VALENTE QUINTANA: UN DETECTIVE DE PELÍCULA

HISTORIAS DEL CINE JAMÁS CONTADAS…

En el cine es frecuente ver a un actor interpretar a un personaje que existió realmente. Lo extraordinario es que ese personaje aparezca personalmente en la película para presentar a su alter ego cinematográfico.

Pues bien, eso sucedió en México. Y no una, sino dos veces.

Valente Quintana

El protagonista de esta curiosa historia fue Valente Quintana, uno de los investigadores criminales más famosos del país durante la primera mitad del siglo XX, conocido popularmente como el Sherlock Holmes mexicano.

Nacido en Matamoros, Tamaulipas, en 1889, Quintana desarrolló una carrera que parecía escrita por un novelista de historias policiacas. Investigó asesinatos, fraudes, secuestros y robos espectaculares. Utilizaba disfraces, recurría a informantes y podía infiltrarse entre delincuentes para conseguir información.

Uno de sus grandes triunfos ocurrió en 1921, cuando participó en la captura de los responsables del sangriento asalto al tren de Laredo. Aquel caso contribuyó a convertirlo en una celebridad.

Su fama llegó a tal grado que, en 1952, la productora Filmex llevó a los estudios dos historias inspiradas en sus investigaciones.

La primera fue El mensaje de la muerte, inicialmente titulada El plagio del millonario, dirigida por Zacarías Gómez Urquiza y estrenada el 2 de mayo de 1953 en el cine Palacio Chino de la Ciudad de México.

La segunda, El misterio del carro express, cuyo título anterior era El crimen del tren de Laredo, se estrenó el 22 de julio del mismo año en el cine Nacional.

En ambas, el actor Miguel Torruco interpretaba a Valente Quintana.

Pero lo verdaderamente insólito ocurría al principio.

Las películas incluían un prólogo con la participación del detective auténtico, quien aparecía ante las cámaras junto al hombre que lo representaría durante el resto de la historia.

Valente Quintana y el actor Miguel Torruco

El investigador de carne y hueso presentaba así a su propia versión cinematográfica.

¡Una manera bastante ingeniosa de decirle al público que lo que estaba por contemplar tenía sus raíces en hechos reales!

En ambas producciones participó también Rebeca Iturbide y hubo intervenciones musicales de Tongolele y los célebres Nicholas Brothers. Porque en nuestro cine, incluso una investigación criminal podía encontrar espacio para un buen espectáculo musical.

La historia tiene otra ironía deliciosa.

En una entrevista publicada en 1925, Quintana había criticado las películas de policías y ladrones porque consideraba que enseñaban métodos útiles a los delincuentes.

Veintiocho años después, el propio detective aparecía en dos de ellas.

Su vida, desde luego, no estuvo libre de controversias. Detrás de su extraordinaria reputación existieron también acusaciones de corrupción e investigaciones políticas cuestionadas por historiadores posteriores; de hecho dos veces pisó la infame cárcel de Belén (Cárcel General), en ambos casos salió pocos días después por falta de pruebas.

Pero eso forma parte precisamente de lo fascinante del personaje: un investigador cuya vida contenía suficientes luces, sombras, peligros y contradicciones para alimentar numerosas películas.

Y pensar que una de las mejores escenas de su carrera cinematográfica ni siquiera necesitó un guionista.

Bastó con poner frente a la cámara al detective verdadero y al actor que iba a convertirse en él.

A veces, la realidad también sabe escribir excelentes escenas de cine.

¡Y ahora la cereza del pastel! Te invito a ver el prólogo de EL MENSAJE DE LA MUERTE con el propio Valente Quintana presentando al actor Miguel Torruco su alter ego en la película


Y si quieres ver la película completa, haz Clic sobre la siguiente pantalla y acTiva el modo de pantalla completa.


GODZILLA VUELVE A RUGIR… DESDE CASA!

GODZILLA MINUS ZERO, continuación de la multipremiada GODZILLA MINUS ONE, ya está en los cines de México. El monstruo más famoso de Japón regresa más grande, más ruidoso y con algo que Hollywood no siempre puede fabricar: memoria.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Godzilla tiene más de setenta años, ha destruido Tokio incontables veces, peleado contra monstruos imposibles y hasta emigrado a Hollywood.

