¡FELICES 51 CINEMA ATENEA!

Hubo cines que nacieron con grandes marquesinas, vestíbulos amplios y salas capaces de recibir multitudes. Y hubo otros, más discretos, casi escondidos, que encontraron su lugar dentro de edificios cargados de historia.

Uno de esos casos fue el Cine ATENEA, inaugurado en Monterrey el viernes 8 de agosto de 1975, en Zaragoza y Juan Ignacio Ramón, en pleno centro de la ciudad. Su historia no empieza realmente en 1975, sino mucho antes: en ese mismo predio estuvieron los teatros Juárez y el Independencia, el Cine Rex y luego el Olympia.

El Atenea era parte del mismo edificio.

Pero no era simplemente “otra sala del Olympia”. Tenía su propio acceso, ubicado a la izquierda, y los desplegados de prensa lo anunciaban claramente como una sala “junto al cine Olympia”.

Para entrar al Atenea había que subir a un segundo piso. Ese detalle permite pensar —con prudencia, pero con lógica arquitectónica— que pudo ocupar lo que alguna vez fue el anfiteatro del REX, o algún otro espacio superior del mismo edificio. En cualquier caso, eso le daba una personalidad propia: no era la gran sala de abajo, sino una experiencia más íntima, casi secreta, dentro de un inmueble con pasado cinematográfico.

Y su película inaugural no pudo ser más elegante: AMARCORD, la cinta franco-italiana de 1973, escrita y dirigida por Federico Fellini. La película había ganado el Óscar a la Mejor Película Extranjera, y llegaba al Atenea como carta de presentación de una sala que parecía apostar por un cine distinto, más autoral, más europeo, más de conversación después de la función.

Abrir con Fellini no era cualquier cosa. Amarcord es una película de memoria, nostalgia, humor, fantasía y personajes desbordados. Muy apropiada, curiosamente, para una sala que también parecía vivir entre recuerdos: los del viejo Rex, los del centro de Monterrey y los de una ciudad que todavía conservaba sus cines de calle.

El nombre también tenía lo suyo. Atenea, diosa griega de la sabiduría, las artes y la estrategia, hacía pareja simbólica con Olympia, nombre asociado al mundo clásico y al monte de los dioses. En una misma esquina del centro regiomontano convivían, por unos años, dos nombres de resonancia mitológica: Olympia y Atenea. Muy solemne todo… aunque afuera rugiera el tráfico y uno tuviera que encontrar estacionamiento como pudiera.

El Cine Atenea pertenece a una etapa de transición.

Para mediados de los años setenta, los grandes palacios cinematográficos del centro comenzaban a transformarse. Las enormes salas únicas empezaban a ceder espacio a formatos más pequeños, más flexibles y, en algunos casos, más especializados. La ciudad también estaba cambiando. Años después, muchas de esas construcciones desaparecerían con las obras y demoliciones vinculadas a la Macroplaza.

Por eso, el ATENEA merece recordarse no sólo como un nombre perdido en la cartelera, sino como una pequeña sala con identidad propia. Una sala de segundo piso. Una sala junto al Olympia, pero distinta. Una sala nacida en el edificio heredero del Rex. Una sala que abrió con Fellini.

No todos los cines desaparecidos fueron gigantes. Algunos dejaron huella precisamente por lo contrario: por ser pequeños, discretos, un poco escondidos… y por formar parte de esa geografía sentimental del Monterrey que iba al cine caminando por el centro.

El Atenea fue uno de ellos.

Desplegado publicado en el diario EL PORVENIR el jueves 7 de agosto de 1975

Un cine de segundo piso, con nombre de diosa griega, que abrió sus puertas con Amarcord y que hoy sobrevive en la memoria de quienes todavía pueden decir: “Yo estuve ahí”.



¡LA MAMÁ DE MARILYN MONROE NACIÓ EN MÉXICO!…

Y LE DIO EL APELLIDO A UNA LEYENDA

Por Andrés Bermea y Mr. Chips

Gladys Pearl Monroe la mamá de Marilyn Monroe

¿Sabías que… una parte esencial del nombre más famoso de Hollywood comenzó en Coahuila?

Deja te cuento que la madre de Marilyn Monroe se llamaba Gladys Pearl Monroe, conocida después como Gladys Baker. Nació el 27 de mayo de 1902 en Piedras Negras, Coahuila, ciudad que entonces se llamaba Porfirio Díaz. ¡Sí! Aquí en México. Te paso este dato:… Sus padres eran estadounidenses pero residieron temporalmente en México porque su padre trabajaba pintando vagones para el ferrocarril. Poco después, la familia se mudó a California.

Pero, checa esto: Gladys terminó trabajando como cortadora de negativos cinematográficos. Es decir: antes de que su hija se convirtiera en una de las mujeres más fotografiadas del planeta, su madre ya vivía rodeada de rollos de película. Hollywood, por lo visto, había empezado a acercarse a la familia sin avisar.

