LA ACADEMIA HOMENAJEARÁ A GLENN CLOSE, FLOYD NORMAN, RIDLEY SCOTT Y CHRISTINE VACHON Y PAMELA KOFFLER EN LOS PREMIOS DE LOS GOBERNADORES 2026
Las estatuillas del Oscar® se entregarán a estos homenajeados el 15 de noviembre
LOS ÁNGELES, CA – La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció hoy que su Junta de Gobernadores votó a favor de otorgar Premios Honoríficos de la Academia a la actriz Glenn Close, al animador Floyd Norman y al director Ridley Scott, y el Premio Memorial Irving G. Thalberg a las productoras Christine Vachon y Pamela Koffler. Las estatuillas del Óscar® se entregarán en la 17.ª edición de los Premios de los Gobernadores de la Academia, el domingo 15 de noviembre de 2026, en el Ray Dolby Ballroom del Ovation Hollywood.
“La Junta de Gobernadores de la Academia se complace en entregar los Premios de los Gobernadores de este año a cinco personas extraordinarias cuyo trabajo innovador ha marcado para siempre el arte cinematográfico”, declaró la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor. “A lo largo de su extraordinaria trayectoria, la incomparable gama emocional de Glenn Close ha dado vida a algunos de los personajes más complejos del cine. Floyd Norman es el legendario animador que ha roto barreras e inspirado a generaciones de artistas a lo largo de su brillante carrera. Sir Ridley Scott es un verdadero visionario cuyo legado de décadas ha dejado una huella incalculable en el cine y la cultura a nivel mundial. Christine Vachon y Pamela Koffler desempeñan un papel fundamental en el cine independiente estadounidense, defendiendo narrativas audaces, ambiciosas y singulares”.
La carrera actoral de Close abarca más de cinco décadas, con más de 100 películas en su haber. Ha recibido ocho nominaciones al Óscar, comenzando con su debut cinematográfico en «El mundo según Garp», y ha sido nominada posteriormente por «Reencuentro», «El mejor», «Atracción fatal», «Las amistades peligrosas», «Albert Nobbs», «La mujer» y «Elegía de los campesinos».
Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen «Al filo de la navaja»,
«El cambio de fortuna», «Hamlet», «101 dálmatas», «102 dálmatas», «Mars Attacks!», «Air Force One», «Las esposas de Stepford», «La chica con todos los dones», «Cuatro buenos días» y «Despierta, muerto: Un misterio de la película Puñales por la espalda».
Animador y artista de guiones gráficos, Norman comenzó su prestigiosa carrera de 65 años en Walt Disney Animation Studios en 1956, convirtiéndose en el primer animador negro del estudio. Su primer largometraje de Disney fue «La Bella Durmiente»,
y colaboró en clásicos como «La Espada en la Piedra», «Mary Poppins», «El Libro de la Selva» y «Robin Hood», así como en los cortometrajes «Donald en el País de las Matemáticas», «Goliath II» y «Winnie the Pooh y el Árbol de la Miel». Entre sus otros trabajos cinematográficos destacados se incluyen «El Jorobado de Notre Dame», «Mulán», «Toy Story 2» y «Monsters, Inc.».
Scott ha recibido nominaciones al Óscar por dirigir «Thelma & Louise», «Gladiator» y «Black Hawk Down», además de una nominación a Mejor Película por «The Martian». A lo largo de una carrera que abarca casi seis décadas, también ha dirigido películas como «Alien», «Blade Runner», «Legend», «Black Rain», «G.I. Jane», «Kingdom of Heaven», «American Gangster», «Prometheus», «All the Money in the World», «House of Gucci», «The Last Duel», «Napoleon» y la próxima película «The Dog Stars».
En 2024, Scott fue nombrado Caballero Gran Cruz de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la industria cinematográfica británica.
Christine Vachon y Pamela Koffler (Crédito: Shutterstock)
Vachon y Koffler fundaron la productora independiente Killer Films, con sede en Nueva York, en 1995. Juntos, han producido películas como «Hedwig and the Angry Inch», «One Hour Photo», «Camp», «The Company», «The Notorious Bettie Page», «May December» y «Materialists». Vachon y Koffler recibieron una nominación al Óscar a la Mejor Película por “Past Lives” en 2024. Entre sus producciones en Killer Films se incluyen “Safe”, “Velvet Goldmine”, “Happiness”, “Boys Don’t Cry”, “Far from Heaven”, “I’m Not There”, “Still Alice”, “Carol”, “First Reformed”, “Vox Lux”, “The World to Come”, “Zola” y “A Different Man”.
El Premio Honorífico se otorga “para reconocer una trayectoria profesional extraordinaria, contribuciones excepcionales al estado de las artes y ciencias cinematográficas en cualquier disciplina, o por un servicio sobresaliente a la Academia”.
El Premio Conmemorativo Irving G. Thalberg se otorga a un productor creativo cuya obra refleja una alta calidad constante en la producción cinematográfica.
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Andrés Bermea
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Mary Pickford nació el 8 de abril de 1892 en Toronto, Ontario, Canadá.
Consiguió llegar a ser la persona más poderosa en Hollywood. Sus roles femeninos, ingenuos, de «niñita buena», eran más populares que el vagabundo de Charlie Chaplin.
A los 24 años, no solo fue millonaria, sino la primera que hubo en Hollywood.
Durante veinte años Mary Pickford (Gladys Louise Smith. Actriz canadiense) encarnó el arquetipo de mujer-niña encantadora. Apareció por primera vez en un escenario a los seis años, junto a su hermana Lottie y su hermano Jack.
Trabajó en The Little Teacher, La cabaña del tío Tom, Little Red Schoolhouse y otras obras edificantes. The Warrens of Virginia confirmó su fama de niña prodigio y la animó a estrenarse en el cine.
