VALENTE QUINTANA: UN DETECTIVE DE PELÍCULA

HISTORIAS DEL CINE JAMÁS CONTADAS…

En el cine es frecuente ver a un actor interpretar a un personaje que existió realmente. Lo extraordinario es que ese personaje aparezca personalmente en la película para presentar a su alter ego cinematográfico.

Pues bien, eso sucedió en México. Y no una, sino dos veces.

Valente Quintana

El protagonista de esta curiosa historia fue Valente Quintana, uno de los investigadores criminales más famosos del país durante la primera mitad del siglo XX, conocido popularmente como el Sherlock Holmes mexicano.

Nacido en Matamoros, Tamaulipas, en 1889, Quintana desarrolló una carrera que parecía escrita por un novelista de historias policiacas. Investigó asesinatos, fraudes, secuestros y robos espectaculares. Utilizaba disfraces, recurría a informantes y podía infiltrarse entre delincuentes para conseguir información.

Uno de sus grandes triunfos ocurrió en 1921, cuando participó en la captura de los responsables del sangriento asalto al tren de Laredo. Aquel caso contribuyó a convertirlo en una celebridad.

Su fama llegó a tal grado que, en 1952, la productora Filmex llevó a los estudios dos historias inspiradas en sus investigaciones.

La primera fue El mensaje de la muerte, inicialmente titulada El plagio del millonario, dirigida por Zacarías Gómez Urquiza y estrenada el 2 de mayo de 1953 en el cine Palacio Chino de la Ciudad de México.

La segunda, El misterio del carro express, cuyo título anterior era El crimen del tren de Laredo, se estrenó el 22 de julio del mismo año en el cine Nacional.

En ambas, el actor Miguel Torruco interpretaba a Valente Quintana.

Pero lo verdaderamente insólito ocurría al principio.

Las películas incluían un prólogo con la participación del detective auténtico, quien aparecía ante las cámaras junto al hombre que lo representaría durante el resto de la historia.

Valente Quintana y el actor Miguel Torruco

El investigador de carne y hueso presentaba así a su propia versión cinematográfica.

¡Una manera bastante ingeniosa de decirle al público que lo que estaba por contemplar tenía sus raíces en hechos reales!

En ambas producciones participó también Rebeca Iturbide y hubo intervenciones musicales de Tongolele y los célebres Nicholas Brothers. Porque en nuestro cine, incluso una investigación criminal podía encontrar espacio para un buen espectáculo musical.

La historia tiene otra ironía deliciosa.

En una entrevista publicada en 1925, Quintana había criticado las películas de policías y ladrones porque consideraba que enseñaban métodos útiles a los delincuentes.

Veintiocho años después, el propio detective aparecía en dos de ellas.

Su vida, desde luego, no estuvo libre de controversias. Detrás de su extraordinaria reputación existieron también acusaciones de corrupción e investigaciones políticas cuestionadas por historiadores posteriores; de hecho dos veces pisó la infame cárcel de Belén (Cárcel General), en ambos casos salió pocos días después por falta de pruebas.

Pero eso forma parte precisamente de lo fascinante del personaje: un investigador cuya vida contenía suficientes luces, sombras, peligros y contradicciones para alimentar numerosas películas.

Y pensar que una de las mejores escenas de su carrera cinematográfica ni siquiera necesitó un guionista.

Bastó con poner frente a la cámara al detective verdadero y al actor que iba a convertirse en él.

A veces, la realidad también sabe escribir excelentes escenas de cine.

¡Y ahora la cereza del pastel! Te invito a ver el prólogo de EL MENSAJE DE LA MUERTE con el propio Valente Quintana presentando al actor Miguel Torruco su alter ego en la película


Y si quieres ver la película completa, haz Clic sobre la siguiente pantalla y acTiva el modo de pantalla completa.


De Bambi a los Marines

Donnie Dunagan, la voz original del pequeño Bambi, murió a los 92 años después de llevar una de las vidas más insólitas relacionadas con Hollywood: actor infantil, compañero de Boris Karloff y, más tarde, condecorado mayor de los Marines.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Imaginen entrar al cuartel y descubrir que el mayor al mando fue alguna vez Bambi.

