Una foto compartida por su hija, Lorraine Nicholson, permitió a los seguidores volver a ver al carismático actor
El actor mantiene una vida reservada y casi alejada de los espacios públicos en los últimos años. Su más reciente aparición fue para el 50 aniversario de «SNL» (Instagram/@lnicholson)
Jack Nicholson cumplió 89 años el miércoles en la intimidad de su hogar, y su hija Lorraine Nicholson compartió en redes sociales una imagen inédita del legendario actor, quien desde hace años mantiene una estricta distancia de la vida pública.
La fotografía, publicada en las historias de Instagram de Lorraine, muestra al tres veces ganador del Oscar sentado en una sala decorada con obras de arte, sonriente y aplaudiendo en medio de la celebración.
Viste un polo oscuro y un pantalón color óxido. La publicación incluye también una imagen de archivo en la que aparece un Nicholson más joven, con una camiseta roja de Coca-Cola, un cigarro en la mano y la sonrisa característica que lo convirtió en uno de los rostros más reconocibles del cine mundial.
Jack Nicholson celebró sus 89 años en casa con una imagen inédita que su hija Lorraine compartió en Instagram (Grosby Group)
“89!!”, escribió Lorraine como único texto al pie de las imágenes. Entre los presentes en la celebración estuvo la cantante Joni Mitchell, cuya aparición no pasó desapercibida para los seguidores del artista de Hollywood.
“Aprecio que la familia comparta a su Jack con todos nosotros. Hay un mundo de fanáticos que han sido entretenidos y tocados por su arte, y es genial verlo junto a otra genio artística de Los Ángeles, Joni Mitchell”, escribió un usuario en redes sociales.
“Uno de los mejores actores de todos los tiempos. ¡Feliz cumpleaños Jack!“, publicó otro en X.
La aparición resulta llamativa dado el casi total alejamiento de la estrella de los espacios públicos en los últimos años.
Quien fue durante décadas una presencia habitual en estrenos cinematográficos, programas de televisión, clubes nocturnos y en las tribunas del estadio de los Lakers de Los Ángeles, optó por una existencia discreta y sin cámaras.
El año pasado que uno de sus amigos cercanos, el productor musical Lou Adler, contó en el pódcast WTF que Jack Nicholson prefiere pasar su tiempo “sentado bajo un árbol leyendo un libro”.
Su última aparición pública hasta hoy, el 50 aniversario de Saturday Night Live para presentar al comediante Adam Sandler.
Su última aparición pública de cierta relevancia fue en febrero del año pasado, cuando se presentó de manera sorpresiva en el especial del 50 aniversario de Saturday Night Live para presentar al comediante Adam Sandler.
Su último trabajo en cine data de 2010, con ¿Cómo saber si es amor?, dirigida por James L. Brooks, el mismo cineasta que lo llevó a ganar el Oscar con Terms of Endearment y Mejor… imposible.
Nicholson acumula más nominaciones al Oscar que cualquier otro actor masculino en la historia de la Academia. Ganó la estatuilla en tres ocasiones: por Atrapado sin salida en 1976, Terms of Endearment en 1984 y Mejor… imposible en 1998.
Su trayectoria incluye títulos fundamentales del cine estadounidense como Easy Rider, Five Easy Pieces, Barrio chino, El resplandor, Batman, Cuestión de honor y Los infiltrados.
Lorraine Nicholson y Ray Nicholson
Lorraine Nicholson, de 36 años, es una de los seis hijos del actor. Es producto de la relación con su exesposa Rebecca Broussard, con quien estuvo casado entre 1989 y 1994. Su hermano Ray Nicholson, de 33 años, también mantiene una relación cercana con el actor.
Ambos siguieron los pasos de su padre en la actuación, aunque Lorraine ha derivado hacia la dirección y la producción.
En una entrevista con la revista US Weekly en 2011, ella describió a su padre como su mentor. “Entro al negocio familiar porque somos muy cercanos y él es una gran inspiración. Lo admiro muchísimo”, declaró en aquella ocasión.
La publicación del cumpleaños llegó en un momento en que Lorraine también acaparó atención mediática por un artículo de opinión publicado en W Magazine, en el que criticó la cultura de estatus que, según ella, define a la industria del entretenimiento.
“Los Ángeles se ha establecido como la capital mundial de la ansiedad por el estatus”, escribió, señalando que la búsqueda de reconocimiento acompaña a los actores de la industria “hasta la tumba”.
También apuntó contra la cultura de los influenciadores digitales, cuya presencia en redes sociales, afirmó, garantiza ciertos privilegios pero no abre todas las puertas de la ciudad.
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Esta semana ofrece cuatro películas completas para que veas en casa, trabajo o durante tu descanso.Si no te es suficiente la cartelera de los cines, AQUÍ hay buenas alternativas para ti.
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LA MÁSCARA DE FUEGO – (1941)
Título original: The Face Behind the Mask
Protagonizan: Peter Lorre como Janos ‘Johnny’ Szabo; Evelyn Keyes como Helen Williams
¿DE QUÉ VA?
Janos Szabo, un oscuro inmigrante húngaro usa una máscara porque su rostro ha quedado desfigurado por terribles quemaduras. En tal circunstancia, le resulta imposible conseguir un trabajo. Solo y desamparado, poco a poco se irá hundiendo en el mundo del hampa, del cual únicamente lo podrá sacar el amor que siente por una joven ciega.
El gran clásico de Luis Buñuel en el cine mexicano, llena de humor y picardía. Dirección: Luis Buñuel
¿DE QUÉ VA?
Después de una cena en la mansión de los Nóbile, los invitados descubren que, por razones inexplicables, no pueden salir del lugar. Al prolongarse la situación durante varios días, la cortesía en el trato deja paso al más primitivo y brutal instinto de supervivencia. Una parábola sobre la descomposición de una clase social encerrada en sí misma.
Un repartazo extraordinario que incluye entre otros a: Silvia Pinal, Enrique Rambal, Jacqueline Andere, José Baviera, Augusto Benedico, Claudio Brook, César del Campo, Antonio Bravo.
Reparto: Alain Delon, Bourvil, Gian Maria Volonté, Yves Montand.
¡Una de las mejores cintas de astro francés Alain Delon!
¿DE QUÉ VA?
Mientras Corey, sale de prisión tras cumplir condena en una cárcel francesa, Vogel, un criminal custodiado por el temible comisario Mattei, escapa del tren en el que viajan. Después de robar a un antiguo socio, Corey se encuentra con Vogel y le propone formar equipo para realizar un meticuloso robo de joyas.