Pero de vez en cuando vuelve a casa.

GODZILLA MINUS ZERO (Godzilla Minus Zero) llegó a los cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, dos días después de su estreno en Japón y un día antes de desembarcar en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y otros mercados.

La película continúa directamente la historia de GODZILLA MINUS ONE (Godzilla Minus One, 2023), la producción japonesa que sorprendió al mundo al combinar espectáculo de monstruos con un drama sobre culpa, supervivencia y las heridas dejadas por la Segunda Guerra Mundial.

Y además consiguió algo que hasta entonces ningún Godzilla había logrado: ganar el Óscar a Mejores Efectos Visuales.

Detrás vuelve a estar Takashi Yamazaki, nuevamente como director, guionista y responsable de los efectos visuales. La historia avanza dos años respecto a la anterior: Japón intenta reconstruirse y recuperar cierta normalidad después de la guerra y del ataque de Godzilla.

Naturalmente, la tranquilidad dura poco.

La película dura 135 minutos y recupera varios personajes de la cinta anterior, entre ellos Kōichi Shikishima y Noriko. Esta vez la amenaza crece tanto en escala como en ambición, pero Yamazaki conserva algo que distinguió a MINUS ONE de muchas superproducciones contemporáneas: antes de preocuparse por el monstruo, procura que nos preocupemos por las personas que están debajo de sus enormes patas.

Y hay otra novedad importante.

GODZILLA MINUS ZERO es la primera producción japonesa rodada bajo el programa “Filmed for IMAX”, lo que convierte la experiencia de pantalla grande en parte importante de su propuesta. Toho incluso organizó funciones anticipadas IMAX alrededor del Godzilla Day del 3 de noviembre.

Las primeras críticas han sido mayoritariamente favorables, aunque no unánimes. Algunos críticos celebran que sea más grande, oscura y visualmente espectacular que su predecesora; otros consideran que el drama humano ocupa demasiado espacio frente al espectáculo monstruoso. En Rotten Tomatoes aparece actualmente con 90% de aprobación de la crítica y 96% del público verificado.

Pero quizá lo más interesante sigue siendo otra cosa.

Hollywood convirtió a Godzilla en protagonista de una enorme franquicia internacional.

Japón, en cambio, volvió a utilizarlo como lo hizo desde 1954: no solamente como monstruo, sino como reflejo de los miedos de una sociedad.

Destrucción.

Guerra.

Radiación.

Trauma.

Reconstrucción.

Por eso Godzilla puede atravesar ciudades y décadas sin desaparecer.

A veces es espectáculo.

A veces es metáfora.

Y cuando vuelve a Japón, suele ser las dos cosas al mismo tiempo.

Después de todo, hasta los monstruos saben dónde está su casa.





EL GATO CON SOMBRERO: ¿DIVERSIÓN INOCENTE O DEMASIADAS TRAVESURAS?

La nueva película animada de Warner Bros. llega a los cines mexicanos con una promesa de magia, caos e irreverencia. Pero ¿Es realmente recomendable para los niños?

Ante el estreno de esta aventura animada, CINESAURIO revisó información oficial, entrevistas con sus creadores y evaluaciones de críticos y especialistas para ofrecer a los padres elementos que les ayuden a decidir si es una película apropiada para sus hijos.

El famoso personaje creado por Dr. Seuss en 1957 regresa a la pantalla grande con El Gato con Sombrero (The Cat in the Hat, 2026), una producción animada dirigida por Erica Rivinoja y Alessandro Carloni, con Bill Hader como la voz original del travieso felino y Alfonso Herrera en el doblaje mexicano.

Alfonso Herrera protagoniza el doblaje en Español

La historia presenta a Gabby y Sebastián, dos hermanos que atraviesan momentos difíciles después de mudarse a otra ciudad. Para devolverles la alegría aparece un gato extravagante que tiene una solución para todo: imaginación, magia y unas travesuras que suelen terminar en un desorden monumental.

Hasta aquí, entretenimiento infantil. Pero hay algo que merece nuestra atención.

¿Diversión o invitación a desobedecer?

Durante la infancia, especialmente entre los tres y siete años, los niños todavía están desarrollando su capacidad para distinguir las consecuencias reales de las acciones que observan en la ficción.