Conoció a Griffith, quien la hizo intervenir, como ensayo, en su serie burlesca The Jones Family, aunque aún no como protagonista. Alcanzó la fama tras aparecer en: El teléfono (The Lonely Villa), La niña (The Little Darling), La maestrita (The Little Teacher), La muchacha de Arcadia (An Arcadian Maid), Wilful Peggy, entre otras.
En 1911 abandonó la Biograph para ingresar en la IMP (Independent Motion Pictures) de Carl Laemmle, donde actuó en varias películas bajo la dirección de Thomas Ince y George Loane Tucker. Al dejarla, pasó a la Majestic Pictures de Harry Aitken. Participó en Lena and the Geese, A Pueblo Legend, My Baby y, sobre todo, El sombrero de Nueva York (The New York Hat). Se casó el 7 de enero de 1911 con Owen Moore.
Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Charles Chaplin, D.W. Griffith,
En 1913 intentó regresar a sus inicios al volver al teatro con una adaptación de A Good Little Devil, de la condesa de Ségur. A partir de ese momento comenzó a cosechar numerosos éxitos. Firmó un contrato con la Paramount. Cobró mil dólares por semana, suma que se multiplicó por diez en apenas dos años. También se desempeñó como productora y guionista. En 1919 fundó junto a David Wark Griffith, Charles Chaplin y Douglas Fairbanks la productora United Artists.
Mary Pickford ganó el Óscar a la Mejor Actriz en la segunda edición de los Premios de la Academia (celebrada en 1930, reconociendo películas de 1928-1929) por su papel en «COQUETA» (Coquette / (1929). Fue su primer papel sonoro y su único premio de la Academia en competencia, destacando por su transición del cine mudo a sonoro y su campaña personal para el premio.
Cartel publicitario de COQUETA (1929)
Mary Pickford falleció el 29 de mayo de 1979 en Santa Mónica, California.
Premios Óscar
1976 Óscar Honorífico 1929 Mejor actriz – Coquette
Filmografía
1947 High Fury 1945 Gaslight Follies 1933 Secrets 1931 Kiki 1929 The Taming of the Shrew 1929 Coquette 1927 Kiss for Mary Pickford 1927 My Best Girl 1927 The Gaucho 1926 Sparrows 1925 Little Annie Rooney 1924 Dorothy Vernon of Haddon Hall 1923 Hollywood 1923 Rosita 1922 Tess of the Storm Country 1921 Little Lord Fauntleroy 1921 Through the Back Door 1921 The Love Light 1921 Thru Back Door 1920 Suds 1920 Pollyanna 1919 Captain Kidd, Jr. 1919 Heart O’ the Hills 1919 Hoodlum 1919 Daddy Long Legs 1919 The Hoodlum 1918 How Could You, Jean? 1918 Johanna Enlists 1918 Amarilly of Clothesline Alley 1918 Stella Maris 1918 M’Liss 1917 A Poor Little Rich Girl 1917 A Romance of the Redwoods 1917 Rebecca of Sunnybrook Farm 1917 Little Princess 1917 The Pride of the Clan 1917 Little American 1916 Poor Little Peppina 1916 The Foundling 1916 The Eternal Grind 1916 Less Than the Dust 1916 Hulda from Holland 1915 Rags 1915 A Girl of Yesterday 1915 Cinderella 1915 The Foundling 1915 Esmeralda 1915 The Dawn of a Tomorrow 1915 Fanchon the Cricket 1915 Mistress Nell 1915 Madame Butterfly 1915 Little Pal 1914 Hearts Adrift 1914 His Last Dollar 1914 A Good Little Devil 1914 Behind the Scenes 1914 Such a Little Queen 1914 Tess of the Storm Country 1913 In the Bishop’s Carriage 1913 The Unwelcome Guest 1913 Fate 1913 Caprice 1912 The Narrow Road 1912 My Baby 1912 The Mender of Nets 1912 Lena and the Geese 1912 A Lodging for the Night 1912 The New York Hat 1912 Fate’s Interception 1912 A Feud in the Kentucky Hills 1912 A Child’s Remorse 1912 A Beast at Bay 1912 Iola’s Promise 1912 The Inner Circle 1912 Home Folks 1912 The Informer 1912 An Indian Summer 1912 Just Like a Woman 1912 With the Enemy’s Help 1912 Friends 1912 The Female of the Species 1912 The Old Actor 1912 A Pueblo Legend 1912 The One She Loved 1912 So Near, Yet So Far 1912 The Schoolteacher and the Waif 1912 A Siren of Impulse 1911 In Old Madrid 1911 The House That Jack Built 1911 The Aggressor 1911 In the Sultan’s Garden 1911 The Italian Barber 1911 Little Nell’s Tobacco 1911 For Her Brother’s Sake 1911 Her Awakening 1911 Artful Kate 1911 A Decree of Destiny 1911 Dream 1911 A Dog’s Tale 1911 Little Red Riding Hood 1911 When a Man Loves 1911 Three Sisters 1911 Conscience 1911 The Better Way 1911 The Message in the Bottle 1911 A Manly Man 1911 Their First Misunderstanding 1911 The Rose’s Story 1911 Mirror 1910 The Call to Arms 1910 Ramona 1910 An Affair of Hearts 1910 In the Season of Buds 1910 Little Angels of Luck 1910 In the Border States 1910 The Iconoclast 1910 A Gold Necklace 1910 Muggsy’s First Sweetheart 1910 Never Again 1910 Love Among the Roses 1910 Muggsy Becomes a Hero 1910 May and December 1910 The Newlyweds 1910 As It is in Life 1910 Call 1910 An Arcadian Maid 1910 The Griffith Biographs 1910 A Flash of Light 1910 Examination Day at School 1910 The Face at the Window 1910 A Child’s Impulse 1910 The Englishman and the Girl 1910 A Child’s Stratagem 1910 The Woman from Mellon’s 1910 Usurer 1910 A Victim of Jealousy 1910 The Unchanging Sea 1910 The Two