El 1 de junio de 1926 nació su hija Norma Jeane, es decir, que acabaría de cumplir 100 años hace unos días… Sin embargo, Gladys padeció graves problemas de salud mental y fue internada cuando la niña tenía ocho años. Norma Jeane pasó entonces por hogares sustitutos, separaciones y una infancia profundamente inestable. Años después, Marilyn hablaría del abandono y de su deseo de pertenecer a una familia; resulta difícil no relacionar esa necesidad afectiva con aquellos primeros años, aunque reducir toda su compleja vida a una sola causa sería injusto.

Pero aquí aparece el giro digno de guion.

Cuando Norma Jeane buscaba un nombre artístico, el ejecutivo Ben Lyon propuso Marilyn, inspirado en la actriz teatral Marilyn Miller. Para el apellido eligieron Monroe, el apellido de soltera de su madre. Así que Gladys, la mujer nacida en Piedras Negras, terminó aportando la mitad del nombre que Hollywood convertiría en leyenda.

Madre e hija mantuvieron una relación difícil y distante, aunque Marilyn contribuyó económicamente a su manutención.

Y mira, este dato es insólito, Gladys sobrevivió a su hija ¡más de veinte años!: salió del hospital en 1967, vivió una temporada con su hija Berniece y murió en Gainesville, Florida, en 1984, a los 81 años.

Marilyn Monroe no nació en México. Pero su apellido artístico sí llevaba una inesperada conexión coahuilense, y varias veces visitó el país.

La bella María Félix acompaña a Marilyn en una de sus visitas al país

Hollywood puso las luces, el vestido blanco y el glamour. Piedras Negras aportó el “Monroe”

Marilyn falleció justo un 5 de agosto, como hoy, pero en 1962… Hace exactamente sesenta y cuatro años…

Con información disponible en la web.

Fuentes: BIOGRAPHY | HISTORY DEFINED |WIKIPEDIA  



CUANDO JIM CARREY SE PUSO LA MÁSCARA

Por el equipo editorial de Cinesaurio

El 29 de julio de 1994 se estrenó en Estados Unidos The Mask, conocida en México como LA MÁSCARA, una comedia fantástica dirigida por Chuck Russell que convirtió a Jim Carrey en una fuerza imparable de la cultura pop de los noventa.

La película contaba la historia de Stanley Ipkiss, un tímido empleado bancario que, al colocarse una misteriosa máscara, se transformaba en un torbellino verde de energía, locura, caricatura viviente y frases inolvidables.

Con un presupuesto reportado de 23 millones de dólares, La máscara terminó recaudando más de 351 millones a nivel mundial, una cifra enorme para una comedia de ese tipo.

Su impacto fue inmediato: consolidó el año dorado de Jim Carrey -que en 1994 también estrenó ACE VENTURA: UN DETECTIVE DIFERENTE (Ace Ventura: Pet Detective) y UNA PAREJA DE IDIOTAS (Dumb and Dumber)- y presentó al mundo a Cameron Diaz, quien debutó en el cine como Tina Carlyle. The Guardian recordó recientemente que La máscara ayudó a lanzar al estrellato tanto a Carrey como a Diaz, y que sus efectos, realizados con apoyo de Industrial Light & Magic, fueron nominados al Óscar.

Trivia curiosa: la película originalmente iba a ser mucho más oscura, cercana al terror del cómic de Dark Horse. Pero Chuck Russell convenció al estudio de convertirla en una comedia desatada. Tristemente, Chuck Russell falleció justo hace una semana el miércoles 22 de julio a los 74.

Otra joya: los enormes dientes de La Máscara estaban pensados para usarse solo en escenas sin diálogo, pero Jim Carrey aprendió a hablar con ellos puestos y los convirtió en parte esencial del personaje.

Treinta y dos años después, Stanley Ipkiss sigue siendo tímido… pero su alter ego todavía grita, baila y hace que el mundo diga: “¡Ssssmokin’!”.



ELSA AGUIRRE: LA BELLEZA SERENA DEL CINE DE ORO MEXICANO

Con la muerte de Elsa Aguirre, el Cine de Oro Mexicano pierde no sólo a una de sus últimas grandes figuras, sino a una presencia distinta: una actriz que nunca necesitó levantar la voz para imponerse en pantalla. Su fuerza estaba en otra parte: en la mirada, en la elegancia, en esa serenidad que parecía venir de un México ya muy lejano, pero que todavía reconocemos cuando aparece su rostro en una película.

Elsa Aguirre falleció a los 95 años, en Cuernavaca, rodeada de sus seres queridos. La noticia fue confirmada por la Asociación Nacional de Intérpretes, que destacó tanto su talento dramático como su belleza icónica dentro del cine nacional. Nacida en Chihuahua en 1930, llegó al cine siendo apenas una adolescente, después de ganar un concurso organizado por Clasa Films Mundiales, que la llevó a debutar en EL SEXO FUERTE (1946).

