó 618 millones de dólares en todo el mundo, un arranque lo bastante sólido para Gunn y Safran.
Pero «Supergirl» fracasó tanto con la crítica como con el público. Obtuvo malas reseñas (56% de aprobación en Rotten Tomatoes) y una calificación “B-” en CinemaScore por parte de las audiencias.
El flojo fin de semana de estreno de «Supergirl» la deja por detrás de debuts decepcionantes de tropiezos de DC como «The flash» (55 millones de dólares en 2023) y «The green lantern» (53 millones de dólares en 2011), y apenas por delante de «Joker: folie à deux» (37.7 millones de dólares en 2024).
David A. Gross, quien dirige la firma de consultoría cinematográfica FranchiseRe, señaló que las películas de superhéroes ya no atraen al cine como antes de la pandemia. Hay menos estrenos al año, y la venta en taquilla del género ha caído unos 3 mil 500 mdd anuales respecto de sus máximos de 2017-2019.
Con información de AP y EL UNIVERSAL
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Cumplimos 80 años de historia, marcados por risas, lágrimas, sustos, romance y pasión compartida.
A lo largo de estos años hemos crecido y cambiado contigo, siempre comprometidos a investigar, preservar, defender y difundir el cine mexicano para que se conozca y se valore en México y en el mundo.
Celebremos juntos 80 años de cine mexicano, el cine que somos.
Con información de la Academia Mexicana de Cine
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cinesaurio.com 