La actriz mexicana encabeza la edición especial con la que USA TODAY celebra el Mes de la Herencia Hispana y reconoce las historias y figuras latinas que están dejando huella en Estados Unidos.
Ciudad de México, 3 septiembre de 2026.— Adriana Paz protagoniza este año la portada de Hispanic Heritage Month 2026 de USA TODAY, edición especial anual dedicada a celebrar la cultura, las historias y las aportaciones de la comunidad latina en Estados Unidos.
Bajo el encabezado “Adriana Paz: Rising Star Brings Magic to the Big Screen”, la publicación dedica su portada y una historia a la trayectoria ascendente de la actriz mexicana, coincidiendo con el Mes de la Herencia Hispana, que se celebra en Estados Unidos del 15 de septiembre al 15 de octubre.
La elección cobra especial relevancia por el espacio que estas publicaciones de USA TODAY han dado a personalidades latinas con una importante presencia en la cultura estadounidense. Figuras como Camila Cabello, Eva Longoria y Sofía Vergara han protagonizado anteriormente especiales dedicados a la comunidad hispana; en 2026, ese lugar lo ocupa Adriana Paz, colocando a una actriz mexicana al frente de esta celebración editorial.
La portada llega además en un momento clave de su carrera. En 2024, Paz hizo historia al convertirse en la primera actriz mexicana en recibir el Premio a Mejor Actriz en el Festival de Cannes, reconocimiento otorgado de manera coral a las cuatro protagonistas de Emilia Pérez, de Jacques Audiard. Ese mismo año fue nombrada Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Gobierno de Francia.
En 2026, su presencia internacional continúa creciendo: La Cazadora, de Suzanne Andrews Correa, tuvo su estreno mundial en el Festival de Sundance, mientras que Ceniza en la boca, dirigida por Diego Luna, fue presentada en el Festival de Cannes dentro de la sección Proyecciones Especiales. Ambas películas forman parte actualmente de la Competencia Oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia. A estos proyectos se suma Animals, producción dirigida, producida y protagonizada por Ben Affleck, en la que Adriana Paz forma parte del elenco principal y que se estrenará el próximo octubre en Netflix.
“Me emociona profundamente ocupar esta portada, especialmente porque forma parte de una edición que celebra nuestras historias, nuestra cultura y todo lo que la comunidad latina aporta. Mi carrera comenzó en México y me ha llevado a lugares que nunca imaginé; poder representar desde mi trabajo una pequeña parte de todo ese talento latinoamericano que existe me llena de orgullo y gratitud”, comparte Adriana Paz.
Con más de dos décadas de trayectoria, más de 30 películas, tres Premios Ariel, un Premio a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Morelia y una nominación al Goya, la portada de Hispanic Heritage Month 2026 de USA TODAY representa un nuevo capítulo en la carrera de Adriana Paz y en su creciente presencia ante las audiencias de Estados Unidos.
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La actriz, cantante, compositora, empresaria y filántropa murió a los 80 años en Nashville. Su legado cruza la música country, el cine, la televisión y una forma muy personal de entender la fama: con humor, generosidad y tacones bien puestos.
Por el equipo editorial de Cinesaurio
Dolly Parton murió este martes 25 de agosto de 2026, a los 80 años, en Nashville, Tennessee. La noticia fue confirmada por su familia y representantes. Hasta el momento no se ha informado oficialmente la causa de su muerte; distintos medios señalan que en los últimos meses había enfrentado problemas de salud, pero la versión pública disponible se limita a indicar que falleció pacíficamente.
Con Dolly Parton se va mucho más que una estrella de la música country. Se va una de esas figuras rarísimas que parecían inventadas por el propio espectáculo: voz prodigiosa, pelucas imposibles, vestidos brillantes, humor afilado, inteligencia empresarial y una capacidad enorme para reírse de sí misma antes de que alguien más intentara hacerlo.
Dolly Rebecca Parton nació el 19 de enero de 1946 en Pittman Center, Tennessee, y creció en una familia pobre de las montañas Smoky.
Dolly Parton en los Premios Óscar de 2006
Reuters recuerda que fue una de doce hijos y que su origen humilde marcó profundamente su música, sus letras y su manera de relacionarse con el público. De ahí salió una artista que nunca renegó de sus raíces, pero tampoco permitió que la encerraran en ellas.
Su carrera musical fue monumental. Escribió miles de canciones, vendió más de 100 millones de discos y dejó títulos que ya forman parte de la memoria popular: “Jolene”, “Coat of Many Colors”, “9 to 5” y, por supuesto, “I Will Always Love You”, canción que ella compuso y que décadas después Whitney Houston convirtió en fenómeno mundial. Reuters la describe como autora de aproximadamente 3,000 canciones y una de las figuras más reconocibles de la cultura popular estadounidense.