Donnie Dunagan hizo todo lo posible para que eso nunca ocurriera.

El actor que prestó su voz al pequeño cervatillo en BAMBI (Bambi, 1942) murió el pasado 4 de noviembre a los 92 años, víctima de cáncer de pulmón. La noticia se conoció públicamente días después.

Su biografía parece escrita por dos personas distintas.

Dunagan nació en San Antonio, Texas, en 1934 y comenzó a actuar siendo apenas un niño. Antes de llegar a Disney apareció en EL HIJO DE FRANKENSTEIN (Son of Frankenstein, 1939), donde interpretó a Peter, hijo del barón Wolf von Frankenstein, compartiendo pantalla con Basil Rathbone, Bela Lugosi y Boris Karloff.

Años después recordaría algo maravilloso: jugaba damas con Karloff durante los descansos… mientras éste todavía llevaba puesto el maquillaje del monstruo.

Luego llegó Disney.

Tenía seis años cuando fue elegido para prestar su voz al joven Bambi. También sirvió como referencia para los animadores, que estudiaban sus expresiones infantiles mientras construían al personaje.

Y le tocó participar en una de las escenas que traumatizaron a generaciones enteras: aquella en la que Bambi descubre que su madre ha muerto.

BAMBI sería su última película.

A los 18 años, Dunagan dejó Hollywood y en 1952 ingresó al Cuerpo de Marines de Estados Unidos. Permaneció allí durante 25 años, participó en tres períodos de servicio en Vietnam, trabajó en contrainteligencia y Force Recon y se retiró con el rango de mayor. Entre sus condecoraciones recibió una Estrella de Bronce y tres Corazones Púrpura.

Pero había un pequeño detalle de su expediente que nadie conocía.

Había sido Bambi.

Durante prácticamente toda su carrera militar lo mantuvo en secreto. Dunagan explicó años después que imaginaba lo que ocurriría si cientos de jóvenes Marines descubrían aquel antecedente:

terminaría convertido en “Major Bambi”.

Así que cerró la boca.

Un compañero no descubrió la verdad hasta aproximadamente un mes antes de que ambos se retiraran. Con el tiempo, Dunagan reconoció que haber ocultado aquella parte de su vida había sido uno de sus grandes arrepentimientos.

Finalmente terminó aceptando con cariño al personaje del que durante tantos años había huido.

Porque pocas carreras pueden resumirse así:

primero hizo llorar a millones de niños.

Después pasó un cuarto de siglo entre Marines.

Y al final descubrió que no había nada vergonzoso en que lo recordaran como aquel pequeño venado.

Donnie Dunagan sobrevivió a Hollywood, a Vietnam y al apodo de “Major Bambi”.

Nada mal para un cervatillo.



Diego Luna estrena mañana CENIZA EN LA BOCA

CENIZA EN LA BOCA, dirigida por Diego Luna llega mañana, 5 de noviembre, a los cines de México. Una historia de migración, familia y desarraigo que recuerda algo incómodo: cambiar de país no siempre significa cambiar de vida.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Diego Luna vuelve a colocarse detrás de la cámara.

Y esta vez no para contar una historia cómoda.

CENIZA EN LA BOCA, su nuevo largometraje como director, se estrena en cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, después de recorrer festivales como Cannes, Toronto, San Sebastián, Sarajevo y Morelia. La película es una coproducción entre México y España y tiene una duración aproximada de 98 minutos.

La historia sigue a Lucila, una joven mexicana interpretada por Anna Díaz, que viaja con su hermano Diego a Madrid para reencontrarse con su madre, Isabel, encarnada por Adriana Paz.

La madre lleva ocho años viviendo y trabajando ilegalmente en España para sostenerlos desde lejos.

En teoría, el reencuentro debería significar empezar de nuevo.

En la práctica, las cosas resultan bastante menos sencillas.

Lucila descubre que emigrar no elimina automáticamente los problemas: aparecen empleos precarios, discriminación, racismo, responsabilidades familiares que nadie pidió y una sensación constante de no pertenecer del todo a ningún sitio.