Pero reducir a Elsa Aguirre a “una de las mujeres más bellas del cine mexicano” sería quedarse en la superficie. Sí, su belleza fue evidente, casi escultórica, de esas que la cámara no sólo registra sino que parece obedecer. Sin embargo, lo que la distinguió fue que no se quedó prisionera de esa imagen. En una época en la que muchas actrices eran moldeadas por el estudio, por el galán de turno o por la idea de la “mujer ideal”, Elsa Aguirre construyó una presencia más discreta, más contenida, menos estruendosa que la de otras divas, pero igualmente poderosa.

En películas como OJOS DE JUVENTUD, LLUVIA ROJA, LA MUJER QUE YO AMÉ y CUIDADO CON EL AMOR, compartió pantalla con figuras como Jorge Negrete, Pedro Infante y hasta Mauricio Garcés. Su carrera cruzó el melodrama, la comedia, el drama romántico y más tarde la televisión, siempre con una cualidad que la hacía reconocible: no parecía actuar desde el exceso, sino desde una naturalidad elegante.

Había en ella una especie de dignidad tranquila. Elsa Aguirre podía ser luminosa sin resultar frívola; podía ser romántica sin parecer débil; podía ser sofisticada sin perder cercanía. No era la diva que avasalla: era la diva que permanece. Y quizá por eso su imagen trascendió el tiempo de manera distinta. No se quedó congelada en el póster o el celuloide, sino que siguió habitando la memoria del público como una mujer real, con voz propia, con disciplina, con carácter y con una manera muy personal de entender la vida.

Fuera de la pantalla, también se distinguió por algo poco común entre las grandes estrellas de su generación: su relación con el cuerpo y la vida interior. Durante décadas practicó yoga, promovió la meditación y llevó una dieta vegetariana u ovolactovegetariana (seguía una alimentación vegetariana que incluía huevo y lácteos), hábitos que ella misma relacionaba con su bienestar y longevidad. En entrevistas recientes hablaba de caminar, ejercitarse y cuidar su alimentación como parte de una disciplina cotidiana, no como pose de celebridad.

Ese rasgo es importante porque revela a una mujer que no sólo cultivó su imagen, sino también su equilibrio. Elsa Aguirre no parecía perseguir la juventud; más bien daba la impresión de haber hecho las paces con el tiempo. Mientras otras figuras quedan atrapadas en el recuerdo de lo que fueron, ella siguió apareciendo ante el público con una mezcla de coquetería, lucidez y serenidad. Como si hubiera entendido que la belleza, cuando se sostiene sólo en el rostro, se agota; pero cuando nace también del alma, de la presencia, puede durar toda una vida.

También fue una figura querida porque mantuvo un vínculo cercano con sus admiradores. Aun retirada de la actuación, siguió compartiendo recuerdos, reflexiones y fragmentos de su vida. Su permanencia no dependía ya de estrenos ni de reflectores, sino del afecto de varias generaciones que la recordaban como parte de un cine mexicano donde el rostro de una actriz podía convertirse en patrimonio sentimental.

Elsa Aguirre perteneció a una época en la que el cine mexicano fabricaba mitos, pero su singularidad estuvo en no dejarse devorar del todo por el mito. Fue estrella, sí; fue belleza emblemática, desde luego; pero también fue una mujer disciplinada, reservada, espiritual, resistente y dueña de una elegancia que no necesitaba explicación.

Hoy, al despedirla, no se va solamente una actriz de la Época de Oro. Se va una forma de vivir, de estar frente a la cámara: con misterio, con clase, con luz propia. Una forma de belleza que no pedía permiso ni hacía ruido. Elsa Aguirre no sólo perteneció al Cine de Oro. Fue una de esas presencias que ayudaron a que el cine mexicano brillara con oro propio.

Por: Consejo Editorial de CINESAURIO



LA ACADEMIA REVELA NUEVOS ÓSCARES

LA ACADEMIA HOMENAJEARÁ A GLENN CLOSE, FLOYD NORMAN, RIDLEY SCOTT Y CHRISTINE VACHON Y PAMELA KOFFLER EN LOS PREMIOS DE LOS GOBERNADORES 2026

Las estatuillas del Oscar® se entregarán a estos homenajeados el 15 de noviembre

LOS ÁNGELES, CA – La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció hoy que su Junta de Gobernadores votó a favor de otorgar Premios Honoríficos de la Academia a la actriz Glenn Close, al animador Floyd Norman y al director Ridley Scott, y el Premio Memorial Irving G. Thalberg a las productoras Christine Vachon y Pamela Koffler. Las estatuillas del Óscar® se entregarán en la 17.ª edición de los Premios de los Gobernadores de la Academia, el domingo 15 de noviembre de 2026, en el Ray Dolby Ballroom del Ovation Hollywood.