Pero en CINESAURIO nos toca mirarla también desde la pantalla. Dolly debutó en cine con COMO ELIMINAR A SU JEFE (9 to 5, 1980), junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, una comedia laboral que hoy se recuerda como una pequeña bomba feminista envuelta en humor. IMDb señala que por esa película obtuvo una nominación al Óscar por la canción principal, además de premios Grammy por “Nine to Five”.
Después vinieron LA MEJOR CASITA DE PLACER (The Best Little Whorehouse in Texas, 1982), con Burt Reynolds; EL TAXISTA CARADURA (Rhinestone, 1984), con Sylvester Stallone; MAGNOLIAS DE ACERO (Steel Magnolias, 1989), junto a Sally Field, Shirley MacLaine, Olympia Dukakis, Daryl Hannah y Julia Roberts; FAMOSA POR ERROR (Straight Talk, 1992); y RUIDOS GOZOSOS (Joyful Noise, 2012), con Queen Latifah. Su filmografía nunca fue tan extensa como su discografía, pero sí dejó una presencia reconocible: Dolly no “aparecía” en pantalla; entraba como si la luz la hubiera estado esperando.
Como actriz tenía una virtud muy difícil: parecía natural incluso cuando todo en ella era deliberadamente actuado. Su imagen era grande, brillante, exagerada, casi de caricatura; pero detrás de esa superficie había una persona cálida, precisa, inteligente y dueña absoluta de su personaje público. Ella misma convirtió el exceso en marca personal. Las lentejuelas, el peinado, el maquillaje y el humor no eran disfraz: eran armadura, bandera y declaración de independencia.
Dolly Parton en el Songwriters Hall of Fame
Sus premios hablan de una carrera fuera de serie. Fue reconocida con múltiples Grammy; ingresó al Country Music Hall of Fame, al Songwriters Hall of Fame y al Rock & Roll Hall of Fame; recibió la National Medal of Arts y los Kennedy Center Honors. En 2025, la Academia de Hollywood anunció que Dolly Parton recibiría el Premio Humanitario Jean Hersholt, uno de los reconocimientos más importantes que otorga la industria cinematográfica por labores filantrópicas.
Y justamente ahí aparece otra Dolly: la filántropa. Su Imagination Library distribuyó millones de libros gratuitos a niños; también apoyó causas educativas, víctimas de desastres y proyectos de salud. AP recuerda que donó un millón de dólares a investigaciones relacionadas con la vacuna contra COVID-19, además de impulsar programas de lectura infantil y ayuda comunitaria.
Dolly Parton en el Rock & Roll Hall of Fame, 2022
Dolly Parton fue única porque nunca pidió permiso para ser varias cosas a la vez. Fue cantante country y estrella pop. Compositora sentimental y empresaria astuta. Mujer de fe y figura camp. Símbolo del sur estadounidense y celebridad global. Una artista profundamente popular que podía cantar una pena amorosa con absoluta sinceridad y, al minuto siguiente, soltar una broma sobre su propio escote.
Quizá por eso la quiso tanta gente tan distinta. Dolly no parecía hablar desde una torre de fama, sino desde una cocina iluminada, un camerino lleno de brillo o una carretera de Tennessee. Tenía esa cualidad rara de las estrellas verdaderas: era más grande que la vida, pero nunca dejó de sonar cercana.
En el cine, en la música y en la cultura popular, Dolly Parton deja algo más que canciones y películas. Deja una lección de identidad: se puede ser brillante sin volverse frío, poderoso sin perder ternura, famoso sin olvidar de dónde se viene.
Hoy se apaga una voz inmensa.
Pero Dolly Parton hizo lo que solo logran los artistas inolvidables: dejó suficiente luz como para que el escenario no se quede oscuro.
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Con la muerte de Elsa Aguirre, el Cine de OroMexicano pierde no sólo a una de sus últimas grandes figuras, sino a una presencia distinta: una actriz que nunca necesitó levantar la voz para imponerse en pantalla. Su fuerza estaba en otra parte: en la mirada, en la elegancia, en esa serenidad que parecía venir de un México ya muy lejano, pero que todavía reconocemos cuando aparece su rostro en una película.
Elsa Aguirre falleció a los 95 años, en Cuernavaca, rodeada de sus seres queridos. La noticia fue confirmada por la Asociación Nacional de Intérpretes, que destacó tanto su talento dramático como su belleza icónica dentro del cine nacional. Nacida en Chihuahua en 1930, llegó al cine siendo apenas una adolescente, después de ganar un concurso organizado por Clasa Films Mundiales, que la llevó a debutar en EL SEXO FUERTE (1946).