Brothers 1910 The Twisted Trail 1910 White Roses 1910 Wilful Peggy 1910 Waiter No. 5 1910 When We Were in Our Teens 1910 What the Daisy Said 1910 A Plain Song 1910 Serious Sixteen 1910 Simple Charity 1910 The Song of the Wildwood Flute 1910 A Romance of the Western Hills 1910 A Rich Revenge 1910 The Thread of Destiny 1910 Sunshine Sue 1910 That Chink at Golden Gulch 1910 Smoker 1910 A Summer Tragedy 1910 The Sorrows of the Unfaithful 1909 The Seventh Day 1909 The Son’s Return 1909 Slave 1909 A Strange Meeting 1909 The Renunciation 1909 The Sealed Room 1909 The Restoration 1909 The Peachbasket Hat 1909 In Old Kentucky 1909 The Awakening 1909 A Midnight Adventure 1909 A Sweet Revenge 1909 Tender Hearts 1909 To Save Her Soul 1909 They Would Elope 1909 Test 1909 The Fascinating Mrs. Francis 1909 The Faded Lilies tor 1909 The Deception 1909 The Gibson Goddess 1909 Getting Even 1909 Her First Biscuits 1909 Sweet and Twenty 1909 The Country Doctor 1909 The Children’s Friend 1909 The Broken Locket 1909 The Cardinal’s Conspiracy 1909 Oh, Uncle! 1909 The Lonely Villa 1909 The Little Teacher 1909 The Little Darling 1909 The Necklace 1909 The Mexican Sweethearts 1909 The Mountaineer’s Honor 1909 His Duty 1909 His Wife’s Visitor 1909 His Lost Love 1909 Lines of White on a Sullen Sea 1909 The Light That Came 1909 In the Watches of the Night 1909 The Indian Runner’s Romance 1908 Mrs. Jones Entertains
Investigación Andrés Bermea; Biografía (Fragmentos) y Filmografía: buscabiografias.com
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La familia confirmó que el actor falleció a los 86 años en Hawai, este jueves 19 de marzo; resaltando su devoción, disciplina y amabilidad, rasgos que definieron su legado y lo convirtieron en un ícono para millones de personas.
El actor falleció a los 86 años
Chuck Norris murió a los 86 años en Hawai este jueves 19 de marzo. La noticia fue confirmada por su familia en un comunicado publicado en redes sociales. Leyenda del cine y experto en artes marciales.
Chuck Norris junto a su esposa Gina, con quien está casado desde 1998 y comparte dos hijos (AP Photo/Gerald Herbert)
La familia destacó en su mensaje: “vivió con fe, propósito y un compromiso inquebrantable con sus seres queridos. A través de su trabajo, disciplina y amabilidad, inspiró a millones en todo el mundo y dejó una huella imborrable en tantas vidas”. El texto subraya que la familia agradece el apoyo recibido durante la reciente hospitalización del actor y solicita respeto a su privacidad en este momento de duelo.
Nacido en Oklahoma en 1940 y trasladado a California tras una infancia marcada por dificultades económicas, Norris inició su formación marcial en la Base Aérea de Osan, Corea del Sur, mientras realizaba el servicio militar en la Fuerza Aérea de Estados Unidos. Alcanzó el grado de primer dan en Tang Soo Do antes de los 23 años, y sumó distinciones relevantes como seis campeonatos mundiales de karate —registro de 65 victorias y cinco derrotas— antes de fundar su propia red de escuelas en Los Ángeles.
Antes de convertirse en una figura clave del cine de acción, Chuck Norris ya era un destacado artista marcial, llegando incluso a desarrollar su propia disciplina
Su círculo profesional fue ampliado por la relación temprana con Steve McQueen, quien le animó a incursionar en la actuación tras recibir clases privadas. Norris debutó en papeles secundarios hasta consolidar su primer éxito de taquilla con Lone Wolf McQuade (1983).
Fue el actor Steve McQueen quien le recomendó a Chuck Norris incursionar en la actuación tras recibir clases privadas de él (Shuttertsock)
Sus créditos como actor de acción no solo respondieron a su dominio real de artes marciales, sino también a su capacidad para capitalizar sus propias habilidades en pantalla. El enfrentamiento coreografiado con Bruce Lee en The Way of the Dragon (1972) se consolidó como un referente del género y el primero de una serie de personajes relacionados con el arquetipo del justiciero solitario.
Su pelea con Bruce Lee en la película The Way of the Dragon se convirtió en un referente absoluto del cine de acción (Shutterstock)
Su salto a la televisión con Walker, Texas Ranger en 1993, producido por Al Ruddy, Leslie Greif, Paul Haggis y Christopher Canaan bajo el sello Cannon Television, inauguró nueve temporadas y cerca de 200 episodios, ocupando el prime time de los sábados en CBS y sumando un telefilme en 2005.
Respecto al impacto de Chuck en la cultura popular de la época, el actor reflexionó lo siguiente:
“Cuando se lucha el bien contra el mal, cuando los buenos se enfrentan a los malos y ganan, entonces creo que eso está bien”, dijo. “Por desgracia, en nuestra sociedad, en la realidad, no siempre es así. … Es bonito poder hacer películas en las que la gente diga: ‘Esto es lo que debería pasar, así es como debería ser en la vida real’. Por eso creo que tengo tanto éxito”.