“La Junta de Gobernadores de la Academia se complace en entregar los Premios de los Gobernadores de este año a cinco personas extraordinarias cuyo trabajo innovador ha marcado para siempre el arte cinematográfico”, declaró la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor. “A lo largo de su extraordinaria trayectoria, la incomparable gama emocional de Glenn Close ha dado vida a algunos de los personajes más complejos del cine. Floyd Norman es el legendario animador que ha roto barreras e inspirado a generaciones de artistas a lo largo de su brillante carrera. Sir Ridley Scott es un verdadero visionario cuyo legado de décadas ha dejado una huella incalculable en el cine y la cultura a nivel mundial. Christine Vachon y Pamela Koffler desempeñan un papel fundamental en el cine independiente estadounidense, defendiendo narrativas audaces, ambiciosas y singulares”.

La carrera actoral de Close abarca más de cinco décadas, con más de 100 películas en su haber. Ha recibido ocho nominaciones al Óscar, comenzando con su debut cinematográfico en «El mundo según Garp», y ha sido nominada posteriormente por «Reencuentro», «El mejor», «Atracción fatal», «Las amistades peligrosas», «Albert Nobbs», «La mujer» y «Elegía de los campesinos».

Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen «Al filo de la navaja»,

«El cambio de fortuna», «Hamlet», «101 dálmatas», «102 dálmatas», «Mars Attacks!», «Air Force One», «Las esposas de Stepford», «La chica con todos los dones», «Cuatro buenos días» y «Despierta, muerto: Un misterio de la película Puñales por la espalda».

Animador y artista de guiones gráficos, Norman comenzó su prestigiosa carrera de 65 años en Walt Disney Animation Studios en 1956, convirtiéndose en el primer animador negro del estudio. Su primer largometraje de Disney fue «La Bella Durmiente»,

y colaboró ​​en clásicos como «La Espada en la Piedra», «Mary Poppins», «El Libro de la Selva» y «Robin Hood», así como en los cortometrajes «Donald en el País de las Matemáticas», «Goliath II» y «Winnie the Pooh y el Árbol de la Miel». Entre sus otros trabajos cinematográficos destacados se incluyen «El Jorobado de Notre Dame», «Mulán», «Toy Story 2» y «Monsters, Inc.».

Scott ha recibido nominaciones al Óscar por dirigir «Thelma & Louise», «Gladiator» y «Black Hawk Down», además de una nominación a Mejor Película por «The Martian». A lo largo de una carrera que abarca casi seis décadas, también ha dirigido películas como «Alien», «Blade Runner», «Legend», «Black Rain», «G.I. Jane», «Kingdom of Heaven», «American Gangster», «Prometheus», «All the Money in the World», «House of Gucci», «The Last Duel», «Napoleon» y la próxima película «The Dog Stars».

En 2024, Scott fue nombrado Caballero Gran Cruz de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la industria cinematográfica británica.

Christine Vachon y Pamela Koffler (Crédito: Shutterstock)

Vachon y Koffler fundaron la productora independiente Killer Films, con sede en Nueva York, en 1995. Juntos, han producido películas como «Hedwig and the Angry Inch», «One Hour Photo», «Camp», «The Company», «The Notorious Bettie Page», «May December» y «Materialists». Vachon y Koffler recibieron una nominación al Óscar a la Mejor Película por “Past Lives” en 2024. Entre sus producciones en Killer Films se incluyen “Safe”, “Velvet Goldmine”, “Happiness”, “Boys Don’t Cry”, “Far from Heaven”, “I’m Not There”, “Still Alice”, “Carol”, “First Reformed”, “Vox Lux”, “The World to Come”, “Zola” y “A Different Man”.

El Premio Honorífico se otorga “para reconocer una trayectoria profesional extraordinaria, contribuciones excepcionales al estado de las artes y ciencias cinematográficas en cualquier disciplina, o por un servicio sobresaliente a la Academia”.

El Premio Conmemorativo Irving G. Thalberg se otorga a un productor creativo cuya obra refleja una alta calidad constante en la producción cinematográfica.

Información recibida de la © Academy of Motion Picture Arts and Sciences

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© Academy of Motion Picture Arts and Sciences ® «Oscar®,» «Oscars®,» «Academy Awards®,» «Academy Award®,» «A.M.P.A.S. ®» y «Oscar Night®» son marcas comerciales registradas, y la estatuilla ©Oscar® es la marca de diseño registrada y propiedad intelectual de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. (Términos y condiciones de uso: http://www.oscars.org/legal)



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Nace la primera «Superstar» de Hollywood: Mary Pickford

Mary Pickford nació el 8 de abril de 1892 en Toronto, Ontario, Canadá.

Consiguió llegar a ser la persona más poderosa en Hollywood. Sus roles femeninos, ingenuos, de «niñita buena», eran más populares que el vagabundo de Charlie Chaplin.

A los 24 años, no solo fue millonaria, sino la primera que hubo en Hollywood.