Pero reducir a Elsa Aguirre a “una de las mujeres más bellas del cine mexicano” sería quedarse en la superficie. Sí, su belleza fue evidente, casi escultórica, de esas que la cámara no sólo registra sino que parece obedecer. Sin embargo, lo que la distinguió fue que no se quedó prisionera de esa imagen. En una época en la que muchas actrices eran moldeadas por el estudio, por el galán de turno o por la idea de la “mujer ideal”, Elsa Aguirre construyó una presencia más discreta, más contenida, menos estruendosa que la de otras divas, pero igualmente poderosa.
En películas como OJOS DE JUVENTUD, LLUVIA ROJA, LA MUJER QUE YO AMÉ y CUIDADO CON EL AMOR, compartió pantalla con figuras como Jorge Negrete, Pedro Infante y hasta Mauricio Garcés. Su carrera cruzó el melodrama, la comedia, el drama romántico y más tarde la televisión, siempre con una cualidad que la hacía reconocible: no parecía actuar desde el exceso, sino desde una naturalidad elegante.
Había en ella una especie de dignidad tranquila. Elsa Aguirre podía ser luminosa sin resultar frívola; podía ser romántica sin parecer débil; podía ser sofisticada sin perder cercanía. No era la diva que avasalla: era la diva que permanece. Y quizá por eso su imagen trascendió el tiempo de manera distinta. No se quedó congelada en el póster o el celuloide, sino que siguió habitando la memoria del público como una mujer real, con voz propia, con disciplina, con carácter y con una manera muy personal de entender la vida.
Fuera de la pantalla, también se distinguió por algo poco común entre las grandes estrellas de su generación: su relación con el cuerpo y la vida interior. Durante décadas practicó yoga, promovió la meditación y llevó una dieta vegetariana u ovolactovegetariana (seguía una alimentación vegetariana que incluía huevo y lácteos), hábitos que ella misma relacionaba con su bienestar y longevidad. En entrevistas recientes hablaba de caminar, ejercitarse y cuidar su alimentación como parte de una disciplina cotidiana, no como pose de celebridad.
Ese rasgo es importante porque revela a una mujer que no sólo cultivó su imagen, sino también su equilibrio. Elsa Aguirre no parecía perseguir la juventud; más bien daba la impresión de haber hecho las paces con el tiempo. Mientras otras figuras quedan atrapadas en el recuerdo de lo que fueron, ella siguió apareciendo ante el público con una mezcla de coquetería, lucidez y serenidad. Como si hubiera entendido que la belleza, cuando se sostiene sólo en el rostro, se agota; pero cuando nace también del alma, de la presencia, puede durar toda una vida.
También fue una figura querida porque mantuvo un vínculo cercano con sus admiradores. Aun retirada de la actuación, siguió compartiendo recuerdos, reflexiones y fragmentos de su vida. Su permanencia no dependía ya de estrenos ni de reflectores, sino del afecto de varias generaciones que la recordaban como parte de un cine mexicano donde el rostro de una actriz podía convertirse en patrimonio sentimental.
Elsa Aguirre perteneció a una época en la que el cine mexicano fabricaba mitos, pero su singularidad estuvo en no dejarse devorar del todo por el mito. Fue estrella, sí; fue belleza emblemática, desde luego; pero también fue una mujer disciplinada, reservada, espiritual, resistente y dueña de una elegancia que no necesitaba explicación.
Hoy, al despedirla, no se va solamente una actriz de la Época de Oro. Se va una forma de vivir, de estar frente a la cámara: con misterio, con clase, con luz propia. Una forma de belleza que no pedía permiso ni hacía ruido. Elsa Aguirre no sólo perteneció al Cine de Oro. Fue una de esas presencias que ayudaron a que el cine mexicano brillara con oro propio.
Por: Consejo Editorial de CINESAURIO
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Mary Pickford nació el 8 de abril de 1892 en Toronto, Ontario, Canadá.
Consiguió llegar a ser la persona más poderosa en Hollywood. Sus roles femeninos, ingenuos, de «niñita buena», eran más populares que el vagabundo de Charlie Chaplin.
A los 24 años, no solo fue millonaria, sino la primera que hubo en Hollywood.
Durante veinte años Mary Pickford (Gladys Louise Smith. Actriz canadiense) encarnó el arquetipo de mujer-niña encantadora. Apareció por primera vez en un escenario a los seis años, junto a su hermana Lottie y su hermano Jack.
Trabajó en The Little Teacher, La cabaña del tío Tom, Little Red Schoolhouse y otras obras edificantes. The Warrens of Virginia confirmó su fama de niña prodigio y la animó a estrenarse en el cine.
Conoció a Griffith, quien la hizo intervenir, como ensayo, en su serie burlesca The Jones Family, aunque aún no como protagonista. Alcanzó la fama tras aparecer en: El teléfono (The Lonely Villa), La niña (The Little Darling), La maestrita (The Little Teacher), La muchacha de Arcadia (An Arcadian Maid), Wilful Peggy, entre otras.