Chuck Norris inmortalizó su imagen de «cowboy» gracias a la aclamada serie «Walker Texas Ranger» (Panamericana)
La influencia de Chuck Norris en la era digital
Paralelamente, el fenómeno de los “Chuck Norris Facts” —chistes virales sobre su dureza y capacidades— encontró eco global en internet, contribuyendo a su vigencia pop y a la potencialización de su figura comercial.
Frases como “Chuck Norris puede respirar bajo el agua… Y también bajo el fuego” o “Una vez Chuck Norris fue mordido por una cobra. Después de varios minutos de agonía, la cobra murió”, se volvieron hitos en redes y mantuvieron vigente la imagen de Norris en las nuevas generaciones.
Más allá de los memes, Norris controló su narrativa produciendo obras editoriales como The Secret of Inner Strength (1987), The Secret Power Within (1996) y Black Belt Patriotism (2008), y registró legalmente su sistema de combate Chun Kuk Do, resultado de décadas de entrenamiento y fusión de estilos marciales.
El actor deja como herederos a su esposa Gena Norris, con quien se casó en 1998, y a sus hijos Mike, Dina, Eric, Danilee y Dakota. La familia ha decidido mantener en reserva los detalles circunstanciales de su muerte y comunicó que Norris estuvo acompañado y “en paz” en sus últimos momentos.
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Un libro del exdirector ejecutivo de la Academia de Hollywood acaba con una vieja controversia: el mérito fue de una secretaria que custodiaba los trofeos en las primeras galas y se refiere a un marino noruego
No es su nombre oficial, pero sí el popular. La estatuilla de los Óscar se denomina en realidad Premio de la Academia al Mérito (Academy Award® of Merit). Una de las metas era idear un método que honrara los logros extraordinarios, fomentando así los niveles de calidad superiores en todas las facetas de la producción cinematográfica…
El apelativo del trofeo más ansiado del cine se añadió años después de su primera entrega, el 16 de mayo de 1929, en el hotel Roosevelt, a solo una manzana del teatro Dolby, donde se celebra la gala en la actualidad. Aunque el alias «Óscar» se popularizó en la década de 1930, no fue adoptado oficialmente por la Academia hasta 1939. Eso sí, la Academia de Hollywood lo tiene registrado. El alias, el nombre oficial, la silueta, la estatuilla, todo… El negocio es el negocio. Pero, si no se llaman Óscar, ¿de dónde viene ese apodo? Pues de un marino noruego “alto y erguido”. Un libro sobre el primer medio siglo de vida de la institución, que se publicará en otoño en EE UU, recoge esta historia y señala a Eleanore Lilleberg, trabajadora en la Academia en los albores de los trofeos, como la creadora del alias.
Hasta ahora, se aceptaba la teoría de que Margaret Herrick fue quien bautizó el galardón (que, obviamente, no es de oro macizo, sino de britannium —una aleación de cobre, estaño y antimonio— con un baño de oro). En 1931, Herrick —entonces Margaret Gledhill por su primer matrimonio— se incorporó a la biblioteca de la Academia, y en su jornada inicial se encontró con una estatuilla, ante la que dijo: “Me recuerda a mi tío Óscar”. Según el almanaque de la Academia de Hollywood de 1947/1948, un periodista oyó la gracia y al día siguiente la publicó. Como en «Un tiro en la noche» (El hombre que mató a Liberty Valance), se imprimió la leyenda. En 1943, Herrick se convirtió en Directora Ejecutiva de la Academia, y fue la primera en negociar con una cadena de televisión la retransmisión en directo de la gala en 1953, hecho que le dio independencia económica a la institución, que hasta entonces subsistía de las cuotas de sus socios, y amplió sus programas educativos y sus actividades culturales.
Margaret Herrick, bibliotecaria y primera mujer directora ejecutiva de la Academia de Hollywood
Y según cuenta la web Deadline,que ha tenido acceso al volumen de 521 páginas centrado en los primeros 50 años de singladura de los premios, Davis ha buceado fructíferamente en legajos y hemerotecas. Para corroborar la historia de Herrick, encontró un reportaje de Los Angeles Examiner de 1938 donde Herrick explica otra versión, y asegura que solía bromear con su primer marido, Donald Gledhill, con la muletilla: “¿Cómo está tu tío Óscar?”. Primer elemento distorsionador.
Bruce Davis, en un acto de la academia en noviembre de 2010. Amanda Edwards (Getty Images)
El asunto se enreda, porque Davis lo comparó con las memorias del columnista Sidney Skolsky (Don’t Get Me Wrong—I Love Hollywood) que en 1970 contaba que bajo la presión del cierre en 1934 fue el primero en usar ese mote en homenaje a una frase de los actores de vodevil, que solían dirigirse al director de orquesta con un: “¿Tendrá un puro, Óscar?”. Por tanto, se atribuía el mérito. Sin embargo, el 16 de marzo de 1934, en New York Daily News el mismo Skolsky escribió: “Entre la profesión, a las estatuillas se les llama Óscar”. Lo cual tumba la teoría de Skolsky, que ya había anulado la de Herrick. Y siempre hubo una tercera que se quiso apuntar el hallazgo: la actriz Bette Davis.
La intérprete, que en enero de 1941 se convirtió en la primera mujer que presidió la Academia de Hollywood, cargo al que renunció a los pocos meses tras enfrentarse a la Junta Directiva, contaba en sus memorias The Lonely Life, publicadas en 1962, que fue ella quien lanzó la ocurrencia. En 1936, con su primer Óscar en la mano por ‘Peligrosa‘ (Dangerous), Bette Davis dijo —siempre según su autobiografía— que de espaldas parecía la imagen de su entonces marido, Harmon Oscar Nelson, y que por eso la estatuilla se había empezado a calificar así. Cuando a la actriz le sacaron los colores —en 1934, dos años antes, Óscar ya era su apelativo común—, se retractó.