Reparto: Sterling Hayden, Jean Hagen, Sam Jaffe, Louis Calhern, James Whitmore y Marilyn Monroe.
¡Una imperdible del cine norteamericano!
¿DE QUÉ VA?
La meticulosa planificación de un atraco a una joyería, por parte de una banda de delincuentes, le sirve a Huston para ofrecer un relato lleno de intensidad, amén de un realista e insuperable estudio de los personajes y sus motivaciones. Sin lugar a duda, una de los mejores películas del cine negro de todos los tiempos, con el gran Hayden y una seductora y sexy Marilyn Monroe.
Por Andrés Bermea y Mr. Chips en exclusiva para CINESAURIO.COM
En México “El bueno, el malo y el feo” se estrenó el 17 de abril de 1969, hace 57 años, en el cine Cuitláhuac del Distrito Federal (hoy CDMX) dónde permaneció en cartelera a lo largo de nueve semanas.
EL BUENO, EL MALO Y EL FEO (Il buono, il brutto, il cattivo); Estrenos: Italia, 23 de diciembre de 1966 / En los Estados Unidos: The Good, the Bad and the Ugly, 29 de diciembre de 1967.
El western reinventado que cambia la historia del cine: Sergio Leone, Ennio Morricone y el duelo eterno entre codicia, guerra y supervivencia
Hay películas que pertenecen a un género, y hay otras que lo sacuden, lo ensanchan y lo obligan a reinventarse. EL BUENO, EL MALO Y EL FEO pertenece a las segundas. No es sólo uno de los westerns más famosos de todos los tiempos: es también una de las películas que cambiaron para siempre la manera de filmar la violencia, el rostro, el silencio, el duelo y la música en el cine popular. Cuando Sergio Leone la estrenó en 1966, el western norteamericano todavía conservaba buena parte de sus viejas certidumbres morales; después de ella, el polvo se volvió más sucio, los héroes más ambiguos, los encuadres más insolentes y la música más salvaje. (Oscars)
La película es, al mismo tiempo, una aventura descomunal, una sátira feroz de la guerra, una fábula sobre la codicia y un prodigio de puesta en escena. También es la culminación de la célebre trilogía del Hombre sin nombre, formada por POR UN PUÑADO DE DÓLARES (A Fistful of Dollars, 1964), POR UNOS DÓLARES MÁS (For a Few Dollars More, 1965) y, por último, EL BUENO, EL MALO Y EL FEO. Aunque los filmes no forman una trilogía cerrada en el sentido narrativo clásico, sí están unidos por el personaje de Clint Eastwood, por el universo moral creado por Leone y por una misma revolución estética del western. (Oscars)
EL BUENO, EL MALO Y EL FEO fue dirigida por Sergio Leone y escrita por Leone junto con Age & Scarpelli, Luciano Vincenzoni y Sergio Donati. La música, por supuesto, es de Ennio Morricone. Está protagonizada por Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef. Su duración varía según la versión; la restauración ampliamente difundida en años recientes ronda los 161 minutos en Estados Unidos, mientras otras ediciones europeas llegan a durar cerca de 178-180 minutos. La propia Library of Congress la ha programado con duración de 161 minutos, y otras fuentes especializadas registran montajes más largos. (IMDb)
Premios, nominaciones y reconocimientos
Aquí hay una curiosidad importante: pese a su inmensa fama posterior, EL BUENO, EL MALO Y EL FEO no obtuvo nominaciones al Óscar en su momento. Eso, visto hoy, suena casi absurdo, especialmente por su influencia histórica, la dirección de Leone y la música de Morricone. La Academia sí la ha reconocido después en retrospectiva como una obra clave, pero no figura como nominada en la edición original de los premios.
Lo que sí ha acumulado con el tiempo es prestigio crítico, estatus canónico y una influencia gigantesca. La Academy la presenta como parte esencial del legado de Leone, y la propia Library of Congress la sigue exhibiendo como clásico mayúsculo. Además, la música de Morricone para la película terminó siendo una de las partituras más reconocibles e influyentes de la historia del cine; su tema principal y, sobre todo, “The Ecstasy of Gold”, han trascendido la película misma y se han vuelto parte del imaginario musical global.
En cuanto a reconocimientos indirectos, vale la pena recordar que Eli Wallach fue celebrado por la Academia con un Óscar honorífico por toda su carrera, y en el texto oficial de ese homenaje se subraya expresamente su trabajo como Tuco en esta película, describiéndolo como el perfecto contrapunto volcánico para Eastwood.
La trilogía del Hombre sin nombre
Aunque hoy solemos hablar de “trilogía”, conviene aclarar que Sergio Leone no la planteó exactamente como una narración continua al estilo moderno de saga. Más bien se trata de tres películas emparentadas por el tono, el tipo de antihéroe interpretado por Eastwood y una visión del Oeste radicalmente distinta a la del western clásico estadounidense. El personaje de Eastwood cambia de nombre o de apodo, pero conserva la misma presencia: lacónico, desconfiado, oportunista, astuto, con un código moral mínimo, pero reconocible.
En POR UN PUÑADO DE DÓLARES, Leone reformuló el western tomando como base Yojimbo de Kurosawa y dándole un tono más seco, cínico y estilizado. En POR UNOS DÓLARES MÁS, amplió el formato y añadió un contrapunto más sombrío con Lee Van Cleef. En EL BUENO, EL MALO Y EL FEO, llevó todo eso a su máxima expresión: mayor escala, guerra civil de fondo, estructura épica, humor negro, crueldad, ironía y una puesta en escena ya completamente desatada. Es la película donde el estilo Leone alcanza plena madurez y se vuelve inconfundible.
La manera de abordar el western de Sergio Leone
Leone no se acercó al western como arqueólogo de la frontera estadounidense, sino como inventor de una mitología nueva. Eso es clave. No le interesaba reconstruir fielmente el Oeste norteamericano, sino volverlo una especie de teatro operático de sudor, polvo, codicia, muerte y sarcasmo. El resultado fue lo que el mundo terminaría conociendo como Western italiano o “Spaghetti western”, una corriente que él mismo ayudó decisivamente a fundar y popularizar. La Academy reconoce precisamente eso: que Leone “pionerizó” lo que hoy entendemos como ese tipo de western y que sus imágenes en formato panorámico y sus colaboraciones con Morricone lanzaron una fiebre internacional.