En 1911 abandonó la Biograph para ingresar en la IMP (Independent Motion Pictures) de Carl Laemmle, donde actuó en varias películas bajo la dirección de Thomas Ince y George Loane Tucker. Al dejarla, pasó a la Majestic Pictures de Harry Aitken. Participó en Lena and the Geese, A Pueblo Legend, My Baby y, sobre todo, El sombrero de Nueva York (The New York Hat). Se casó el 7 de enero de 1911 con Owen Moore.
Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Charles Chaplin, D.W. Griffith,
En 1913 intentó regresar a sus inicios al volver al teatro con una adaptación de A Good Little Devil, de la condesa de Ségur. A partir de ese momento comenzó a cosechar numerosos éxitos. Firmó un contrato con la Paramount. Cobró mil dólares por semana, suma que se multiplicó por diez en apenas dos años. También se desempeñó como productora y guionista. En 1919 fundó junto a David Wark Griffith, Charles Chaplin y Douglas Fairbanks la productora United Artists.
Mary Pickford ganó el Óscar a la Mejor Actriz en la segunda edición de los Premios de la Academia (celebrada en 1930, reconociendo películas de 1928-1929) por su papel en «COQUETA» (Coquette / (1929). Fue su primer papel sonoro y su único premio de la Academia en competencia, destacando por su transición del cine mudo a sonoro y su campaña personal para el premio.
Cartel publicitario de COQUETA (1929)
Mary Pickford falleció el 29 de mayo de 1979 en Santa Mónica, California.
Premios Óscar
1976 Óscar Honorífico 1929 Mejor actriz – Coquette
Filmografía
1947 High Fury 1945 Gaslight Follies 1933 Secrets 1931 Kiki 1929 The Taming of the Shrew 1929 Coquette 1927 Kiss for Mary Pickford 1927 My Best Girl 1927 The Gaucho 1926 Sparrows 1925 Little Annie Rooney 1924 Dorothy Vernon of Haddon Hall 1923 Hollywood 1923 Rosita 1922 Tess of the Storm Country 1921 Little Lord Fauntleroy 1921 Through the Back Door 1921 The Love Light 1921 Thru Back Door 1920 Suds 1920 Pollyanna 1919 Captain Kidd, Jr. 1919 Heart O’ the Hills 1919 Hoodlum 1919 Daddy Long Legs 1919 The Hoodlum 1918 How Could You, Jean? 1918 Johanna Enlists 1918 Amarilly of Clothesline Alley 1918 Stella Maris 1918 M’Liss 1917 A Poor Little Rich Girl 1917 A Romance of the Redwoods 1917 Rebecca of Sunnybrook Farm 1917 Little Princess 1917 The Pride of the Clan 1917 Little American 1916 Poor Little Peppina 1916 The Foundling 1916 The Eternal Grind 1916 Less Than the Dust 1916 Hulda from Holland 1915 Rags 1915 A Girl of Yesterday 1915 Cinderella 1915 The Foundling 1915 Esmeralda 1915 The Dawn of a Tomorrow 1915 Fanchon the Cricket 1915 Mistress Nell 1915 Madame Butterfly 1915 Little Pal 1914 Hearts Adrift 1914 His Last Dollar 1914 A Good Little Devil 1914 Behind the Scenes 1914 Such a Little Queen 1914 Tess of the Storm Country 1913 In the Bishop’s Carriage 1913 The Unwelcome Guest 1913 Fate 1913 Caprice 1912 The Narrow Road 1912 My Baby 1912 The Mender of Nets 1912 Lena and the Geese 1912 A Lodging for the Night 1912 The New York Hat 1912 Fate’s Interception 1912 A Feud in the Kentucky Hills 1912 A Child’s Remorse 1912 A Beast at Bay 1912 Iola’s Promise 1912 The Inner Circle 1912 Home Folks 1912 The Informer 1912 An Indian Summer 1912 Just Like a Woman 1912 With the Enemy’s Help 1912 Friends 1912 The Female of the Species 1912 The Old Actor 1912 A Pueblo Legend 1912 The One She Loved 1912 So Near, Yet So Far 1912 The Schoolteacher and the Waif 1912 A Siren of Impulse 1911 In Old Madrid 1911 The House That Jack Built 1911 The Aggressor 1911 In the Sultan’s Garden 1911 The Italian Barber 1911 Little Nell’s Tobacco 1911 For Her Brother’s Sake 1911 Her Awakening 1911 Artful Kate 1911 A Decree of Destiny 1911 Dream 1911 A Dog’s Tale 1911 Little Red Riding Hood 1911 When a Man Loves 1911 Three Sisters 1911 Conscience 1911 The Better Way 1911 The Message in the Bottle 1911 A Manly Man 1911 Their First Misunderstanding 1911 The Rose’s Story 1911 Mirror 1910 The Call to Arms 1910 Ramona 1910 An Affair of Hearts 1910 In the Season of Buds 1910 Little Angels of Luck 1910 In the Border States 1910 The Iconoclast 1910 A Gold Necklace 1910 Muggsy’s First Sweetheart 1910 Never Again 1910 Love Among the Roses 1910 Muggsy Becomes a Hero 1910 May and December 1910 The Newlyweds 