La escritora mexicana Brenda Navarro

La película está basada en la novela homónima de Brenda Navarro, publicada originalmente en 2021. El guion fue desarrollado por Diego Luna junto con Abia Castillo y Diego Rabasa, en un proceso que tomó alrededor de dos años y medio.

Pero quizá lo más interesante está en el punto de vista.

Ésta no parece ser simplemente una película “sobre migrantes”.

Es una historia sobre lo que ocurre dentro de una familia cuando la distancia, el sacrificio y las expectativas empiezan a cobrar factura.

Porque emigrar suele contarse como una historia de oportunidad: alguien se va para construir una vida mejor.

CENIZA EN LA BOCA se pregunta qué pasa cuando esa vida mejor llega acompañada de otras heridas.

Luna ha explicado que considera especialmente pertinente hablar hoy de migración y que el proyecto fue desarrollado durante varios años con un equipo de voces diversas.

La película también llega con un recorrido internacional considerable. Fue presentada en una función especial del Festival de Cannes 2026, formó parte de Horizontes Latinos en San Sebastián y posteriormente llegó al Festival Internacional de Cine de Morelia.

Ahora le toca encontrarse con el público mexicano.

Y quizá ahí esté la verdadera prueba.

Porque detrás de estadísticas, fronteras, permisos y discusiones políticas sobre migración siempre termina apareciendo algo mucho más sencillo:

una persona que se fue,

otra que se quedó,

y una familia intentando averiguar qué queda de ellas cuando finalmente vuelven a encontrarse.

CENIZA EN LA BOCA llega mañana a las salas mexicanas.

Y a veces basta cruzar un océano para descubrir que hay cosas de las que uno nunca termina de irse.




Netflix quiere que salgas de tu casa

THE FURTHER MIS-ADVENTURES OF CLIFF BOOTH llegará primero a IMAX y después a streaming. David Fincher retoma al inolvidable personaje de ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD, con Brad Pitt de nuevo al volante y Quentin Tarantino escribiendo el guion.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante años, Netflix quiso convencernos de algo muy sencillo:

“Quédate en casa”.

La plataforma creció precisamente ofreciendo una alternativa a las salas de cine. Pero ahora parece dispuesta a demostrar que también sabe jugar del otro lado de la pantalla.

El próximo 25 de noviembre, Netflix estrenará THE FURTHER MIS-ADVENTURES OF CLIFF BOOTH en una corrida exclusiva de dos semanas en las salas IMAX de Cinépolis. Después, el 23 de diciembre, la película llegará a NETFLIX.

Y no se trata de cualquier personaje.

Cliff Booth nació en ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD (Once Upon a Time… in Hollywood, 2019), de Quentin Tarantino. Brad Pitt interpretaba ahí al doble de acción, chofer, amigo y hombre para todo de Rick Dalton, el actor encarnado por Leonardo DiCaprio.

El personaje terminó convirtiéndose en uno de los grandes atractivos de aquella película y le dio a Pitt el Óscar como actor de reparto.

Ahora vuelve.

Pero Hollywood también cambió.

La nueva historia se sitúa en 1977, ocho años después de los acontecimientos de la película original. Cliff ya no es solamente un doble de acción. Trabaja como cantinero y proyeccionista, pero también como una especie de “arreglador” de problemas para gente poderosa de Hollywood.

Problemas que incluyen asesinato, chantaje, robo y extorsión.

Nada grave. Un martes cualquiera en Los Ángeles.

La combinación detrás de cámaras resulta especialmente atractiva: Quentin Tarantino escribió el guion, pero David Fincher dirige.

Es decir, el personaje conserva el ADN de Tarantino, pero ahora pasa por la mirada fría, precisa y obsesiva de Fincher.

El primer borrador de Tarantino tenía unas 230 páginas. Fincher dijo que aquello era prácticamente “dos películas”, por lo que hubo que reducirlo considerablemente antes de filmar.

A eso se suma otra marca Fincher: Trent Reznor y Atticus Ross compondrán la música, en su sexta colaboración cinematográfica con el director después de títulos como RED SOCIAL, PERDIDA, MANK y EL ASESINO.

Pero quizá lo más interesante está fuera de la película.