Bette Davis, en 1936, con su Oscar por ‘Peligrosa‘ en la mano
Así pues, Bruce Davis continuó investigando. Y lo encontró escarbando en la prensa. A los Óscar los bautizó Eleanore Lilleberg, secretaria y asistente en los inicios de la Academia. Ella era la encargada de custodiar los premios en los minutos previos a las ceremonias de los primeros años de vida de la institución. Se sabía que Lilleberg era probablemente la creadora del mote, por investigaciones precedentes. Aunque no la razón. En un pequeño museo en Green Valley (California) dedicado a ella y a su hermano Einar, un gemólogo, Davis encontró las memorias inconclusas de este, donde Einar explicaba que fue Eleanore quien les llamó Oscar, por un veterano de la armada noruega —país de origen de la familia Lilleberg— que ambos habían conocido en Chicago y que, como el premio, “era alto y erguido”. Entrevistas con colegas de Lilleberg en periódicos de 1944 confirman la historia. Y así aparece en el libro de Davis, que promete revelar más secretos de los premios Oscar.
La estatuilla representa a un caballero sosteniendo una espada sobre una bobina de cine, diseñado por Cedric Gibbons.
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¿Cuál es la mejor película de todos los tiempos según los cineastas?. En 2022, un total de 480 directores de cine de todo el mundo participaron en una de las encuestas más relevantes de la industria para dar una respuesta a esta pregunta. Se trata de la prestigiosa lista Sight & Sound de la revista del British Film Institute, donde cada diez años se recopilan los 100 mejores filmes de la historia.
En ella, el primer puesto lo obtuvo ‘2001: Una odisea del espacio’, la obra maestra de Stanley Kubrick. Pero en lo que se refiere al género western, la película más votada y mejor situada en el ranking no es otra que ‘ÉRASE UNA VEZ EN EL OESTE‘ (Título original «C’era una volta il West») [En USA: «Once Upon a Time in the West»; en España: «Hasta que llegó su hora»]. Esta cinta italiana, dirigida por el gran Sergio Leone (’El bueno, el malo y el feo’), estrenada en México el 4 de diciembre de 1969, aparece en el puesto 46 de la lista, para sorpresa de muchos.
Sight & Sound describe esta película como “un compendio épico de las situaciones que Leone había tomado prestadas de los westerns que tanto amaba”. En la revista también se destaca la memorable secuencia de apertura, la inolvidable banda sonora compuesta por Ennio Morricone y los lentos y tensos duelos que son tan típicos de Leone.
¿’Érase una vez en el Oeste’ es el mejor western de todos los tiempos?
Henry Fonda, Claudia Cardinale, el Director Sergio Leone, Charles Bronson y Jason Robards
‘Érase una vez en el Oeste’ se convirtió en el western mejor valorado por los directores de cine gracias a que contó con el respaldo de figuras como Nicolas Winding Refn (’Drive’) y el iraní Asghar Farhadi (’Nader y Simin, una separación’). Ambos consideran que esta obra trascendió las fronteras del Spagetti Western y produjo un gran impacto en sus carreras.
Lo más curioso de todo el asunto es que no estamos ante una producción estadounidense, como las de Clint Eastwood. ‘Érase una vez en el Oeste’es una película italiana que se alza como uno de los grandes orgullos del cine europeo, y gracias a ella, el género Western experimentó un antes y un después. ¿Estás de acuerdo con la selección?…
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Todos tenemos una idea de la historia de Frankenstein; pero, ¿Cómo llegó esa historia a la novela impresa?…
¿Cómo fue que Mary W. Shelley, una joven de apenas 18 años desarrolló una idea tan espantosa y estremecedora?…
¿Cómo vivió Mary Shelley ese proceso de gestación que dio vida a la criatura que horrorizó al mundo entero?…
Conozcamos a Mary W. Shelley en una visita a la noche en que engendró al monstruo…
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Con las actuaciones de:
Adriana Favela como Mary W. Shelley
Andrés Bermea como el Narrador
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Yo, Mary Shelley: La noche en que engendré al monstruo
Por Andrés Bermea con fragmentos de la Introducción de Mary W. Shelley a la novela FRANKENSTEIN O EL MODERNO PROMETEO editada en 1831.
Narrador: – Frankensteino el moderno Prometeo (de 1818), escrita por Mary W. Shelley, cambió la historia del terror porque mezcló miedo con una pregunta muy humana: ¿Qué pasa cuando creamos algo y no nos hacemos responsables de ello?… Víctor Frankenstein arma una criatura a través de la ciencia y luego la abandona; el “monstruo, la criatura” aprende, sufre y busca cariño. Por eso la novela conectó tanto: no es solo miedo, es una pregunta moral que todos entendemos -sobre empatía, rechazo y consecuencias-.
La novela Frankenstein se volvió popular porque tiene un símbolo poderoso (la criatura incomprendida) que cada generación reconoce. Y la película de 1931 lo hizo inolvidable: la imagen del laboratorio, los rayos, Boris Karloff, el “¡Está vivo!”. Ese filme fijó el look del monstruo y ayudó a que Frankenstein fuera un clásico del cine de terror. Hoy sigue vigente porque habla de tecnología, poder y responsabilidad… temas que siguen siendo nuestros.