1910 As It is in Life 1910 Call 1910 An Arcadian Maid 1910 The Griffith Biographs 1910 A Flash of Light 1910 Examination Day at School 1910 The Face at the Window 1910 A Child’s Impulse 1910 The Englishman and the Girl 1910 A Child’s Stratagem 1910 The Woman from Mellon’s 1910 Usurer 1910 A Victim of Jealousy 1910 The Unchanging Sea 1910 The Two Brothers 1910 The Twisted Trail 1910 White Roses 1910 Wilful Peggy 1910 Waiter No. 5 1910 When We Were in Our Teens 1910 What the Daisy Said 1910 A Plain Song 1910 Serious Sixteen 1910 Simple Charity 1910 The Song of the Wildwood Flute 1910 A Romance of the Western Hills 1910 A Rich Revenge 1910 The Thread of Destiny 1910 Sunshine Sue 1910 That Chink at Golden Gulch 1910 Smoker 1910 A Summer Tragedy 1910 The Sorrows of the Unfaithful 1909 The Seventh Day 1909 The Son’s Return 1909 Slave 1909 A Strange Meeting 1909 The Renunciation 1909 The Sealed Room 1909 The Restoration 1909 The Peachbasket Hat 1909 In Old Kentucky 1909 The Awakening 1909 A Midnight Adventure 1909 A Sweet Revenge 1909 Tender Hearts 1909 To Save Her Soul 1909 They Would Elope 1909 Test 1909 The Fascinating Mrs. Francis 1909 The Faded Lilies tor 1909 The Deception 1909 The Gibson Goddess 1909 Getting Even 1909 Her First Biscuits 1909 Sweet and Twenty 1909 The Country Doctor 1909 The Children’s Friend 1909 The Broken Locket 1909 The Cardinal’s Conspiracy 1909 Oh, Uncle! 1909 The Lonely Villa 1909 The Little Teacher 1909 The Little Darling 1909 The Necklace 1909 The Mexican Sweethearts 1909 The Mountaineer’s Honor 1909 His Duty 1909 His Wife’s Visitor 1909 His Lost Love 1909 Lines of White on a Sullen Sea 1909 The Light That Came 1909 In the Watches of the Night 1909 The Indian Runner’s Romance 1908 Mrs. Jones Entertains
Investigación Andrés Bermea; Biografía (Fragmentos) y Filmografía: buscabiografias.com
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El Festival Internacional de Cine en Guadalajara entrega el Mayahuel de Plata a Dolores Heredia por 40 años de trayectoria artística
Dolores Heredia
En el marco de la edición número 40 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), el festival rinde homenaje a la destacada actriz y productora mexicana Dolores Heredia, reconociendo su prolífica trayectoria artística con el Mayahuel de Plata, uno de los máximos galardones del cine mexicano.
Con más de 80 proyectos audiovisuales —entre largometrajes, series y cortometrajes—, y una destacada trayectoria en teatro, Dolores Heredia ha construido una sólida carrera en cine, televisión y escena internacional. A ello se suma su incansable labor como productora, promotora cultural y presidenta de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (2015–2017), consolidándose como una de las intérpretes más versátiles e influyentes del cine nacional. El homenaje del festival se celebrará el viernes 6 de junio en la ceremonia de inauguración en el Auditorio Telmex, e incluirá una retrospectiva cinematográfica que presentará tres de sus películas más emblemáticas:
Chicuarotes – 2019 (dir. Gael García Bernal)
Dos Crímenes – 1994 (dir. Roberto Sneider)
Santitos – 1999 (dir. Alejandro Springall)
Asimismo, como parte del tributo, se publicará un libro conmemorativo de pasta dura, bellamente editado con fotografías de archivo que recorren su vida y obra, y se llevará a cabo una charla – masterclass con la actriz el domingo 8 de junio, abierta al público asistente. El Mayahuel de Plata es un reconocimiento honorífico que el FICG otorga desde 2003 a figuras cuya contribución ha marcado profundamente la historia del cine mexicano e internacional. Su entrega en la edición número 40 del festival cobra especial relevancia al reconocer a una mujer que ha sabido construir puentes entre el arte, la industria y la gestión cultural.
“Recibir este Mayahuel de Plata es profundamente significativo para mí. Son cuatro décadas de vida entregada al arte, y lo celebro con gratitud hacia quienes han caminado conmigo en esta travesía. Es urgente seguir fortaleciendo nuestra industria desde donde estemos: en el set, en la producción, en la gestión o en las aulas. Este premio también es para toda la familia cinematográfica que resiste y crea día con día.”