Su lenguaje visual se apoya en contrastes muy marcados: primerísimos planos extremos de ojos, manos y rostros sudorosos, yuxtapuestos con planos generales vastísimos del paisaje. Esa tensión entre lo microscópico y lo monumental le da a sus escenas una energía muy particular. Leone además pensaba sus películas casi como cine mudo expandido: él mismo llegó a decir que sus filmes eran “básicamente películas mudas” y que el diálogo sólo añadía peso. Esa idea ayuda muchísimo a entender por qué sus mejores secuencias se sostienen con miradas, silencios, respiraciones y música más que con parlamentos. (The Guardian)
Leone también alteró la moral del western. En lugar del héroe limpio, justo y civilizador, introdujo figuras más ambiguas, interesadas y oportunistas. El Oeste dejó de ser una promesa nacional y se volvió un mundo más sucio, cruel e irónico. En EL BUENO, EL MALO Y EL FEO, incluso “el bueno” es bueno sólo en términos relativos. Nadie está ahí para fundar una comunidad ni para llevar la ley. Todos están persiguiendo dinero, sobreviviendo o matando. Y mientras tanto, la Guerra Civil aparece no como epopeya patriótica, sino como maquinaria absurda de muerte. (BFI)
Ennio Morricone: la música como pólvora, ironía y destino
Hablar de EL BUENO, EL MALO Y EL FEO sin detenerse en Ennio Morricone sería como hablar del desierto sin polvo. Su trabajo aquí no es acompañamiento: es estructura, respiración, identidad y mito. Morricone compuso una de las partituras más reconocibles de la historia del cine, con ese célebre motivo de dos notas que evoca el aullido de un coyote y que desde la primera escucha define un universo entero. Criterion resume muy bien el fenómeno: basta un par de notas silbadas para que el mundo entero reconozca a Morricone. (The Criterion Collection)
Lo revolucionario no fue sólo la calidad melódica, sino la invención del sonido. Morricone mezcló silbidos, voces, disparos, guitarras, coros, trompetas, percusiones y una instrumentación nada convencional para el western. The Guardian resumió esa revolución con precisión: creó un paisaje sonoro de silbidos, chasquidos, guitarras y disonancias que cambió por completo el modo en que sonaba el Oeste en el cine.
Y hay algo todavía más importante: Leone y Morricone comenzaron a trabajar los temas antes del rodaje, lo cual permitió que la música moldeara el ritmo de la película. Leone hacía sonar las composiciones en el set y filmaba siguiendo su pulso. Eso explica por qué tantas secuencias de la película parecen coreografías de cámara, montaje y sonido. No es música pegada después; es cine ya concebido musicalmente desde el origen. (Wikipedia)
La cima absoluta de esa alianza es, por supuesto, “The Ecstasy of Gold”, durante la carrera de Tuco en el cementerio de Sad Hill. Lo que ahí sucede es puro éxtasis cinematográfico: cámara, montaje, espacio, deseo y música fundidos en una sola corriente. The Guardian la ha descrito como uno de los momentos supremos de Morricone, con la voz sin palabras de Edda Dell’Orso elevando la codicia del personaje a una especie de trance casi místico. (The Guardian)
1) ¿Cuál es el tema?
Si hubiera que resumir el gran tema de EL BUENO, EL MALO Y EL FEO, yo diría que es éste: la codicia como motor de la acción humana en un mundo devastado por la guerra, donde la moral es relativa y donde sobrevivir suele importar más que tener razón.
Pero eso sería apenas el centro. Alrededor de ese núcleo giran otros temas fundamentales: la violencia como lenguaje, la fragilidad de las alianzas, la ambigüedad moral, el absurdo de la guerra y la teatralidad misma del duelo entre hombres. En la película, todos buscan el oro, sí, pero Leone deja claro que mientras tres aventureros se desgastan por un botín enterrado, el país entero se desangra en una guerra sin sentido. El tesoro y la Guerra Civil se reflejan de un modo perverso: ambos convierten a los hombres en animales desesperados. (The Library of Congress)
Por eso la película no es sólo una aventura de codicia. También es una mirada bastante amarga sobre la condición humana. Nadie sale limpio. Ni siquiera Blondie, “el bueno”, es un héroe moral en sentido clásico. Leone parece decirnos que, en tiempos de guerra, las etiquetas del título son apenas una broma negra. Bueno, malo y feo son posiciones relativas dentro de una misma fauna humana dominada por la necesidad, el egoísmo y la supervivencia.
2) Síntesis de la historia
La trama parece sencilla, pero Leone la estira, la enriquece y la vuelve épica. Durante la Guerra Civil estadounidense, tres pistoleros persiguen un tesoro escondido: Blondie (Clint Eastwood), el “bueno”; Tuco (Eli Wallach), el “feo”; y Sentencia / Ojos de Ángel (Lee Van Cleef), el “malo”. Cada uno posee una parte de la información necesaria para encontrar un cargamento de monedas de oro enterrado en un cementerio. La película sigue sus encuentros, traiciones, persecuciones, alianzas temporales y desplazamientos a través de un Oeste devastado por la guerra.
Lo brillante es que Leone convierte una búsqueda de tesoro en una odisea moral y visual. El viaje incluye prisiones, campos de batalla, pueblos fantasmas, desiertos, puentes inútiles, cementerios inmensos y, claro, uno de los clímax más célebres del cine: el duelo triangular final.
¿Qué aspectos ver en la película? ¿A qué debemos poner atención?
Primero, a la puesta en escena del tiempo. Leone estira las acciones hasta volverlas casi ceremoniales. Donde otro director habría cortado rápido, él aguanta la mirada, alarga el suspenso, deja que el silencio pese. Hay que mirar cómo administra la espera: ése es uno de sus grandes talentos.
Segundo, al uso del rostro. Leone filma caras como si fueran paisajes. Las arrugas, la barba, el sudor, los ojos, la mueca, todo se vuelve dramático. El western clásico norteamericano tendía a filmar héroes erguidos; Leone filma máscaras humanas a punto de romperse.
Tercero, a la relación entre humor y violencia. La película es brutal, pero también muy chistosa. Sobre todo gracias a Tuco, que introduce una energía de farsa, picardía y desorden que complica la solemnidad del relato. Ese equilibrio entre comicidad y crueldad es una de las claves del tono leoniano.
Cuarto, al modo en que la Guerra Civil aparece como fondo absurdo. No es el centro sentimental de la historia, pero sí un espejo moral. Hay un puente que se pelea y se reconstruye para volver a destruirse; hay soldados exhaustos muriendo por posiciones sin sentido; hay un país roto mientras tres hombres corren detrás de un botín. Esa ironía histórica es fundamental.