Todos tenemos al menos una vaga idea de la historia de Frankenstein; pero, ¿Cómo llegó esa historia a la letra impresa?… ¿Cómo fue que una joven de apenas 18 años ideó y desarrolló una idea tan espantosa y estremecedora?… ¿Cómo vivió Mary W. Shelley ese proceso de gestación que dio vida a la criatura que horrorizó al mundo entero?… Conozcamos a Mary W. Shelley en una visita a la noche en que engendró al monstruo…
El verano de 1816 se presentó fuera de lo normal, fue terrible, frío y lluvioso por los efectos globales de la erupción del volcán Tambora situado en Indonesia, ocurrida un año antes, el 10 de abril de 1815; liberó toneladas de polvo de azufre que se extendieron por todo el planeta y que originó lo que se conoce como el “El año sin verano”;… Un descenso importante de temperatura y lluvias tan persistentes que dejaron frías a Europa y Norteamérica… Estas lúgubres circunstancias acabaron siendo el escenario perfecto para que se gestara una de las novelas de terror gótico más clásicas de toda la historia, una de las más turbadoras novelas de la literatura europea… FRANKENSTEIN O EL MODERNO PROMETEO… su autora, Mary Wollstonecraft Shelley…
Mary: -En 1812 conocí al poeta Percy Bysshe Shelley [Pur·see-Bish-Sheh·lee] de quién me enamoré perdidamente… Aunque él estaba casado con otra mujer en ese momento, -Harriet-, me fugué con él a Francia en julio de 1814. A petición de ella misma, escapó con nosotros mi hermanastra Claire Clairmont hija de la segunda esposa de mi padre, quien enviudó de mi madre poco tiempo después de mi nacimiento… Yo tenía apenas 16 años y cinco menos que aquel muchacho que se convirtió en mi primer y gran amor… Nos casamos luego en diciembre de 1816.
Narrador: – En mayo de 1816 Percy Shelley decidió llevar a Mary al pueblo suizo de Cólogny, en las orillas del Lago Lemán, también conocido como Lago de Ginebra, el mayor de la Europa Occidental.
Estando ahí fueron invitados a la cercana y elegante Villa Diodati por el poeta Lord Byron, que había empezado una aventura con Claire, la hermanastra de Mary.
Mary: – Nos convertimos en vecinos de Lord Byron. Al principio pasábamos horas agradables en el lago o vagando por sus orillas; y Lord Byron, que estaba escribiendo el tercer canto de Childe Harold («Chaild Jare-uld»), era el único entre nosotros que ponía sus pensamientos sobre el papel.
“Resultó ser un verano húmedo y desagradable, y la lluvia incesante a menudo nos confinaba en casa durante días.” Como buenos románticos, amábamos la naturaleza, estábamos fascinados por los avances de la ciencia y adorábamos las historias de terror gótico.
Cayeron en nuestras manos algunos volúmenes de historias de fantasmas, traducidas del alemán al francés, entre ellas un ejemplar de la llamada “Fantasmagoriana”… Los recuerdos están tan frescos en mi memoria como si los hubiera leído ayer. Ese encierro forzoso en Villa Diodati es el caldo de cultivo inmediato de la invención.
La noche del domingo 16 de junio de 1816 dijo lord Byron «Escribiremos cada uno una historia de fantasmas», y su proposición fue aceptada. Éramos cuatro: Él -Lord Byron-, su amigo, médico de cabecera y secretario personal John William Polidori; mi futuro esposo Percy Shelley y yo… Esa fue la noche en que engendré al monstruo…
Narrador: – El 17 de junio John Polidori ya anota que “las historias de fantasmas han sido iniciadas por todos menos por mí”, lo que fija que el reto estaba en marcha. Para Mary Shelley el período de gestación fue doloroso en sus inicios y culminó el 17 de abril de 1817. Eso son unos 305 días.
La Copia en limpio para imprenta: fue preparada de mediados de abril, a mediados de mayo de 1817; pasa a tres tomos en ese proceso…
Mary: – Yo me afané en pensar una historia: una historia que rivalizara con aquellas que nos habían animado a abordar esta empresa; Una que hablase a los temores misteriosos de nuestra naturaleza y despertara un horror estremecedor; una historia que hiciese mirar alrededor suyo al lector asustado, le helase la sangre y le acelerase los latidos del corazón. Si no lograba esas cosas, mi historia de fantasmas sería indigna de tal nombre. Pensé y medité… pero sin resultado…
Sentía esa vacía incapacidad de invención que es la mayor desdicha del oficio de escribir, cuando la penosa Nada responde a nuestras ansiosas invocaciones…
«¿Has pensado ya una historia?» —me preguntaban cada mañana; y cada mañana me veía obligada a responder con una mortificante negativa.
Narrador: – Mary Shelly escribe en su introducción a la edición posterior de 1831: La invención consiste en la capacidad de aprehender -es decir: atrapar, capturar-, las posibilidades de un asunto y en el poder de moldear y dar forma a las ideas que éste sugiere.
Mary: – Muchas y largas fueron las conversaciones entre lord Byron y Shelley, a las cuales yo asistía devota, aunque casi siempre en silencio. En una de ellas se discutieron varias doctrinas filosóficas y, -entre otras-, la naturaleza del principio vital y si había alguna posibilidad de que llegase a descubrirse tal principio y conferirlo a la materia inerte…
Narrador: – Cuando Mary escribe “el principio vital” está nombrando -la incógnita científica sobre QUÉ hace viva a la materia– una incógnita que su novela convierte en dilema ético: no solo “cómo dar vida”, sino qué responsabilidad asume quien la otorga.
Mary: – Quizá podía reanimarse un cadáver; el galvanismo había dado pruebas de tales cosas y, desde luego, se habló de que tal vez las partes que habían conocido una vida anterior fueran reunidas de nuevo, ensambladas y vivificadas con el calor vital.