Durante veinte años Mary Pickford (Gladys Louise Smith. Actriz canadiense) encarnó el arquetipo de mujer-niña encantadora. Apareció por primera vez en un escenario a los seis años, junto a su hermana Lottie y su hermano Jack.

Trabajó en The Little TeacherLa cabaña del tío TomLittle Red Schoolhouse y otras obras edificantes. The Warrens of Virginia confirmó su fama de niña prodigio y la animó a estrenarse en el cine.

Conoció a Griffith, quien la hizo intervenir, como ensayo, en su serie burlesca The Jones Family, aunque aún no como protagonista. Alcanzó la fama tras aparecer en: El teléfono (The Lonely Villa), La niña (The Little Darling), La maestrita (The Little Teacher), La muchacha de Arcadia (An Arcadian Maid), Wilful Peggy, entre otras.

En 1911 abandonó la Biograph para ingresar en la IMP (Independent Motion Pictures) de Carl Laemmle, donde actuó en varias películas bajo la dirección de Thomas Ince y George Loane Tucker. Al dejarla, pasó a la Majestic Pictures de Harry Aitken. Participó en Lena and the GeeseA Pueblo LegendMy Baby y, sobre todo, El sombrero de Nueva York (The New York Hat). Se casó el 7 de enero de 1911 con Owen Moore.

Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Charles Chaplin, D.W. Griffith,

El 17 de abril de 1919, Mary Pickford, junto con Charles ChaplinD.W. Griffith y su futuro marido Douglas Fairbanks, fundaban la United Artists, productora cinematográfica que perdura hoy día.

En 1913 intentó regresar a sus inicios al volver al teatro con una adaptación de A Good Little Devil, de la condesa de Ségur. A partir de ese momento comenzó a cosechar numerosos éxitos. Firmó un contrato con la Paramount. Cobró mil dólares por semana, suma que se multiplicó por diez en apenas dos años. También se desempeñó como productora y guionista. En 1919 fundó junto a David Wark Griffith, Charles Chaplin y Douglas Fairbanks la productora United Artists.

Mary Pickford ganó el Óscar a la Mejor Actriz en la segunda edición de los Premios de la Academia (celebrada en 1930, reconociendo películas de 1928-1929) por su papel en «COQUETA» (Coquette / (1929). Fue su primer papel sonoro y su único premio de la Academia en competencia, destacando por su transición del cine mudo a sonoro y su campaña personal para el premio.

Cartel publicitario de COQUETA (1929)

Mary Pickford falleció el 29 de mayo de 1979 en Santa Mónica, California.