Y quinto, desde luego, a la música de Morricone: no sólo escúchala, obsérvala en su relación con el montaje. En Leone, la música no ilustra: organiza la experiencia.
Clint Eastwood: la economía del mito
Clint Eastwood hace aquí uno de los trabajos más influyentes de su carrera, aunque sea también uno de los más económicos en términos expresivos. Blondie habla poco, mira mucho y calcula siempre. Eastwood entendió perfectamente que Leone estaba construyendo no un personaje psicológico al detalle, sino una figura mítica, un signo visual. El poncho, el cigarro, la mirada oblicua, la postura del cuerpo: todo contribuye a una presencia casi escultórica. (The Guardian)
Pero no se trata sólo de frialdad. Su gran mérito está en introducir pequeñas modulaciones irónicas y una mínima humanidad que impiden que Blondie se vuelva un maniquí. Eastwood lo hace parecer siempre un poco más listo que los demás, pero nunca omnisciente. Es el más contenido del trío, el que concentra mejor la sequedad moral del universo de Leone.
Eli Wallach: el corazón salvaje de la película
Si Eastwood aporta el mito, Eli Wallach aporta la vida. Su Tuco es, probablemente, el personaje más memorable del film. Voluble, parlanchín, impredecible, cómico, patético, feroz y hasta tierno por momentos, Tuco rompe la rigidez del western clásico y le mete una energía caótica formidable. La propia Academia, en el texto de su homenaje a Wallach, subraya que como Tuco fue el perfecto contrapunto para el lacónico Eastwood. Y tiene razón: sin Tuco, la película sería más seca, más fría y mucho menos divertida.
Wallach hace algo dificilísimo: convierte al “feo” del título en el personaje más humano. Es codicioso, cobarde a veces, brutal cuando conviene, astuto, pero también vulnerable, ridículo y profundamente vivo. En él se concentra el costado más picaresco y más trágico de la película. Su carrera en el cementerio, sostenida por Morricone (The Ecstasy of Gold), es una de las grandes secuencias de actuación física del cine.
Lee Van Cleef: la elegancia helada del mal
Lee Van Cleef interpreta a Sentencia / Ojos de Ángel como un profesional de la muerte. Si Blondie es cálculo y Tuco desorden, Sentencia es método. Van Cleef tiene el rostro perfecto para Leone: afilado, seco, aristocrático y amenazante. Su actuación evita el exceso; no necesita gesticular demasiado para resultar letal. Basta cómo entra en un espacio, cómo observa, cómo se sienta o cómo espera. (The Library of Congress)
Es un villano magnífico porque no parece impulsado por odio personal, sino por una ética torcida del trabajo: cobra, cumple y mata. Su maldad es fría, no histérica. Eso la vuelve más inquietante. Frente a la picaresca de Tuco y al oportunismo de Blondie, Ojos de Ángel encarna la lógica más despiadada de la eficiencia.
Un breve comparativo con los westerns norteamericanos
Aquí está una de las claves históricas del film. El western norteamericano clásico, sobre todo el de los años cuarenta y cincuenta, tendía a articularse alrededor de héroes más definidos moralmente, una visión más clara de civilización contra barbarie y una narrativa donde el paisaje estaba ligado a la construcción nacional. John Ford, por ejemplo, podía ser ambivalente y complejo, pero todavía trabajaba dentro de una idea del Oeste como mito fundacional de Estados Unidos.
Leone cambia el eje. Su Oeste es menos una nación en formación que un escenario de carroñeros. La moral ya no es clara; los héroes son mercenarios o sobrevivientes; la violencia es más gráfica, más seca y más burlona; y la guerra aparece como espectáculo absurdo más que como epopeya patriótica. Además, su estilo visual —con primerísimos planos extremos, montaje musicalizado, alargamiento del tiempo y énfasis en la fisicidad del rostro— rompe con la sintaxis más sobria y clásica del western americano. (Oscars)
Eso no significa que Leone despreciara el western estadounidense. Al contrario: lo admiraba lo suficiente como para reinventarlo. Pero lo filtró a través de una sensibilidad italiana, operática, irónica y a ratos casi barroca. Por eso EL BUENO, EL MALO Y EL FEO no reemplaza al western clásico: dialoga con él, lo parodia un poco, lo exagera y lo empuja hacia otra modernidad.
Conclusión
EL BUENO, EL MALO Y EL FEO sigue viva porque no es sólo una película influyente: es una experiencia cinematográfica todavía electrizante. Su grandeza está en haber entendido que el western podía ser al mismo tiempo brutal y cómico, épico y mugroso, estilizado y despiadado, musical y casi silencioso. Leone llevó el género a una región nueva, donde el close-up podía ser un duelo, la música podía disparar antes que el revólver y la guerra podía verse como una maquinaria absurda de muerte alrededor de tres hombres obsesionados con un tesoro.
Y en el centro de todo están esos tres cuerpos inolvidables: Eastwood como mito seco, Wallach como torbellino humano y Van Cleef como cuchillo elegante. Sobre ellos, Morricone tendió una música que ya no pertenece sólo al film, sino a la memoria del cine entero. Por eso, más que un simple western, EL BUENO, EL MALO Y EL FEO es una de esas películas que parecen haber inventado su propio clima.
Recuadro comparativo: cuatro gigantes del western
Si EL BUENO, EL MALO Y EL FEO ocupa un sitio tan alto en la historia del cine, es porque dialoga, compite y convive con otras cumbres del western, cada una dueña de una forma distinta de grandeza.
MÁS CORAZÓN QUE ODIO (The Searchers, 1956), de John Ford, suele ser señalado como el western norteamericano por excelencia, el más reconocido por la crítica y por la tradición cinéfila; no por nada el American Film Institute lo colocó en el primer lugar de su lista de westerns.
LOS IMPERDONABLES (Unforgiven, 1992), de Clint Eastwood, representa otra cima: la del western que volvió con madurez crepuscular para conquistar no sólo a la crítica, sino también al Óscar, al llevarse premios tan mayores como Mejor Película y Mejor Director.
DJANGO SIN CADENAS (Django Unchained, 2012), de Quentin Tarantino, encarna en cambio la fuerza comercial del género en tiempos modernos, al convertirse en uno de los westerns más taquilleros de la historia reciente, con 449.8 millones de dólares recaudados en todo el mundo.
Y, frente a todos ellos, EL BUENO, EL MALO Y EL FEO ocupa una posición singular: no fue la más premiada ni la más favorecida por su tiempo, pero sí una de las más influyentes, la obra que llevó al Western italiano / “Spaghetti western” a su forma más mítica y que convirtió a Sergio Leone y a Ennio Morricone en nombres inseparables del imaginario del Oeste.