La noche avanzó durante la charla e incluso ya había pasado la hora de las brujas, antes de que nos retirásemos a descansar cada uno a su cuarto, para pensar o para dormir. Cuando apoyé la cabeza sobre la almohada, no me dormí, aunque tampoco puedo decir que pensaba.
Me puse a reflexionar si no podría yo también, en mi narración, reunir el terror a la vez físico y metafísico que tanto nos había inquietado, y hacer que se afianzara con un solo golpe en el corazón del lector. Si yo, como autora, no conseguía asustarme a mí misma, difícilmente asustaría a otros.
Narrador: – La semilla empezaba a germinar en aquélla mente hinchada de ideas, de los conocimientos de la época, de los fantasmas que merodeaban en su cabeza…
Mary: – Mi imaginación, desbocada, me presentó de pronto una imagen aterradora… vi con los ojos cerrados, pero con vívida visión mental, a un pálido estudiante de artes profanas, de rodillas junto al ser que había ensamblado… Vi al horrendo fantasma de un hombre extendido y que luego, tras la obra de algún motor poderoso, éste cobraba vida, y se ponía de pie con movimiento torpe y poco natural…
Debía de ser espantoso, pues supremamente espantoso sería el resultado de todo esfuerzo humano por imitar el prodigioso mecanismo del Creador del mundo. El éxito aterraría al propio artista; huiría horrorizado de su odiosa obra.
Una noche terriblemente espantosa; para los ojos que dormían, sueños tan espantosos no eran raros; pero yo, despierta, los vi no como sueños, sino como premoniciones. Temía mirar; temía que, al abrir los ojos, me encontrase con aquella cosa horrenda junto a mi cama; que, descorriendo mis cortinas, me observara con sus ojos amarillos, acuosos, aunque inquisitivos.
Abrí los míos con terror. La idea se apoderó de tal modo en mi mente, que me recorrió un escalofrío de miedo, y quise cambiar la imagen macabra de mi fantasía por las realidades a mi alrededor. Aún las veo: la misma habitación, el oscuro parquet – ese suelo de madera con diseños geométricos -, las contraventanas cerradas, con la luz de la luna forcejeando por entrar, y aquella sensación de que, más allá, estaban el lago vítreo y los altos Alpes blanqueados por la nieve. No pude librarme con tanta facilidad de mi horrible fantasma: seguía persiguiéndome en mi imaginación. Debía intentar pensar en otra cosa.
Narrador: – Ciertamente Mary Shelly sufrió en vida y con los ojos abiertos la pesadilla que ella misma creaba…
Mary: – Volví a mi historia de fantasmas —¡Mi pesada, mi desdichada historia de fantasmas!—… ¡Oh, si al menos pudiera urdir una que asustase a mi lector como yo misma había sido asustada aquella noche!
Rápida como la luz —y tan alentadora— fue la idea que irrumpió entonces en mí:.. «¡La tengo!…Lo que me ha aterrado a mí aterrará a los demás; sólo necesito describir el espectro que ha visitado mi almohada a medianoche»… A la mañana siguiente anuncié que había pensado una historia. Comencé ese mismo día con las palabras: «Era una noche lúgubre de noviembre», limitándome estrictamente a transcribir los tremendos terrores de mi sueño en vela.
Narrador: – La obra de terror asomaba ya la cabeza y venía al mundo para horrorizar a nosotros los mortales vivos…
Mary: – Al principio no pensé sino en unas pocas páginas, en un breve relato; pero Shelley me instó a desarrollar la idea con mayor amplitud…
Ciertamente no debo a mi esposo la sugerencia de una sola idea, ni siquiera de un sentimiento; y, sin embargo, de no ser por su estímulo, jamás habría tomado la forma con que se presentó al mundo…
Mi esposo, por su parte, desde el principio tuvo gran empeño en que yo me mostrase digna de mi ascendencia y grabara mi nombre en la página de la fama.
Narrador: – y ¡Así es!… El nombre de Mary W. Shelley estará grabado a fuego hasta el final de los tiempos… La criatura vio la luz en forma de novela impresa el jueves 1 de enero de 1818 — Primera edición -publicada en Londres, Inglaterra-. Fue una publicación anónima en tres volúmenes y con un prefacio escrito pero no firmado de Percy Shelley y dedicatoria a William Godwin -el padre de Mary-.
El hecho de que se hiciera anónimamente da una idea de lo escandalosa que resultaba incluso para su propia autora, que diría años después:
Mary: – “¿Cómo pude yo, entonces una muchacha joven, idear y explayarme en una idea tan horrible?».
Narrador: – En 1831, reescribió la historia por completo hasta conseguir la versión definitiva que ha llegado hasta nuestros días… La edición revisada de 1831 apareció el lunes 31 de octubre de 1831 (Serie Standard Novels nº 9, también publicada en Londres). Es la primera edición en un solo volumen y ahora con el nombre y la nueva “Introducción” de Mary Shelley.
Mary: – Y ahora, una vez más, envío a mi horrenda criatura a que vaya al mundo y que prospere. Siento afecto por ella, pues fue el retoño de días felices, en que la muerte y el dolor no eran más que palabras que no encontraban verdadero eco en mi corazón…
Añadiré una sola palabra sobre las alteraciones que he hecho. Principalmente son de estilo. No he cambiado ninguna parte del relato, ni he introducido nuevas ideas o circunstancias.
Narrador: – De esta forma, entre historias de fantasmas, experimentos y lecturas, el encierro fructificó generosamente el día que Lord Byron propuso que cada miembro del grupo escribiera una historia de terror. Así se hizo, y el resultado fueron dos obras maestras de la literatura fantástica: El vampiro, de John William Polidori –la historia de un seductor aristócrata que deja sin sangre a todas las mujeres que caen en sus redes, –y antecedente del Drácula de Bram Stoker (1897)–, y desde luego Frankenstein o el moderno Prometeo, de Mary Shelley.