– Dolores Heredia
Este homenaje también reafirma el compromiso del Festival Internacional de Cine en Guadalajara por reconocer, preservar y celebrar las trayectorias que han dado forma a la cinematografía de nuestro país. En su cuadragésima edición, el FICG no sólo continúa consolidándose como una de las plataformas culturales más importantes de Iberoamérica, sino como un espacio que honra a quienes han dejado huella en nuestra memoria audiovisual colectiva.
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Ya todo el mundo sabe que la película “EMILIA PÉREZ” lidera las nominaciones a los premios OSCAR de la Academia en 13 categorías, es decir que rivaliza con clásicos portentosos como: LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ, DE AQUÍ A LA ETERNIDAD, ¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF?, EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA COMUNIDAD DEL ANILLO, CHICAGO… por citar algunas e incluso con una más que la espectacular y eterna BEN-HUR (de 1959) que tuvo 12…
Esto me despierta varias preguntas:
¿Esto habla bien de “Emilia” o habla mal de los hoy miembros de la Academia?… ¿Está a la altura de las mencionadas o la Academia bajó el “rasero” con que califica las películas este año?…
Para la siguiente pregunta hay que considerar algo muy importante. El OSCAR nació como un premio ¡al mérito cinematográfico! ¿Tendrá “Emilia” más méritos que EL BRUTALISTA o WICKED que le siguen mucho más abajo con 10 nominaciones cada una. En lo PERSONAL mi respuesta es NO. Otro aspecto para tener presente es que a los Óscar NO votan ni los periodistas especializados en cine, ni los académicos, NI LOS CRÍTICOS de los diferentes medios; son los mismos miembros de la industria quienes votan por sí mismos en las diferentes categorías. El Óscar es un premio de la industria NO de la crítica. También me pregunto si la Academia ¿Estará ahora subordinada a “cuotas” de género, nacionalidad, etnia o de otras “agendas”? No tengo la evidencia pero sí lo creo. ¿Por qué? Porque tiene ya varios años tratando de mantener y elevar en número una audiencia que se escurre entre las manos. Los “ratings” a la baja. Y la transmisión de la ceremonia es ya sobre todo un producto comercial de muchos millones de dólares.
Pero vamos con las nominaciones de “Emilia” y anticipo que en mis comentarios habrá SPOILERS.
Guion adaptado: La película tiene como punto de partida la novela «Écoute» de Boris Razón, no encontré que estuviera publicada en español y se publicó en francés en 2018: la traducción literal del título es “escuchar”. Pero toma básicamente al personaje central y después toma su propio camino. La novela tenía como intención convertirse en una ópera, tal vez de ahí los números musicales, pero creo que en todo caso la película sería una “ópera bufa”. La ópera bufa se enfoca en historias cómicas, a menudo de enredos, malentendidos, situaciones absurdas o personajes extravagantes. De ahí en adelante resulta ser una ensalada bastante desafortunada de drama (telenovelesco) con, film noir, comedia, thriller, acción, crimen, romance, narco, sexualidad, musical, etc. Para colmo resulta que en la película el “narco protagonista” es de ¡Monterrey!!! Cuando Nuevo León no figura siquiera entre los 15 estados con mayor número de bandas del narco o grupos criminales. Los principales estados son: Sinaloa, Jalisco, Michoacán, etc.
Nominación: Inmerecida. El guion padece de graves hoyos argumentales.
“Actriz” en un rol protagónico – Karla Sofía Gascón. Aunque creo que no merece nominación en esta categoría, NO entraré en una discusión interminable sobre si merece o no estar por ser persona “trans”. Me atengo a lo que se ve en pantalla. De entrada el personaje está mal construido y carece de un verdadero soporte que lo sostenga. El “arco” no tiene pilares. A mí parecer nunca justifica adecuadamente porqué quiere dejar de ser un narco “riquisisímo”, “poderosísimo” y despiadado, cuando las opciones podrían haber sido: a) Ya está agotado de correr, esconderse y ser perseguido por las bandas rivales o la “justicia”. b) porque finalmente ya no se acepta como varón y ahora quiere tener cuerpo de mujer incluso a costa de perder a su familia. c) la combinación de “a” y “b” para no ser localizado por nadie (Y… ¿La huella del dinero Apa?) o d) porque ya quiere ser “bueno”, un reconocido filántropo y quiere ser al estilo de Evita Perón “santificado” en su fiesta patronal.
Nominación: Inmerecida. Es un personaje terriblemente fingido. Tiene enfrente a: Demi Moore (LA SUSTANCIA) y a Fernanda Torres (AÚN ESTOY AQUÍ).