Dicho de otro modo: si John Ford fijó la gran estampa clásica, Clint Eastwood la revisó con melancolía, Quentin Tarantino la empujó al espectáculo contemporáneo, y Sergio Leone la volvió polvo, rito, música y leyenda.
De izquierda a derecha: Roman Polanski, Miguel Sabido, Sergio Leone, Andrés Bermea.
Acapulco (Circa 1973) 1er. ENCUENTRO MUNDIAL DE COMUNICACIÓN organizado por Televisa.
Un trabajo de investigación realizado por Andrés Bermea y Mr. Chips (Mi asistente de IA)
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La noche en que Hollywood tuvo que tragarse sus prejuicios
Hay noches en que el Óscar premia a una estrella. Y hay otras, menos frecuentes, en que sin proponérselo del todo termina exhibiendo sus propias deudas históricas. El 13 de abril de 1964 en la 36.ª edición de los Premios Óscar ocurrió una de esas. Sidney Poitier ganó el premio al Mejor Actor por UNA VOZ EN LAS SOMBRAS (Lilies of the Field, 1963) y se convirtió en el primer afroamericano en alzarse con esa estatuilla.
No fue sólo un aplauso para una gran actuación. Fue una sacudida. Una grieta visible en un Hollywood que durante décadas había administrado el prestigio con filtro racial, como si el talento también tuviera zona restringida.
Y el momento no pudo haber sido más cargado de sentido. Estados Unidos vivía uno de los años más convulsos en la lucha por los derechos civiles. Las calles hervían, la discusión sobre la igualdad racial estaba lejos de resolverse y el país entero parecía debatirse entre avanzar o atrincherarse. En ese contexto, ver a Poitier subir al escenario no era una simple postal de gala: era una señal de época.
En UNA VOZ EN LAS SOMBRAS (Lilies of the Field, 1963), Poitier interpreta a Homer Smith, un trabajador itinerante, orgulloso, práctico y lleno de carisma, que termina ayudando a un grupo de monjas a construir una capilla en medio del desierto. La anécdota parece pequeña, casi modesta, pero ahí estaba justamente su fuerza: la película no necesitaba grandilocuencia para dejar huella. Bastaba la presencia de Poitier, su inteligencia en pantalla, su humor seco y esa autoridad natural que convertía a Homer Smith en un personaje imposible de reducir a estereotipos.
Ahí estuvo la verdadera revolución. Poitier no estaba ahí como concesión, cuota ni gesto de buena conciencia. Estaba ahí porque era un actor formidable. Y eso hizo todavía más poderoso su triunfo. La historia estaba de su lado, sí, pero el premio no se sostenía por simbolismo vacío: se sostenía en una actuación sólida, cálida y profundamente humana.
Su discurso fue breve, sobrio y certero. Dijo que había sido “un largo camino” hasta llegar ahí. No necesitó más. En esa frase cabían los años de exclusión, los papeles limitados, las barreras invisibles y también la dignidad de quien había llegado sin rebajarse, sin caricaturizarse y sin pedir disculpas por ocupar el centro del encuadre.
Hoy esa imagen sigue teniendo fuerza porque no sólo consagró a Sidney Poitier: también dejó al descubierto la lentitud con la que Hollywood acepta ciertos cambios. A veces la Academia reconoce el talento. Y a veces, además, no tiene más remedio que aceptar que ya no puede seguir ignorándolo.
El Óscar de Poitier no borró de un plumazo el racismo en la industria. No convirtió a Hollywood en tierra prometida de la igualdad. Pero sí rompió una barrera ante los ojos del mundo. Y eso, para una fábrica de sueños que tantas veces había repartido los reflectores con criterios bastante terrenales, ya era muchísimo.
Porque aquella noche de 1964 no ganó solamente un actor. También perdió, aunque fuera por unos minutos, una vieja costumbre de mirar el talento con prejuicios. Y ya se sabe: cuando la historia entra por la puerta principal, hasta Hollywood tiene que ponerse de pie.
Detalles curiosos:
La película no termina con el típico «Fin». En lugar de este cierre característico, la película termina con un «Amén».
La película se realizó con un presupuesto relativamente bajo, de alrededor de $800.000 dólares, pero se convirtió en un éxito de taquilla, recaudando más de 5 millones de dólares en todo el mundo a valor de esa época.
La película se rodó en el pequeño rancho del padre de la cantante Linda Ronstadt; ubicado en el extremo norte de Tucson, cerca de Sabino Canyon y Cloud Road.
Fue filmada casi en su totalidad en Tucson, Arizona, y sus alrededores. La filmación se completó en apenas 14 días con un presupuesto limitado.
Sidney Poitier recibió el Oscar Honorífico de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en la 74ª ceremonia de entrega, celebrada el 24 de marzo de 2002. Este premio fue otorgado por su trayectoria, sus extraordinarias interpretaciones y su dignidad en la industria.
En exclusiva para CINESAURIO por Andrés Bermea y Mr. Chips
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¡Bienvenidos a la Selección de la Semana en CINESAURIO! Esta cartelera se siente como un “triple golpe” de cine adulto: familias rotas y reconciliaciones agridulces, ciencia ficción con mala leche sobre la era de la IA, y una comedia incómoda que se disfraza de romance para meterte el dedo en la llaga. Ninguna es “basada en hechos reales” ni adaptación de novela: aquí el gancho está en el estilo, el tono y el riesgo creativo.
PADRE, MADRE, HERMANA, HERMANO (Father Mother Sister Brother) — EUA/Irlanda/Francia/Italia/Japón Jim Jarmusch arma una antología de tres historias familiares en distintos países: gente que se quiere… pero no sabe cómo demostrarse. Lo sobresaliente: ganó el León de Oro en Venecia 2025.
BUENA SUERTE, DIVIÉRTETE, NO MUERAS (Good Luck, Have Fun, Don’t Die) — EUA/Alemania Gore Verbinski regresa con una sci-fi de comedia negra: un tipo del futuro llega a un diner en Los Ángeles para reclutar voluntarios y frenar una amenaza de inteligencia artificial, con estructura de “intentos” que se van complicando. Tu decisión aquí depende del humor: es de alto concepto, rápida y sarcástica. Se estrenó en Fantastic Fest y tuvo gala en la Berlinale.
EL DRAMA (The Drama) — EUA Zendaya y Robert Pattinson protagonizan una historia de pareja comprometida cuya relación se pone a prueba por una revelación inesperada a días de la boda. Es ficción pura, con ese tono “incómodo” que juega a tensar la cuerda entre comedia y horror psicológico.