Premios Óscar

1976 Óscar Honorífico
1929 Mejor actriz – Coquette

Filmografía

1947 High Fury
1945 Gaslight Follies
1933 Secrets
1931 Kiki
1929 The Taming of the Shrew
1929 Coquette
1927 Kiss for Mary Pickford
1927 My Best Girl
1927 The Gaucho
1926 Sparrows
1925 Little Annie Rooney
1924 Dorothy Vernon of Haddon Hall
1923 Hollywood
1923 Rosita
1922 Tess of the Storm Country
1921 Little Lord Fauntleroy
1921 Through the Back Door
1921 The Love Light
1921 Thru Back Door
1920 Suds
1920 Pollyanna
1919 Captain Kidd, Jr.
1919 Heart O’ the Hills
1919 Hoodlum
1919 Daddy Long Legs
1919 The Hoodlum
1918 How Could You, Jean?
1918 Johanna Enlists
1918 Amarilly of Clothesline Alley
1918 Stella Maris
1918 M’Liss
1917 A Poor Little Rich Girl
1917 A Romance of the Redwoods
1917 Rebecca of Sunnybrook Farm
1917 Little Princess
1917 The Pride of the Clan
1917 Little American
1916 Poor Little Peppina
1916 The Foundling
1916 The Eternal Grind
1916 Less Than the Dust
1916 Hulda from Holland
1915 Rags
1915 A Girl of Yesterday
1915 Cinderella
1915 The Foundling
1915 Esmeralda
1915 The Dawn of a Tomorrow
1915 Fanchon the Cricket
1915 Mistress Nell
1915 Madame Butterfly
1915 Little Pal
1914 Hearts Adrift
1914 His Last Dollar
1914 A Good Little Devil
1914 Behind the Scenes
1914 Such a Little Queen
1914 Tess of the Storm Country
1913 In the Bishop’s Carriage
1913 The Unwelcome Guest
1913 Fate
1913 Caprice
1912 The Narrow Road
1912 My Baby
1912 The Mender of Nets
1912 Lena and the Geese
1912 A Lodging for the Night
1912 The New York Hat
1912 Fate’s Interception
1912 A Feud in the Kentucky Hills
1912 A Child’s Remorse
1912 A Beast at Bay
1912 Iola’s Promise
1912 The Inner Circle
1912 Home Folks
1912 The Informer
1912 An Indian Summer
1912 Just Like a Woman
1912 With the Enemy’s Help
1912 Friends
1912 The Female of the Species
1912 The Old Actor
1912 A Pueblo Legend
1912 The One She Loved
1912 So Near, Yet So Far
1912 The Schoolteacher and the Waif
1912 A Siren of Impulse
1911 In Old Madrid
1911 The House That Jack Built
1911 The Aggressor
1911 In the Sultan’s Garden
1911 The Italian Barber
1911 Little Nell’s Tobacco
1911 For Her Brother’s Sake
1911 Her Awakening
1911 Artful Kate
1911 A Decree of Destiny
1911 Dream
1911 A Dog’s Tale
1911 Little Red Riding Hood
1911 When a Man Loves
1911 Three Sisters
1911 Conscience
1911 The Better Way
1911 The Message in the Bottle
1911 A Manly Man
1911 Their First Misunderstanding
1911 The Rose’s Story
1911 Mirror
1910 The Call to Arms
1910 Ramona
1910 An Affair of Hearts
1910 In the Season of Buds
1910 Little Angels of Luck
1910 In the Border States
1910 The Iconoclast
1910 A Gold Necklace
1910 Muggsy’s First Sweetheart
1910 Never Again
1910 Love Among the Roses
1910 Muggsy Becomes a Hero
1910 May and December
1910 The Newlyweds
1910 As It is in Life
1910 Call
1910 An Arcadian Maid
1910 The Griffith Biographs
1910 A Flash of Light
1910 Examination Day at School
1910 The Face at the Window
1910 A Child’s Impulse
1910 The Englishman and the Girl
1910 A Child’s Stratagem
1910 The Woman from Mellon’s
1910 Usurer
1910 A Victim of Jealousy
1910 The Unchanging Sea
1910 The Two Brothers
1910 The Twisted Trail
1910 White Roses
1910 Wilful Peggy
1910 Waiter No. 5
1910 When We Were in Our Teens
1910 What the Daisy Said
1910 A Plain Song
1910 Serious Sixteen
1910 Simple Charity
1910 The Song of the Wildwood Flute
1910 A Romance of the Western Hills
1910 A Rich Revenge
1910 The Thread of Destiny
1910 Sunshine Sue
1910 That Chink at Golden Gulch
1910 Smoker
1910 A Summer Tragedy
1910 The Sorrows of the Unfaithful
1909 The Seventh Day
1909 The Son’s Return
1909 Slave
1909 A Strange Meeting
1909 The Renunciation
1909 The Sealed Room
1909 The Restoration
1909 The Peachbasket Hat
1909 In Old Kentucky
1909 The Awakening
1909 A Midnight Adventure
1909 A Sweet Revenge
1909 Tender Hearts
1909 To Save Her Soul
1909 They Would Elope
1909 Test
1909 The Fascinating Mrs. Francis
1909 The Faded Lilies tor
1909 The Deception
1909 The Gibson Goddess
1909 Getting Even
1909 Her First Biscuits
1909 Sweet and Twenty
1909 The Country Doctor
1909 The Children’s Friend
1909 The Broken Locket
1909 The Cardinal’s Conspiracy
1909 Oh, Uncle!
1909 The Lonely Villa
1909 The Little Teacher
1909 The Little Darling
1909 The Necklace
1909 The Mexican Sweethearts
1909 The Mountaineer’s Honor
1909 His Duty
1909 His Wife’s Visitor
1909 His Lost Love
1909 Lines of White on a Sullen Sea
1909 The Light That Came
1909 In the Watches of the Night
1909 The Indian Runner’s Romance
1908 Mrs. Jones Entertains


Investigación Andrés Bermea; Biografía (Fragmentos) y Filmografía: buscabiografias.com



Murió Chuck Norris

Leyenda del cine y las artes marciales

La familia confirmó que el actor falleció a los 86 años en Hawai, este jueves 19 de marzo; resaltando su devoción, disciplina y amabilidad, rasgos que definieron su legado y lo convirtieron en un ícono para millones de personas.

El actor falleció a los 86 años

Chuck Norris murió a los 86 años en Hawai este jueves 19 de marzo. La noticia fue confirmada por su familia en un comunicado publicado en redes sociales. Leyenda del cine y experto en artes marciales.

Chuck Norris junto a su esposa Gina, con quien está casado desde 1998 y comparte dos hijos (AP Photo/Gerald Herbert)

La familia destacó en su mensaje: “vivió con fe, propósito y un compromiso inquebrantable con sus seres queridos. A través de su trabajo, disciplina y amabilidad, inspiró a millones en todo el mundo y dejó una huella imborrable en tantas vidas”. El texto subraya que la familia agradece el apoyo recibido durante la reciente hospitalización del actor y solicita respeto a su privacidad en este momento de duelo.