Netflix, uno de los grandes responsables de cambiar nuestra manera de consumir cine, ahora está utilizando IMAX como parte del acontecimiento.

Primero quiere que salgamos de casa.

Luego nos dejará verla en el sillón.

Tal vez streaming y salas ya no estén obligados a ser enemigos.

Quizá el negocio esté descubriendo algo mucho más sencillo:

hay películas que uno quiere ver en casa.

Y hay otras que primero necesitan una pantalla enorme, sonido brutal… y unas buenas palomitas.



Netflix también quiere su tajada de Notre-Dame

QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS llega a Netflix con Vincent Cassel y una idea irresistible: imaginar la vida del hombre que pudo inspirar al inmortal jorobado de Víctor Hugo. El problema -o quizá lo más interesante- es que nadie puede asegurar que aquel Quasimodo haya existido realmente.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

¿Las plataformas le están quitando una tajada a las salas de cine?

La discusión lleva años sobre la mesa. Mientras los cines apuestan por pantallas gigantes, sonido envolvente y películas convertidas en “acontecimientos”, Netflix sigue teniendo otra ventaja formidable: puede llevar hasta nuestra sala historias que, no hace mucho, quizá habríamos tenido que buscar en una cartelera.

Ahora le toca el turno a Quasimodo.

Netflix estrenará en México el 27 de noviembre QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS (Quasimodo, l’âme de Paris), película francesa dirigida por Jean-François Richet y protagonizada por Vincent Cassel, acompañado por Karim Leklou, Daphné Patakia, Benjamin Voisin y Noémie Lvovsky.

Pero ésta no es otra adaptación de NUESTRA SEÑORA DE PARÍS.

La película retrocede hasta 1830 y propone imaginar la vida del hombre que habría inspirado a Víctor Hugo para crear a Quasimodo. Cassel interpreta a un cantero jorobado, visto como un monstruo por quienes lo rodean, mientras París se agita entre revolución, epidemia de cólera y una historia de amor imposible. Netflix define expresamente la película como una “reimaginación” de aquel supuesto personaje real.

Y aquí comienza lo verdaderamente sabroso.

¿Existió Quasimodo?

En 2010, el archivista Adrian Glew encontró entre los papeles del escultor británico Henry Sibson, conservados por la Tate, una referencia a artesanos que trabajaban en París durante la década de 1820. Sibson mencionaba a un escultor del gobierno que era jorobado y al que conocían simplemente como “Le Bossu”, “el jorobado”. Los trabajadores estaban vinculados con obras en Notre-Dame y se movían en ambientes cercanos a Víctor Hugo.

La coincidencia es fascinante.

Pero coincidencia no significa prueba.

No existe documento conocido en el que Hugo diga: “este hombre fue mi Quasimodo”. Incluso desconocemos el verdadero nombre de aquel escultor. La conexión es una hipótesis histórica plausible, no la biografía comprobada del campanero de Notre-Dame.

Y justamente ahí parece estar el atractivo de la película.

Entre la historia comprobable, la leyenda que creció alrededor de ella y la libertad del cine para llenar los espacios vacíos, Netflix encontró terreno perfecto para contar algo nuevo sobre un personaje que conocemos desde hace casi dos siglos.

Quizá QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS no vaya a revelarnos quién fue el verdadero Quasimodo.

Pero sí puede conseguir algo igualmente interesante:

hacernos preguntar si antes del mito hubo realmente un hombre.

Y esta vez no tendremos que subir hasta el campanario para encontrarlo.

Bastará abrir Netflix.

Mira aquí el tráiler

Quasimodo, el alma de París | Tráiler oficial | Netflix



Homero, ahora con prompt

Grok Imagine, la inteligencia artificial de Elon Musk, publicó los primeros siete minutos de su propia versión de LA ODISEA. Mientras Christopher Nolan convirtió a Homero en un espectáculo cinematográfico gigantesco, la IA intenta demostrar que también puede llegar a Ítaca.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Homero debe estar pasando una temporada bastante movida.

Después de que Christopher Nolan convirtiera LA ODISEA (The Odyssey) en uno de los grandes acontecimientos cinematográficos recientes, apareció un nuevo competidor dispuesto a contar las aventuras de Odiseo.