Si quieres premios grandes y cine de autor, ve por Jarmusch; si buscas sci-fi filosa (y aguantas más de dos horas), Verbinski; y si te late el romance que se tuerce y te deja pensando, El drama es la apuesta.
PADRE, MADRE, HERMANA, HERMANO
Título original:
Father Mother Sister Brother
Clasificación: «B-15»
Género: Comedia, Drama
Director: Jim Jarmusch
Actores: Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Sarah Greene, Indya Moore, Luka Sabbat
País: Reino Unido, Irlanda, Francia.
Duración: 1h 50m
¿DE QUÉ VA?
Narrada en forma de tríptico y dividida en capítulos ambientados en Nueva Jersey, Dublín y París, cada historia explora las relaciones entre hijos adultos, padres distantes y entre ellos mismos. Combinando las extraordinarias interpretaciones de su elenco con las observaciones irónicas y singulares de Jarmusch sobre la vida cotidiana, la nueva obra del icónico director independiente es un oportuno recordatorio de que puedes elegir a tus amigos y a tus amantes, pero no a tu familia.
En ROTTEN TOMATOES el consenso de la crítica:
Padre, Madre, Hermana, Hermano es un tríptico sutilmente inquietante, con un humor irónico y una cuidada estética visual, que transforma la banalidad y la incomodidad de la vida familiar en una agridulce reflexión sobre los lazos que perduran.
PREMIOS:
LEÓN DE ORO La máxima presea en la Muestra Internacional de Cine, Biennale de Venecia 2025.
MIRA EL TRÁILER
BUENA SUERTE, DIVIÉRTETE, NO MUERAS
Título original:
Good Luck, Have Fun, Don’t Die
Clasificación: B15
Género: Acción, Comedia
Director Gore Verbinski
Actores: Sam Rockwell, Stevel Marc, Tanya van Graan, Michael Peña
País: Estados Unidos
Duración: 2h 14m
¿DE QUÉ VA?
Un hombre del futuro llega a una cafetería de Los Ángeles, donde recluta la combinación exacta de personas descontentas para que se unan a él en una búsqueda para salvar al mundo de la amenaza de una inteligencia artificial maligna.
En ROTTEN TOMATOES el consenso de la crítica:
Una comedia ingeniosa y desenfadada con un mensaje serio en su esencia, Buena Suerte, Diviértete, No Mueras permite que Sam Rockwell se luzca con resultados emocionantes, al tiempo que marca el muy bienvenido regreso del director Gore Verbinski en plena forma.
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EL DRAMA
Título original:
The Drama
Clasificación: B15
Género: Comedia, Drama, Romance
Director: Kristoffer Borgli
Actores: Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie
País: Los Estados Unidos
Duración: 1h 45m
¿DE QUÉ VA?
A pocos días de su boda, Emma y Charlie parecen tenerlo todo bajo control… hasta que una serie de verdades inesperadas comienzan a salir a la superficie y a desestabilizar su relación. Lo que inicia como una celebración, se transforma en tensión; la intimidad se vuelve incómoda y las certezas empiezan a fracturarse, obligándolos a enfrentar lo que realmente significan el amor, la honestidad y el compromiso cuando ya no hay vuelta atrás.
En ROTTEN TOMATOES el consenso de la crítica:
Coqueteando con temas complejos, The Drama camina sobre la cuerda floja tonal con una impresionante elegancia gracias a las actuaciones estelares de Robert Pattinson y Zendaya.
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RESEÑAS
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Estos son los días clave de la siguiente temporada de premios
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas ha confirmado las fechas para las próximas ediciones de los Oscar, marcando un giro histórico en la transmisión y el futuro del evento. La 99ª ceremonia se celebrará el domingo 14 de marzo de 2027, mientras que la 100ª está programada para el domingo 5 de marzo de 2028. Ambas galas se transmitirán en vivo a las 19:00 (hora del este de Estados Unidos) por ABC y llegarán a más de 200 territorios globalmente desde el Dolby Theatre en Ovation Hollywood.
Estas serán las últimas ediciones de los Oscar emitidas por ABC antes de que la transmisión pase a YouTube en 2029. La mudanza de plataforma forma parte de una transformación mayor en la estrategia de difusión de la ceremonia, que busca adaptarse a los cambios en los hábitos de consumo audiovisual y expandir su alcance digital. Desde 2029, los Oscar tendrán como nueva sede el Peacock Theater, donde permanecerán al menos hasta 2039, según confirmó la Academia. La decisión de trasladar la transmisión a YouTube representa un hito en la historia de los premios Oscar. Tras décadas de alianza con ABC, la ceremonia más importante de la industria cinematográfica estadounidense apuesta por una plataforma digital con la expectativa de captar a nuevas generaciones de espectadores y garantizar una mayor interacción global.
El calendario de 2027 será especialmente relevante para ABC. Por primera vez, la cadena transmitirá no solo los Oscar, sino también el Super Bowl LXI el 14 de febrero y la entrega de los Grammy el 7 de febrero, estos últimos bajo un nuevo acuerdo de 10 años con la Academia de la Grabación, que incluye transmisión en Hulu y Disney+. De este modo, ABC rompe una tradición de 54 años en la que los Grammy fueron emitidos por CBS.
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Mary Pickford nació el 8 de abril de 1892 en Toronto, Ontario, Canadá.
Consiguió llegar a ser la persona más poderosa en Hollywood. Sus roles femeninos, ingenuos, de «niñita buena», eran más populares que el vagabundo de Charlie Chaplin.
A los 24 años, no solo fue millonaria, sino la primera que hubo en Hollywood.
Durante veinte años Mary Pickford (Gladys Louise Smith. Actriz canadiense) encarnó el arquetipo de mujer-niña encantadora. Apareció por primera vez en un escenario a los seis años, junto a su hermana Lottie y su hermano Jack.
Trabajó en The Little Teacher, La cabaña del tío Tom, Little Red Schoolhouse y otras obras edificantes. The Warrens of Virginia confirmó su fama de niña prodigio y la animó a estrenarse en el cine.
Conoció a Griffith, quien la hizo intervenir, como ensayo, en su serie burlesca The Jones Family, aunque aún no como protagonista. Alcanzó la fama tras aparecer en: El teléfono (The Lonely Villa), La niña (The Little Darling), La maestrita (The Little Teacher), La muchacha de Arcadia (An Arcadian Maid), Wilful Peggy, entre otras.