Interpretación de una actriz de reparto – Zoe Saldaña- En las categorías de actuación lo más rescatable. Aunque tiene raíces latinas su acento acaba poniéndola en evidencia que no es mexicana. Pero es innegable que les da cátedra a Karla y no digamos a Selena Gomez que sencillamente está irrisoria.
Nominación: aceptable. Es de las actrices versátiles denominadas “Triple amenaza”: Actúa, canta (ella interpreta sus temas y baila.
Tiene enfrente a: Felicity Jones (EL BRUTALISTA) y a Monica Barbaro – (UN COMPLETO DESCONOCIDO).
Adriana Paz
Rescato del reparto a la mexicana tres veces ganadora del Ariel Adriana Paz que cada vez que está en pantalla (En total un poco más de 11 minutos) se “roba” la escena. Por cierto, es la única verdadera actriz mexicana en la película que entiendo fue rodada en París. #AdrianaPaz
Dirección – Jacques Audiard (y quien también escribió el guion) Trató de ser original y se perdió en el intento pues finalmente más que narrar una verdadera historia, cuenta mal un cuentecito absurdo, inverosímil y risible. Vaya las telenovelas hacen mejor papel.
Nominación: Inmerecida. Tiene enfrente a: Brady Corbet (EL BRUTALISTA) y a James Mangold (UN COMPLETO DESCONOCIDO).
Mejor largometraje internacional (Francia) Podría ser su “premio” de consolación, pero… pero… tiene enfrente a: la brasileña (AÚN ESTOY AQUÍ) y a la alemana LA SEMILLA DEL FRUTO SAGRADO.
Fotografía y Edición como en las viejas películas del cine insólito de Juan Orol, es lo que salva a la película del estrépito total. La primera porque medianamente cubre las fallas actorales del reparto y las pobres locaciones y sets, y la segunda porque le da cierto ritmo a un guion que parece estar escrito en una servilleta.
Nominaciones: Inmerecidas (No malas pero no como para un Oscar)
Tienen enfrente a EL BRUTALISTA.
Mejor canción – Tiene dos nominadas: “El mal” que tiene posibilidades y “Mi camino” a la que no le veo posibilidad alguna. Tienen enfrente a: «The Journey» de SEIS TRIPLE OCHO y a «Like a Bird» de LAS VIDAS DE SING SING.
Mejor Película – Sería una TE-RRI-BLE decepción y pondría en evidencia que los miembros de la Academia sucumbieron ante las “cuotas” impuestas por la industria, el marketing y sus jerarcas.
En síntesis: “Ridícula”. Ridícula es una palabra que el Diccionario de la Real Academia Española define como: 1. Adjetivo: Que por su rareza o extravagancia mueve o puede mover a risa. Similar: irrisorio, grotesco, absurdo… Le aplican todos…
Nominación: Inmerecida. Tiene enfrente a: EL BRUTALISTA y a UN COMPLETO DESCONOCIDO.
Members of the #Academy, if you are going to put me on the «Blacklist» because of my review, It’s up to you. I will save my tuxedo and my “gratitude speech” for a better occasion… Hahahahaha…
No, no me refiero a la actriz de la serie de televisión sino a HEDY LAMARR pues pocos saben que además de ser una mujer que deslumbró con su belleza al público cinematográfico, dejó además de sus películas como actriz, un legado científico que hoy son la base para ¡el Wi-Fi, el Bluetooth y el GPS!
A menudo llamada «La mujer más bella del cine«, la belleza y la presencia en pantalla de Hedy Lamarr la convirtieron en una de las actrices más populares de su época.
Nació como Hedwig Eva Maria Kiesler el 9 de noviembre de 1914 en Viena, Austria. A los 17 años, Hedy protagonizó su primera película, un proyecto alemán llamado Geld auf der Strase. Hedy continuó su carrera cinematográfica trabajando en producciones alemanas y checoslavas. La película alemana de 1932, Exstase, llamó la atención de los productores de Hollywood y pronto firmó un contrato con MGM.
Una vez en Hollywood, cambió oficialmente su nombre a Hedy Lamarr y protagonizó su primera película de Hollywood, Algiers (1938), junto a Charles Boyer. Continuó consiguiendo papeles junto a los actores más populares y talentosos de la época, incluidos Spencer Tracy, Clark Gable y Jimmy Stewart. Algunas de sus películas incluyen una adaptación de Tortilla Flat (1942) de John Steinbeck, White Cargo (1942), Samson and Delilah (1949) de Cecil B. DeMille y The Female Animal (1957).