Solo que éste no necesita cámaras, barcos ni miles de extras.

Necesita prompts.

El pasado 23 de octubre, Grok Imagine, la herramienta de generación de imágenes y video de xAI, publicó el primer episodio de una versión de LA ODISEA creada mediante inteligencia artificial. Dura poco más de siete minutos y fue realizada en colaboración con Wonder Studios y el director Dev Walker, ambos especializados en producción audiovisual con IA.

El proyecto había sido anunciado en julio por Elon Musk con una promesa bastante ambiciosa: antes de terminar 2026, Grok produciría un largometraje completo, “históricamente preciso” y fiel al poema de Homero.

Por ahora tenemos siete minutos.

El episodio muestra a Odiseo antes de partir hacia la Guerra de Troya, resistiéndose inicialmente a participar hasta que un antiguo juramento termina obligándolo a embarcarse.

Y aquí comienza lo interesante.

Porque casi simultáneamente tenemos dos maneras radicalmente distintas de enfrentarse a un texto escrito hace casi tres mil años.

Por un lado está Nolan: producción física, grandes escenarios, actores, cámaras, fotografía, montaje, sonido y una obsesión casi religiosa por hacer que el espectador vaya a una sala de cine.

Por el otro está Grok Imagine: instrucciones escritas a una inteligencia artificial que genera personajes, escenarios, movimientos y voces a partir de modelos digitales.

En teoría, ambos parten del mismo sitio.

Homero.

Pero el camino hacia Ítaca no podría ser más distinto.

La primera muestra de Grok también evidencia que la tecnología todavía tiene dificultades. Medios especializados han señalado problemas de sincronización entre voces y rostros, movimientos artificiales y una interpretación visual irregular. Incluso la propia Grok, al ser consultada posteriormente sobre la supuesta “precisión histórica”, reconoció que semejante promesa es complicada: LA ODISEA es, después de todo, un poema mitológico, no una crónica periodística de la Edad de Bronce.

Y quizá allí esté la verdadera historia.

No se trata de decidir todavía si la inteligencia artificial podrá algún día hacer una buena película.

La pregunta es otra:

¿Qué convierte a una sucesión de imágenes en cine?

¿La tecnología?

¿El presupuesto?

¿La cámara?

¿Los actores?

¿O las decisiones humanas que determinan por qué una imagen aparece después de otra?

Grok tiene hasta fin de año para cumplir su promesa de completar el largometraje.

Mientras tanto, Homero probablemente observa todo desde algún lugar.

Después de casi tres mil años, descubrir que ahora también necesita aprender a escribir prompts debe ser su aventura más extraña.

Creo que aquí el contraste Nolan vs. Grok funciona mucho mejor que hacer una simple nota tecnológica. El verdadero personaje termina siendo el cine mismo: dos caminos para contar exactamente la misma historia y dos ideas muy distintas de lo que significa hacer una película.



Cuando la historia empieza a moverse

14TH, el nuevo documental de Ava DuVernay, utiliza inteligencia artificial para dar movimiento a fotografías históricas. La intención no es inventar el pasado, sino acercarlo al espectador. Y ahí comienza una discusión que el cine documental apenas está aprendiendo a enfrentar.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Ava DuVernay decidió meterse voluntariamente en terreno peligroso.

En 14TH (14th), su nuevo documental sobre la Decimocuarta Enmienda de la Constitución de Estados Unidos, la directora utiliza herramientas de inteligencia artificial para dar movimiento a algunas fotografías históricas de archivo.

Y sabía perfectamente que alguien iba a preguntarle por eso.

La película, presentada mundialmente el pasado 9 de octubre en el Festival de Cine de Nueva York, examina más de 150 años de discusiones alrededor de ciudadanía, igualdad ante la ley, debido proceso y quién tiene derecho a pertenecer a una nación. Llegará a algunos cines estadounidenses el 27 de noviembre y a Netflix el 4 de diciembre de 2026.

Pero lo que está provocando conversación es la manera en que DuVernay decidió mostrar parte de ese pasado.