En 1911 abandonó la Biograph para ingresar en la IMP (Independent Motion Pictures) de Carl Laemmle, donde actuó en varias películas bajo la dirección de Thomas Ince y George Loane Tucker. Al dejarla, pasó a la Majestic Pictures de Harry Aitken. Participó en Lena and the Geese, A Pueblo Legend, My Baby y, sobre todo, El sombrero de Nueva York (The New York Hat). Se casó el 7 de enero de 1911 con Owen Moore.
Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Charles Chaplin, D.W. Griffith,
En 1913 intentó regresar a sus inicios al volver al teatro con una adaptación de A Good Little Devil, de la condesa de Ségur. A partir de ese momento comenzó a cosechar numerosos éxitos. Firmó un contrato con la Paramount. Cobró mil dólares por semana, suma que se multiplicó por diez en apenas dos años. También se desempeñó como productora y guionista. En 1919 fundó junto a David Wark Griffith, Charles Chaplin y Douglas Fairbanks la productora United Artists.
Mary Pickford ganó el Óscar a la Mejor Actriz en la segunda edición de los Premios de la Academia (celebrada en 1930, reconociendo películas de 1928-1929) por su papel en «COQUETA» (Coquette / (1929). Fue su primer papel sonoro y su único premio de la Academia en competencia, destacando por su transición del cine mudo a sonoro y su campaña personal para el premio.
Cartel publicitario de COQUETA (1929)
Mary Pickford falleció el 29 de mayo de 1979 en Santa Mónica, California.
Premios Óscar
1976 Óscar Honorífico 1929 Mejor actriz – Coquette
Filmografía
1947 High Fury 1945 Gaslight Follies 1933 Secrets 1931 Kiki 1929 The Taming of the Shrew 1929 Coquette 1927 Kiss for Mary Pickford 1927 My Best Girl 1927 The Gaucho 1926 Sparrows 1925 Little Annie Rooney 1924 Dorothy Vernon of Haddon Hall 1923 Hollywood 1923 Rosita 1922 Tess of the Storm Country 1921 Little Lord Fauntleroy 1921 Through the Back Door 1921 The Love Light 1921 Thru Back Door 1920 Suds 1920 Pollyanna 1919 Captain Kidd, Jr. 1919 Heart O’ the Hills 1919 Hoodlum 1919 Daddy Long Legs 1919 The Hoodlum 1918 How Could You, Jean? 1918 Johanna Enlists 1918 Amarilly of Clothesline Alley 1918 Stella Maris 1918 M’Liss 1917 A Poor Little Rich Girl 1917 A Romance of the Redwoods 1917 Rebecca of Sunnybrook Farm 1917 Little Princess 1917 The Pride of the Clan 1917 Little American 1916 Poor Little Peppina 1916 The Foundling 1916 The Eternal Grind 1916 Less Than the Dust 1916 Hulda from Holland 1915 Rags 1915 A Girl of Yesterday 1915 Cinderella 1915 The Foundling 1915 Esmeralda 1915 The Dawn of a Tomorrow 1915 Fanchon the Cricket 1915 Mistress Nell 1915 Madame Butterfly 1915 Little Pal 1914 Hearts Adrift 1914 His Last Dollar 1914 A Good Little Devil 1914 Behind the Scenes 1914 Such a Little Queen 1914 Tess of the Storm Country 1913 In the Bishop’s Carriage 1913 The Unwelcome Guest 1913 Fate 1913 Caprice 1912 The Narrow Road 1912 My Baby 1912 The Mender of Nets 1912 Lena and the Geese 1912 A Lodging for the Night 1912 The New York Hat 1912 Fate’s Interception 1912 A Feud in the Kentucky Hills 1912 A Child’s Remorse 1912 A Beast at Bay 1912 Iola’s Promise 1912 The Inner Circle 1912 Home Folks 1912 The Informer 1912 An Indian Summer 1912 Just Like a Woman 1912 With the Enemy’s Help 1912 Friends 1912 The Female of the Species 1912 The Old Actor 1912 A Pueblo Legend 1912 The One She Loved 1912 So Near, Yet So Far 1912 The Schoolteacher and the Waif 1912 A Siren of Impulse 1911 In Old Madrid 1911 The House That Jack Built 1911 The Aggressor 1911 In the Sultan’s Garden 1911 The Italian Barber 1911 Little Nell’s Tobacco 1911 For Her Brother’s Sake 1911 Her Awakening 1911 Artful Kate 1911 A Decree of Destiny 1911 Dream 1911 A Dog’s Tale 1911 Little Red Riding Hood 1911 When a Man Loves 1911 Three Sisters 1911 Conscience 1911 The Better Way 1911 The Message in the Bottle 1911 A Manly Man 1911 Their First Misunderstanding 1911 The Rose’s Story 1911 Mirror 1910 The Call to Arms 1910 Ramona 1910 An Affair of Hearts 1910 In the Season of Buds 1910 Little Angels of Luck 1910 In the Border States 1910 The Iconoclast 1910 A Gold Necklace 1910 Muggsy’s First Sweetheart 1910 Never Again 1910 Love Among the Roses 1910 Muggsy Becomes a Hero 1910 May and December 1910 The Newlyweds 1910 As It is in Life 1910 Call 1910 An Arcadian Maid 1910 The Griffith Biographs 1910 A Flash of Light 1910 Examination Day at School 1910 The Face at the Window 1910 A Child’s Impulse 1910 The Englishman and the Girl 1910 A Child’s Stratagem 1910 The Woman from Mellon’s 1910 Usurer 1910 A Victim of Jealousy 1910 The Unchanging Sea 1910 The Two Brothers 1910 The Twisted Trail 1910 White Roses 1910 Wilful Peggy 1910 Waiter No. 5 1910 When We Were in Our Teens 1910 What the Daisy Said 1910 A Plain Song 1910 Serious Sixteen 1910 Simple Charity 1910 The Song of the Wildwood Flute 1910 A Romance of the Western Hills 1910 A Rich Revenge 1910 The Thread of Destiny 1910 Sunshine Sue 1910 That Chink at Golden Gulch 1910 Smoker 1910 A Summer Tragedy 1910 The Sorrows of the Unfaithful 1909 The Seventh Day 1909 The Son’s Return 1909 Slave 1909 A Strange Meeting 1909 The Renunciation 1909 The Sealed Room 1909 The Restoration 1909 The Peachbasket Hat 1909 In Old Kentucky 1909 The Awakening 1909 A Midnight Adventure 1909 A Sweet Revenge 1909 Tender Hearts 1909 To Save Her Soul 1909 They Would Elope 1909 Test 1909 The Fascinating Mrs. Francis 1909 The Faded Lilies tor 1909 The Deception 1909 The Gibson Goddess 1909 Getting Even 1909 Her First Biscuits 1909 Sweet and Twenty 1909 The Country Doctor 1909 The Children’s Friend 1909 The Broken Locket 1909 The Cardinal’s Conspiracy 1909 Oh, Uncle! 1909 The Lonely Villa 1909 The Little Teacher 1909 The Little Darling 1909 The Necklace 1909 The Mexican Sweethearts 1909 The Mountaineer’s Honor 1909 His Duty 1909 His Wife’s Visitor 1909 His Lost Love 1909 Lines of White on a Sullen Sea 1909 The Light That Came 1909 In the Watches of the Night 1909 The Indian Runner’s Romance 1908 Mrs. Jones Entertains
Investigación Andrés Bermea; Biografía (Fragmentos) y Filmografía: buscabiografias.com
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LA ACADEMIA Y AEG ANUNCIAN UNA NUEVA ALIANZA GLOBAL
L.A. LIVE SERÁ LA NUEVA SEDE DE LOS OSCAR® A PARTIR DE 2029
LOS ÁNGELES, CA – La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas y AEG anuncian una histórica alianza multianual que convierte a L.A. LIVE en la nueva sede de los Premios Óscar®, comenzando con la 101.ª ceremonia en 2029 y continuando hasta 2039. La ceremonia de los Óscar se celebrará en el recinto actualmente conocido como Teatro Peacock.