Nacido en Oklahoma en 1940 y trasladado a California tras una infancia marcada por dificultades económicas, Norris inició su formación marcial en la Base Aérea de Osan, Corea del Sur, mientras realizaba el servicio militar en la Fuerza Aérea de Estados Unidos. Alcanzó el grado de primer dan en Tang Soo Do antes de los 23 años, y sumó distinciones relevantes como seis campeonatos mundiales de karate —registro de 65 victorias y cinco derrotas— antes de fundar su propia red de escuelas en Los Ángeles.

Antes de convertirse en una figura clave del cine de acción, Chuck Norris ya era un destacado artista marcial, llegando incluso a desarrollar su propia disciplina

Su círculo profesional fue ampliado por la relación temprana con Steve McQueen, quien le animó a incursionar en la actuación tras recibir clases privadas. Norris debutó en papeles secundarios hasta consolidar su primer éxito de taquilla con Lone Wolf McQuade (1983).

Fue el actor Steve McQueen quien le recomendó a Chuck Norris incursionar en la actuación tras recibir clases privadas de él (Shuttertsock)

Sus créditos como actor de acción no solo respondieron a su dominio real de artes marciales, sino también a su capacidad para capitalizar sus propias habilidades en pantalla. El enfrentamiento coreografiado con Bruce Lee en The Way of the Dragon (1972) se consolidó como un referente del género y el primero de una serie de personajes relacionados con el arquetipo del justiciero solitario.

Su pelea con Bruce Lee en la película The Way of the Dragon se convirtió en un referente absoluto del cine de acción (Shutterstock)

Su salto a la televisión con Walker, Texas Ranger en 1993, producido por Al RuddyLeslie GreifPaul Haggis y Christopher Canaan bajo el sello Cannon Television, inauguró nueve temporadas y cerca de 200 episodios, ocupando el prime time de los sábados en CBS y sumando un telefilme en 2005.

Respecto al impacto de Chuck en la cultura popular de la época, el actor reflexionó lo siguiente:

Chuck Norris inmortalizó su imagen de «cowboy» gracias a la aclamada serie «Walker Texas Ranger» (Panamericana)

La influencia de Chuck Norris en la era digital

Paralelamente, el fenómeno de los “Chuck Norris Facts” —chistes virales sobre su dureza y capacidades— encontró eco global en internet, contribuyendo a su vigencia pop y a la potencialización de su figura comercial.

Frases como “Chuck Norris puede respirar bajo el aguaY también bajo el fuego” o “Una vez Chuck Norris fue mordido por una cobra. Después de varios minutos de agonía, la cobra murió”, se volvieron hitos en redes y mantuvieron vigente la imagen de Norris en las nuevas generaciones.

Más allá de los memes, Norris controló su narrativa produciendo obras editoriales como The Secret of Inner Strength (1987), The Secret Power Within (1996) y Black Belt Patriotism (2008), y registró legalmente su sistema de combate Chun Kuk Do, resultado de décadas de entrenamiento y fusión de estilos marciales.

El actor deja como herederos a su esposa Gena Norris, con quien se casó en 1998, y a sus hijos Mike, Dina, Eric, Danilee y Dakota. La familia ha decidido mantener en reserva los detalles circunstanciales de su muerte y comunicó que Norris estuvo acompañado y “en paz” en sus últimos momentos.



La verdad de por qué los Óscar se llaman así

Un libro del exdirector ejecutivo de la Academia de Hollywood acaba con una vieja controversia: el mérito fue de una secretaria que custodiaba los trofeos en las primeras galas y se refiere a un marino noruego

Con información de Gregorio Belinchón publicada originalmente en EL PAÍS e información de Andrés Bermea en exclusiva para CINESAURIO.COM

No es su nombre oficial, pero sí el popular. La estatuilla de los Óscar se denomina en realidad Premio de la Academia al Mérito (Academy Award® of Merit). Una de las metas era idear un método que honrara los logros extraordinarios, fomentando así los niveles de calidad superiores en todas las facetas de la producción cinematográfica…

El apelativo del trofeo más ansiado del cine se añadió años después de su primera entrega, el 16 de mayo de 1929, en el hotel Roosevelt, a solo una manzana del teatro Dolby, donde se celebra la gala en la actualidad. Aunque el alias «Óscar» se popularizó en la década de 1930, no fue adoptado oficialmente por la Academia hasta 1939. Eso sí, la Academia de Hollywood lo tiene registrado. El alias, el nombre oficial, la silueta, la estatuilla, todo… El negocio es el negocio. Pero, si no se llaman Óscar, ¿de dónde viene ese apodo? Pues de un marino noruego “alto y erguido”. Un libro sobre el primer medio siglo de vida de la institución, que se publicará en otoño en EE UU, recoge esta historia y señala a Eleanore Lilleberg, trabajadora en la Academia en los albores de los trofeos, como la creadora del alias.