Algunas fotografías antiguas reciben pequeños movimientos mediante una combinación de técnicas digitales que incluye inteligencia artificial. No se trata —según ha explicado la cineasta— de crear personajes inexistentes, fabricar voces o hacer pasar imágenes falsas por documentos históricos. El material original permanece como punto de partida.

La inspiración vino de una tecnología bastante menos moderna: las fotografías estereoscópicas del siglo XIX, imágenes dobles que, observadas mediante un visor especial, producían una rudimentaria sensación de profundidad.

DuVernay quiso recuperar algo de aquella experiencia: que las personas retratadas hace más de un siglo dejaran de sentirse completamente inmóviles y adquirieran cierta presencia ante nuestros ojos. Para lograrlo, su equipo combinó photoscoping, paralaje, animación y herramientas de IA.

Y aquí aparece la pregunta interesante.

¿Cuánto podemos mover una fotografía histórica antes de empezar a mover también la historia?

El documental siempre ha utilizado montaje, música, acercamientos, restauración, colorización e incluso reconstrucciones. Ninguna película documental es una ventana completamente neutral hacia la realidad.

Pero la inteligencia artificial agrega una nueva capa.

Porque nuestros ojos todavía tienden a creer que una fotografía antigua muestra algo que realmente estuvo frente a una cámara. Cuando esa imagen comienza a moverse, aunque sea discretamente, la frontera entre documento e interpretación se vuelve menos evidente.

DuVernay no pretende esconder esa intervención. Al contrario: ha dicho que quiere que el público vea el resultado y decida cómo se siente ante él.

Quizá esa sea precisamente la discusión que necesitábamos.

La inteligencia artificial ya llegó al cine. La pregunta importante empieza a dejar de ser si debemos utilizarla.

Ahora será:

¿para qué la utilizamos, cuánto la utilizamos y le decimos claramente al espectador cuándo lo estamos haciendo?

Porque una cosa es restaurar el pasado.

Otra, bastante distinta, es empezar a reescribirlo.

Y entre ambas puede haber apenas unos cuantos fotogramas.



Nolan se saca un truco de la manga

EL GRAN TRUCO (The Prestige) regresará a los cines por su 20.º aniversario y, por primera vez, podrá verse en IMAX y 70 mm. Christopher Nolan vuelve a demostrar que para él una película no solo importa por lo que cuenta, sino también por cómo se proyecta.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

¡Christopher Nolan vuelve a hacer de las suyas!

Y esta vez ni siquiera necesitó filmar una película nueva.

EL GRAN TRUCO (The Prestige, 2006), una de las cintas más queridas de su filmografía, regresará a salas de cine a partir del 29 de enero de 2027 para celebrar su vigésimo aniversario. La novedad está en el formato: por primera vez tendrá funciones en IMAX y 70 mm, además de exhibiciones convencionales.

La película, protagonizada por Christian Bale, Hugh Jackman, Scarlett Johansson y Michael Caine, cuenta la rivalidad obsesiva entre dos ilusionistas en el Londres victoriano. Uno quiere superar al otro. Luego el otro quiere vengarse. Después ambos quieren crear el truco imposible. Y, como suele ocurrir con Nolan, lo que parecía una competencia termina convirtiéndose en una reflexión sobre obsesión, sacrificio, engaño y la necesidad humana de creer en algo extraordinario.

IMDb registra en México el título EL GRAN TRUCO (The Prestige) y señala que llegó originalmente a nuestro país el 3 de noviembre de 2006. La cinta dura 130 minutos y obtuvo dos nominaciones al Óscar, por fotografía y dirección de arte.

Pero el verdadero “truco” de este reestreno está en otra parte.

Nolan ha convertido el formato de exhibición en parte de su marca personal. Con películas como INTERESTELAR (Interstellar), OPPENHEIMER (Oppenheimer) y LA ODISEA (The Odyssey), ha insistido en que la experiencia cinematográfica no termina cuando se acaba el rodaje: también importa el tamaño de la pantalla, el tipo de proyección, el sonido y hasta el soporte físico de la película.

Ahora aplica esa filosofía hacia atrás.

(I-D) Christopher Nolan, Christian Bale

EL GRAN TRUCO (The Prestige) no fue concebida originalmente como un gran espectáculo IMAX, pero veinte años después regresa convertida en acontecimiento de gran formato. Es una manera curiosa de demostrar que una película puede tener una segunda vida sin cambiar una sola escena.