Más allá del brillo y el glamour de Hollywood
Como si no fuera suficiente ser una actriz hermosa y talentosa, Hedy también era una matemática, científica e innovadora talentosa. Junto con el famoso compositor George Antheil, Lamarr patentó el «Sistema de comunicación secreta» durante la Segunda Guerra Mundial. Su idea, ahora conocida como «salto de frecuencia», se refería a una forma en que los transmisores de guía por radio y los receptores de torpedos saltaban simultáneamente de una frecuencia a otra. La invención de la estrella de Hollywood buscaba poner fin a la interceptación de estrategias, señales y mensajes militares clasificados por parte de los enemigos. Si bien la tecnología de la época impidió la viabilidad del «salto de frecuencia» al principio, la llegada del transistor y su posterior reducción de tamaño impulsaron la idea de Lamarr tanto en el ejército como en la industria de la telefonía celular.
En general, la actriz de Hollywood introdujo la tecnología que serviría como base de los sistemas de comunicación modernos WiFi, GPS y Bluetooth. Su creación del «salto de frecuencia«, cuyo valor se estima en 30.000 millones de dólares, la llevó a recibir el Premio Pionero de la Electronic Frontier Foundation, así como el Premio Bulbie Gnass al Espíritu de Logro de la Convención de Invenciones.
El impresionante logro tecnológico de Lamarr combinado con su talento actoral y su calidad de estrella hacen de «La mujer más bella del cine» una de las mujeres más talentosas e inteligentes no solo de Hollywood sino también del ámbito STEM.
La actriz, quien se dio el lujo de elegir al mismísimo Luis Buñuel como su director y servir como salvadora de la destrucción de una copia de uno de filmes más famosos del director a manos del fascismo, falleció en Ciudad de México dejando atrás una de las carreras más largas y prolíficas del espectáculo hispanoamericano.
Silvia Pinal Hidalgo nació en Ciudad de México el Día del Grito de Dolores, el 16 de septiembre, pero de 1931.
* Pese a que esta es la fecha de nacimiento más difundida en registros y medios de comunicación que confirmaría sus 93 años en el momento de su muerte, su propia familia aseguraba no conocer con exactitud su edad.
“Quién sabe. Ella pudo haber cambiado su acta de nacimiento en algunos que otros momentos, entonces no sabemos qué edad (cumple) bien, bien, bien, pero calculamos que 94″, dijo su hijo Luis Enrique Guzmán durante la celebración de su último cumpleaños el pasado septiembre, según recogió el medio Infobae.
Cuando nació hace más de nueve décadas, su padre biológico, Moisés Pasquel, no la reconoció como su hija legítima. Sin embargo, Luis Pinal Blanco, un periodista, militar y político, con quien se casó su madre, María Luisa Hidalgo Aguilar, tiempo después registraría a Silvia como su hija y le daría su apellido.
En su juventud, Pinal combinó su trabajo como secretaria con clases de ópera. Su primer paso hacia la fama ocurrió cuando fue invitada a participar en un certamen de belleza, en el que obtuvo el título de Princesa Estudiantil de México; en su coronación conoció a los actores mexicanos Rubén Rojo y Manolo Fábregas.
Durante su estancia en la academia de música audicionó para conseguir un papel en la ópera La Traviata, en la cual no logró éxito alguno. Después de ese fracaso, fue alentada por un profesor para que ingresara en la academia de Bellas Artes de México, donde fue alumna de los famosos dramaturgos Carlos Pellicer, Salvador Novo y Xavier Villaurrutia.
Aún como secretaria en una farmacéutica, Pinal conoció al actor y director mexicano de origen español Rafael Banquells durante una participación que tuvo durante la grabación de una comedia de radio. Ambos comenzaron una relación laboral y de amistad que derivó en matrimonio en el año de 1947, del cual fue padrino el mismísimo Mario Moreno ‘Cantinflas’.
El debut de Silvia Pinal en el cine
En 1949, Pinal debutó en el cine con un papel en la cinta El pecado de Laura, donde trabajó junto a su marido, Rafael Banquells.
Durante la década de 1950, se mantuvo muy activa en la pantalla grande en películas como El Rey del Barrio (1950), junto a Germán Valdez Tin-Tan; Un Rincón Cerca del Cielo (1952) y Un Extraño en la Escalera (1954), protagonizada junto a Arturo de Córdova, y en la que fue descubierta en ella la expresión más excitante y sensual del cine mexicano de aquella época.
En 1956, estelarizó junto a Pedro Infante, el ícono del cine mexicano, la cinta El Inocente. Ese mismo año protagoniza por primera y única vez bajo las órdenes del afamado director mexicano Emilio ‘El Indio’ Fernández la película Una Cita de Amor.
El éxito y la popularidad que alcanzó Pinal en México a finales de la década de 1950 le abrieron las puertas para trabajar en Europa.
Su primer trabajo en ese continente fue la cinta hispano-mexicana Las Locuras de Bárbara (1958). En España, trabajó en la película musical Charleston, Maribel y la Extraña Familia (1960) y, un año más tarde, en el musical español Adiós, Mimí Pompom.