Hasta ahora, se aceptaba la teoría de que Margaret Herrick fue quien bautizó el galardón (que, obviamente, no es de oro macizo, sino de britannium —una aleación de cobre, estaño y antimonio— con un baño de oro). En 1931, Herrick —entonces Margaret Gledhill por su primer matrimonio— se incorporó a la biblioteca de la Academia, y en su jornada inicial se encontró con una estatuilla, ante la que dijo: “Me recuerda a mi tío Óscar”. Según el almanaque de la Academia de Hollywood de 1947/1948, un periodista oyó la gracia y al día siguiente la publicó. Como en «Un tiro en la noche» (El hombre que mató a Liberty Valance), se imprimió la leyenda. En 1943, Herrick se convirtió en Directora Ejecutiva de la Academia, y fue la primera en negociar con una cadena de televisión la retransmisión en directo de la gala en 1953, hecho que le dio independencia económica a la institución, que hasta entonces subsistía de las cuotas de sus socios, y amplió sus programas educativos y sus actividades culturales.

Margaret Herrick, bibliotecaria y primera mujer directora ejecutiva de la Academia de Hollywood

Sin embargo, en el libro The Academy and the Award (The Coming of Age of Oscar and the Academy of Motion Picture Arts and Sciences), a la venta en Amazon.com desde el 6 Octubre 2022, Bruce Davis desmonta la historia. Y Davis sabe de qué habla: durante 22 años, hasta que se retiró en 2011, fue el director ejecutivo de la Academia. Es decir, ha contado con acceso a los archivos, a lo que se ha dedicado desde que dejó el cargo. Davis no es un cualquiera: a él se le ocurrió hace un tiempo invertir un remanente de dinero que guardaba la institución en el museo que ahora se ha convertido en el orgullo de la Academia.

según cuenta la web Deadline, que ha tenido acceso al volumen de 521 páginas centrado en los primeros 50 años de singladura de los premios, Davis ha buceado fructíferamente en legajos y hemerotecas. Para corroborar la historia de Herrick, encontró un reportaje de Los Angeles Examiner de 1938 donde Herrick explica otra versión, y asegura que solía bromear con su primer marido, Donald Gledhill, con la muletilla: “¿Cómo está tu tío Óscar?”. Primer elemento distorsionador.

Bruce Davis, en un acto de la academia en noviembre de 2010. Amanda Edwards (Getty Images)

El asunto se enreda, porque Davis lo comparó con las memorias del columnista Sidney Skolsky (Don’t Get Me Wrong—I Love Hollywood) que en 1970 contaba que bajo la presión del cierre en 1934 fue el primero en usar ese mote en homenaje a una frase de los actores de vodevil, que solían dirigirse al director de orquesta con un: “¿Tendrá un puro, Óscar?”. Por tanto, se atribuía el mérito. Sin embargo, el 16 de marzo de 1934, en New York Daily News el mismo Skolsky escribió: “Entre la profesión, a las estatuillas se les llama Óscar”. Lo cual tumba la teoría de Skolsky, que ya había anulado la de Herrick. Y siempre hubo una tercera que se quiso apuntar el hallazgo: la actriz Bette Davis.

La intérprete, que en enero de 1941 se convirtió en la primera mujer que presidió la Academia de Hollywood, cargo al que renunció a los pocos meses tras enfrentarse a la Junta Directiva, contaba en sus memorias The Lonely Life, publicadas en 1962, que fue ella quien lanzó la ocurrencia. En 1936, con su primer Óscar en la mano por ‘Peligrosa‘ (Dangerous)Bette Davis dijo —siempre según su autobiografía— que de espaldas parecía la imagen de su entonces marido, Harmon Oscar Nelson, y que por eso la estatuilla se había empezado a calificar así. Cuando a la actriz le sacaron los colores —en 1934, dos años antes, Óscar ya era su apelativo común—, se retractó.

Bette Davis, en 1936, con su Oscar por ‘Peligrosa‘ en la mano

Así pues, Bruce Davis continuó investigando. Y lo encontró escarbando en la prensa. A los Óscar los bautizó Eleanore Lilleberg, secretaria y asistente en los inicios de la Academia. Ella era la encargada de custodiar los premios en los minutos previos a las ceremonias de los primeros años de vida de la institución. Se sabía que Lilleberg era probablemente la creadora del mote, por investigaciones precedentes. Aunque no la razón. En un pequeño museo en Green Valley (California) dedicado a ella y a su hermano Einar, un gemólogo, Davis encontró las memorias inconclusas de este, donde Einar explicaba que fue Eleanore quien les llamó Oscar, por un veterano de la armada noruega —país de origen de la familia Lilleberg— que ambos habían conocido en Chicago y que, como el premio, “era alto y erguido”. Entrevistas con colegas de Lilleberg en periódicos de 1944 confirman la historia. Y así aparece en el libro de Davis, que promete revelar más secretos de los premios Oscar.

La estatuilla representa a un caballero sosteniendo una espada sobre una bobina de cine, diseñado por Cedric Gibbons.