Un personaje que rompe las reglas, desafía a los adultos y provoca desastres sin consecuencias aparentes puede resultarles muy atractivo.

¿Significa que después de ver la película los pequeños saldrán a destruir la casa? Por supuesto que no. Los niños no son máquinas que reproducen automáticamente lo que ven.

Sin embargo, desde la psicología y la educación, importa observar si las conductas inadecuadas aparecen acompañadas de consecuencias y aprendizajes, o si solamente son celebradas porque provocan carcajadas.

¿Qué pretenden realmente sus creadores?

En una entrevista con Cartoon Brew, los directores explicaron que buscan abordar un problema contemporáneo: niños cada vez más absorbidos por las pantallas, los videojuegos y las redes sociales, pero desconectados de sus familias.

La intención declarada es recuperar la imaginación, la convivencia y la capacidad de disfrutar el presente.

No encontramos evidencias de una agenda oculta para promover la desobediencia o destruir los valores familiares. Más bien, la película parece utilizar el caos como vehículo para hablar de afecto, adaptación a los cambios y comprensión entre padres e hijos.

Lo bueno y lo cuestionable

A favor: imaginación desbordante, creatividad visual, humor y mensajes positivos sobre la familia, la amistad y la importancia de comprender los sacrificios de los padres.

En contra: algunas críticas advierten de humor escatológico, lenguaje inconveniente para los pequeños, violencia caricaturesca, escenas con monstruos que pueden asustarlos y un ritmo visual excesivamente acelerado.

No necesariamente son elementos perjudiciales, pero tampoco conviene ignorarlos.

Entonces, ¿a qué edad?

Nuestra recomendación orientativa es reservarla preferentemente para niños de ocho años en adelante, acompañados por sus padres. Entre los seis y siete años dependerá de su madurez y sensibilidad. Para los menores de seis, sería preferible elegir una película más tranquila.

La clasificación estadounidense es PG, que recomienda orientación de los padres. En México, las fuentes consultadas muestran clasificaciones distintas, por lo que conviene verificar la correspondiente a la exhibición elegida.

El balance de CINESAURIO

El Gato con Sombrero parece tener buenas intenciones, aunque su manera de transmitirlas puede resultar demasiado estridente.

No es necesario prohibir las travesuras cinematográficas. La imaginación también necesita romper algunas reglas… ¡por lo menos las de la fantasía!

Lo importante es que los niños comprendan que divertirse no significa hacer lo que se nos antoje sin pensar en los demás.

Y si después de la función padres e hijos conversan sobre lo que vieron, quizá el gato haya conseguido algo mejor que provocar carcajadas: dejar una pequeña enseñanza debajo de su enorme sombrero.


Nota editorial: Este artículo se elaboró a partir de información oficial, entrevistas con los realizadores y reseñas de críticos y especialistas que han visto la película. No constituye una crítica basada en un visionado propio. Las edades sugeridas son una orientación editorial para las familias, no una clasificación oficial ni una evaluación clínica sobre sus posibles efectos en los niños.





Netflix quiere que salgas de tu casa

THE FURTHER MIS-ADVENTURES OF CLIFF BOOTH llegará primero a IMAX y después a streaming. David Fincher retoma al inolvidable personaje de ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD, con Brad Pitt de nuevo al volante y Quentin Tarantino escribiendo el guion.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante años, Netflix quiso convencernos de algo muy sencillo:

“Quédate en casa”.

La plataforma creció precisamente ofreciendo una alternativa a las salas de cine. Pero ahora parece dispuesta a demostrar que también sabe jugar del otro lado de la pantalla.

El próximo 25 de noviembre, Netflix estrenará THE FURTHER MIS-ADVENTURES OF CLIFF BOOTH en una corrida exclusiva de dos semanas en las salas IMAX de Cinépolis. Después, el 23 de diciembre, la película llegará a NETFLIX.

Y no se trata de cualquier personaje.

Cliff Booth nació en ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD (Once Upon a Time… in Hollywood, 2019), de Quentin Tarantino. Brad Pitt interpretaba ahí al doble de acción, chofer, amigo y hombre para todo de Rick Dalton, el actor encarnado por Leonardo DiCaprio.

El personaje terminó convirtiéndose en uno de los grandes atractivos de aquella película y le dio a Pitt el Óscar como actor de reparto.