Y quizá eso explica por qué Nolan sigue siendo un imán para los cinéfilos. No solo vende películas. Vende la sensación de que verlas en determinada sala, en determinada pantalla y en determinado formato forma parte de la obra.

La jugada también llega en un momento interesante: los reestrenos están dejando de ser simples ejercicios de nostalgia y empiezan a funcionar como verdaderos eventos. El público ya conoce la película, pero vuelve para verla de otra manera.

En el caso de EL GRAN TRUCO, además, la idea resulta casi perfecta.

Porque la propia película dice que todo buen acto de magia necesita tres etapas: la presentación, el giro y, finalmente, el prestigio.

Veinte años después, Nolan acaba de encontrarle una cuarta:

el reestreno.



Tres horas, ningún superhéroe… y salas llenas

YOU CAN SEE EVERYTHING, el documental sobre Elizabeth Holmes, debutó con 15 millones de dólares en solo 855 salas. Una pequeña prueba de que quizá el público no perdió la paciencia: simplemente dejó de regalársela a cualquier película.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Hollywood lleva años preocupado porque el público supuestamente ya no aguanta sentado.

Que si TikTok redujo nuestra capacidad de atención. Que si una película de dos horas ya es demasiado. Que si hay que meter acción antes de que alguien saque el celular.

Y entonces llega un documental de dos horas con 55 minutos.

Y llena las salas.

¡BOLETOS AGOTADOS! y a ¡$20 DÓLARES POR CABEZA!!

YOU CAN SEE EVERYTHING (You Can See Everything), dirigido por Nathan Fielder y Lance Oppenheim, debutó este fin de semana en Estados Unidos y Canadá con 15 millones de dólares en apenas 855 salas. A24 reportó más de 2,000 funciones agotadas, convirtiéndolo en el mejor estreno norteamericano para un documental en más de veinte años.

Nada mal para una película sin superhéroes, dinosaurios, multiversos ni autos brincando entre edificios.

¿De quién habla? De Elizabeth Holmes, fundadora de Theranos, la empresa que prometía revolucionar los análisis médicos realizando cientos de pruebas con unas cuantas gotas de sangre. La compañía llegó a valer miles de millones de dólares hasta que investigaciones periodísticas revelaron que gran parte de aquellas promesas no funcionaban como se aseguraba.

Holmes fue condenada por fraude y comenzó a cumplir una sentencia federal en 2023.

El documental arranca 34 días antes de su ingreso a prisión, cuando permite que un equipo filme su vida familiar junto a su pareja y sus hijos. Lo que empieza como retrato íntimo termina convirtiéndose en una exploración sobre verdad, manipulación, imagen pública y una pregunta bastante incómoda: ¿cuánto de lo que vemos es realmente la persona y cuánto es el personaje que quiere mostrarnos?

Ahí está probablemente la razón de su éxito.

La historia de Holmes ya había sido contada en libros, podcasts, reportajes y televisión. Pero conocer los hechos no necesariamente significa comprender al personaje.

Fielder y Oppenheim encontraron todavía algo que explorar.

Oppenheim, además, dirigió PRIMETIME (Primetime), otra película interesada en esa zona borrosa donde realidad, medios y espectáculo empiezan a mezclarse.

Pero el dato más sabroso está en el público: más del 70% de quienes compraron boleto fueron menores de 35 años.

Es decir, buena parte de esa generación acusada constantemente de no aguantar más de diez minutos de atención decidió pagar para sentarse casi tres horas frente a un documental.

Tal vez habría que revisar el diagnóstico.

Quizá los jóvenes no odian las películas largas.

Quizá odian aburrirse.

Y esa puede ser la verdadera lección de YOU CAN SEE EVERYTHING (You Can See Everything). No todas las películas necesitan durar tres horas —por favor, Hollywood, tampoco exageres—, pero la duración deja de importar cuando existe curiosidad, conversación y una historia que promete algo más que llenar tiempo.

El público todavía tiene paciencia.

Solo que ahora parece administrarla mejor.