De regreso a Londres tras un viaje por el continente, Mary comenzó a sufrir los primeros síntomas de la enfermedad, un tumor cerebral, que acabaría por llevarla a la tumba el 1 de febrero de 1851. Tras su fallecimiento, cuando sus allegados revisaron sus pertenencias encontraron, envuelto en seda y junto con el poema de Percy B. Shelley“Adonáis”, el corazón del que había sido su esposo y mentor. Tal vez lo conservó en espera de que, algún día, un VÍctor Frankenstein de carne y hueso le devolviera su latido.
Texto por
Andrés Bermea
Adaptación basada en textos de dominio público de la Introducción de Mary W. Shelley a la novela FRANKENSTEIN O EL MODERNO PROMETEO editada en 1831.
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Diane Keaton ha fallecido este sábado a los 79 años de edad, tal y como ha informado la revista People en exclusiva. La legendaria actriz ha muerto en California y, de momento, no se conocen más detalles. Su familia ha pedido privacidad en este momento tan complejo para ellos. Keaton saltó a la fama en la década de 1970 gracias a su papel en las películas de El padrino y a sus colaboraciones con el director Woody Allen. Ganó el Óscar a la mejor actriz por Annie Hallen 1977. Su larga carrera incluye películas como El club de las primeras esposas, múltiples colaboraciones con la directora Nancy Meyers y la franquicia El club de lectura. La actriz nació en Los Ángeles en 1946 como Diane Hall y era la mayor de cuatro hermanos. Su padre era ingeniero civil, mientras que su madre era ama de casa.
Originaria de Los Ángeles, California, donde nació en 1946, Diane Keaton saltó a la fama tras participar en la película El Padrino, de 1972, bajo la dirección de Francis Ford Coppola, y donde interpretó el papel de Kay, aunque ya había participado en distintas producciones de televisión con pequeños papeles desde 1970.
Diane Hall —su verdadero nombre— adoptó el apellido de soltera de su madre, Keaton, cuando decidió lanzarse al teatro.
Diane Keaton 1946-2025 (Getty Images)
Su carrera comenzó en Broadway con la obra Hair, pero su destino cambió cuando Woody Allen la eligió para Play It Again, Sam (1972, conocida en México como Sueños de un seductor), donde se estableció la química de la pareja que, del escenario se trasladó al cine, con lo que dio inicio a una de las duplas más memorables del cine no comercial de Hollywood.
Diane Keaton: la musa de Woody Allen y eterna rebelde de Hollywood
Su consagración llegó en 1977 con Annie Hall, por la que ganó el Oscar a Mejor Actriz. La película redefinió la comedia romántica y consolidó un nuevo tipo de heroína, al mostrar un personaje neurótico, encantador y con un look poco convencional.
Ese personaje, que mezclaba frescura, torpeza y sofisticación, marcó a toda una generación de mujeres que vieron en Keaton un modelo de libertad y autoexpresión, alejado de las convenciones de las “leading ladies” hollywoodenses.
Diane Keaton (Getty Images)
Diane Keaton, una actriz que desafió los géneros
Diane Keaton, sin embargo, nunca fue sólo “la musa de Woody Allen”. Antes y después de Annie Hall, trabajó con otros consagrados como Francis Ford Coppola, quien la dirigió en El Padrino (1972) y sus secuelas, donde interpretó a Kay Adams, la esposa del atormentado Michael Corleone (Al Pacino).
Años más tarde, bajo la dirección de Warren Beatty en Reds (1981), interpretó a la periodista Louise Bryant, un papel por el que fue nominada nuevamente al Oscar. También brilló en Marvin’s Room (1996), The First Wives Club (1996, junto a Bette Midler, Goldie Hawn y Sarah Jessica Parker), Something’s Gotta Give (2003) —junto a Jack Nicholson, con quien demostró que la sensualidad no tiene fecha de caducidad— y Book Club (2018), un éxito inesperado que la reconectó con nuevas generaciones.
Diane Keaton (Getty Images)
La mirada de Diane Keaton detrás de la cámara
Keaton también exploró el lado más íntimo del cine desde la dirección. En Heaven (1987) experimentó con el formato documental para reflexionar sobre la vida después de la muerte, mientras que en Unstrung Heroes (1995) retrató con ternura y humor las complejidades familiares.
Activismo y autenticidad
Fiel a sí misma, Diane Keaton supo utilizar su fama con un propósito. Fue una activista comprometida con la preservación arquitectónica de Los Ángeles, donde restauró casas históricas con su particular estética, una mezcla entre el estilo californiano, lo industrial y lo romántico.
Además, fue una voz activa en temas de adopción, equidad de género y envejecimiento con dignidad, sin caer nunca en el cliché del discurso hollywoodense. Adoptó a dos hijos en solitario, Dexter y Duke, y habló abiertamente sobre cómo la maternidad transformó su vida: “Tuve que esperar a convertirme en una mujer para poder ser madre”, dijo en una entrevista hace años.
El estilo de Diane Keaton: una revolución silenciosa
Si su talento la convirtió en una leyenda hollywoodense, el estilo de Diane Keaton la volvió inmortal. Con sus trajes oversize, camisas blancas abotonadas hasta el cuello, fedoras, guantes y una paleta en blanco y negro, Diane reinventó el poder de la individualidad.
El estilo inconfundible de Diane Keaton que surgió en ‘Annie Hall’ (Especial)
Lo que empezó como un gesto intuitivo en los años setenta —cuando usó su propia ropa para Annie Hall— terminó por convertirse en su sello personal y en un símbolo cultural por el que siempre será recordada.
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