AEG, líder en deportes y entretenimiento en vivo, y desarrollador y propietario de algunos de los recintos más emblemáticos del mundo, es propietario y operador de L.A. LIVE, el distrito deportivo y de entretenimiento de renombre internacional de 9,3 hectáreas (370.000 metros cuadrados) ubicado en el centro de Los Ángeles, junto al Crypto.com Arena.
Como parte de esta alianza, AEG llevará a cabo mejoras integrales en el teatro, incluyendo la modernización del escenario, los sistemas de sonido e iluminación, los vestíbulos, las instalaciones tras bambalinas y otras áreas esenciales para la producción. AEG colaborará estrechamente con la Academia para incorporar elementos de diseño personalizados necesarios para la ceremonia de los Óscar.
Además, la plaza de L.A. LIVE, recientemente ampliada, albergará la alfombra roja y diversas actividades, y el teatro será el primer lugar en transmitir los Óscar cuando se emitan por YouTube gracias a un acuerdo exclusivo de derechos globales con la Academia, que también comienza en 2029.
«Estamos encantados de asociarnos con una potencia mundial como AEG. Su trayectoria en la construcción y operación de espacios para espectáculos en vivo con tecnología de punta es inigualable», declararon el director ejecutivo de la Academia, Bill Kramer, y la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor. «Para la 101.ª edición de los Óscar y las futuras, la Academia espera colaborar estrechamente con AEG para hacer de L.A. LIVE el escenario perfecto para nuestra celebración global del cine, tanto para el público presente en el teatro como para los cinéfilos de todo el mundo».
“L.A. LIVE se construyó para albergar los momentos que definen la cultura, y no hay un escenario global más importante que los Óscar”, afirmó Todd Goldstein, Director de Ingresos de AEG. “Nos enorgullece colaborar con la Academia para reinventar la imagen y la atmósfera de los Óscar en los próximos años. Juntos, crearemos un entorno que celebre la creatividad, honre la excelencia y brinde una experiencia inolvidable a los cinéfilos de todo el mundo”.
Desde la inauguración del Crypto.com Arena (antes STAPLES Center) en 1999 y de L.A. LIVE en 2007, este conjunto de recintos, hoteles (incluidos The Ritz-Carlton y JW Marriott), restaurantes, clubes y numerosos espacios de hostelería han acogido miles de eventos deportivos y de entretenimiento.
Los Óscar seguirán celebrándose en el Dolby® Theatre del Ovation Hollywood y se transmitirán en directo por ABC y en más de 200 territorios en todo el mundo hasta la 100.ª edición en 2028.
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SOBRE LA ACADEMIA DE ARTES Y CIENCIAS CINEMATOGRÁFICAS La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas es la principal organización cinematográfica del mundo y cuenta con más de 11 000 miembros, entre los que se encuentran los artistas y líderes más destacados de la industria cinematográfica. La Academia conecta a audiencias de todo el mundo —sus miembros, la industria cinematográfica y los cinéfilos— a través de su pasión compartida por la creación y el disfrute del cine. Lo logra reconociendo y celebrando las artes y las ciencias cinematográficas mediante prestigiosos premios a la excelencia cinematográfica, como los Premios Óscar®, los Premios de los Gobernadores y los Premios Científicos y Técnicos. La Fundación de la Academia, su organización benéfica afiliada, contribuye al bienestar público mediante sus sólidas actividades educativas, de preservación y culturales. Estas incluyen el Museo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, el museo de cine más grande del mundo, la Colección de la Academia, la mayor colección relacionada con el cine a nivel mundial, y programas de desarrollo de talento para artistas emergentes. Durante todo el año, la Academia crea oportunidades para que todas las comunidades se conecten con el mundo del cine.
SOBRE AEG Con sede en Los Ángeles, California, AEG es la empresa líder mundial en deportes y entretenimiento en vivo. La compañía opera en los siguientes segmentos de negocio: Música a través de AEG Presents, dedicada a todos los aspectos de las actuaciones de música contemporánea en vivo, incluyendo la producción y promoción de giras de conciertos globales y regionales, una amplia cartera de clubes, teatros y otros recintos musicales, conciertos y eventos especiales, y festivales de renombre mundial como el Festival de Música y Artes de Coachella Valley; Recintos y Bienes Raíces, que desarrolla, posee y opera recintos de clase mundial, así como importantes distritos deportivos y de entretenimiento como Crypto.com Arena y L.A. LIVE, Uber Platz en Berlín y The O2 en Londres; Deportes, como el mayor operador mundial de eventos deportivos de alto perfil y franquicias deportivas, incluidos los LA Kings, LA Galaxy y Eisbären Berlin; Alianzas Globales, que supervisa las ventas y el servicio a nivel mundial de patrocinios, incluidos los derechos de denominación, los asientos premium y otras alianzas estratégicas; y Venta de Entradas, a través de su plataforma de venta de entradas AXS.com, que proporciona a más de 400 clientes en todo el mundo servicios de venta de entradas que cubren toda la gama de entretenimientos, incluidos eventos deportivos, giras por estadios, clubes de música, festivales, rodeos y eventos familiares.
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