Ahora vuelve.

Pero Hollywood también cambió.

La nueva historia se sitúa en 1977, ocho años después de los acontecimientos de la película original. Cliff ya no es solamente un doble de acción. Trabaja como cantinero y proyeccionista, pero también como una especie de “arreglador” de problemas para gente poderosa de Hollywood.

Problemas que incluyen asesinato, chantaje, robo y extorsión.

Nada grave. Un martes cualquiera en Los Ángeles.

La combinación detrás de cámaras resulta especialmente atractiva: Quentin Tarantino escribió el guion, pero David Fincher dirige.

Es decir, el personaje conserva el ADN de Tarantino, pero ahora pasa por la mirada fría, precisa y obsesiva de Fincher.

El primer borrador de Tarantino tenía unas 230 páginas. Fincher dijo que aquello era prácticamente “dos películas”, por lo que hubo que reducirlo considerablemente antes de filmar.

A eso se suma otra marca Fincher: Trent Reznor y Atticus Ross compondrán la música, en su sexta colaboración cinematográfica con el director después de títulos como RED SOCIAL, PERDIDA, MANK y EL ASESINO.

Pero quizá lo más interesante está fuera de la película.

Netflix, uno de los grandes responsables de cambiar nuestra manera de consumir cine, ahora está utilizando IMAX como parte del acontecimiento.

Primero quiere que salgamos de casa.

Luego nos dejará verla en el sillón.

Tal vez streaming y salas ya no estén obligados a ser enemigos.

Quizá el negocio esté descubriendo algo mucho más sencillo:

hay películas que uno quiere ver en casa.

Y hay otras que primero necesitan una pantalla enorme, sonido brutal… y unas buenas palomitas.



Netflix también quiere su tajada de Notre-Dame

QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS llega a Netflix con Vincent Cassel y una idea irresistible: imaginar la vida del hombre que pudo inspirar al inmortal jorobado de Víctor Hugo. El problema -o quizá lo más interesante- es que nadie puede asegurar que aquel Quasimodo haya existido realmente.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

¿Las plataformas le están quitando una tajada a las salas de cine?

La discusión lleva años sobre la mesa. Mientras los cines apuestan por pantallas gigantes, sonido envolvente y películas convertidas en “acontecimientos”, Netflix sigue teniendo otra ventaja formidable: puede llevar hasta nuestra sala historias que, no hace mucho, quizá habríamos tenido que buscar en una cartelera.

Ahora le toca el turno a Quasimodo.

Netflix estrenará en México el 27 de noviembre QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS (Quasimodo, l’âme de Paris), película francesa dirigida por Jean-François Richet y protagonizada por Vincent Cassel, acompañado por Karim Leklou, Daphné Patakia, Benjamin Voisin y Noémie Lvovsky.

Pero ésta no es otra adaptación de NUESTRA SEÑORA DE PARÍS.

La película retrocede hasta 1830 y propone imaginar la vida del hombre que habría inspirado a Víctor Hugo para crear a Quasimodo. Cassel interpreta a un cantero jorobado, visto como un monstruo por quienes lo rodean, mientras París se agita entre revolución, epidemia de cólera y una historia de amor imposible. Netflix define expresamente la película como una “reimaginación” de aquel supuesto personaje real.

Y aquí comienza lo verdaderamente sabroso.

¿Existió Quasimodo?

En 2010, el archivista Adrian Glew encontró entre los papeles del escultor británico Henry Sibson, conservados por la Tate, una referencia a artesanos que trabajaban en París durante la década de 1820. Sibson mencionaba a un escultor del gobierno que era jorobado y al que conocían simplemente como “Le Bossu”, “el jorobado”. Los trabajadores estaban vinculados con obras en Notre-Dame y se movían en ambientes cercanos a Víctor Hugo.

La coincidencia es fascinante.

Pero coincidencia no significa prueba.

No existe documento conocido en el que Hugo diga: “este hombre fue mi Quasimodo”. Incluso desconocemos el verdadero nombre de aquel escultor. La conexión es una hipótesis histórica plausible, no la biografía comprobada del campanero de Notre-Dame.

Y justamente ahí parece estar el atractivo de la película.

Entre la historia comprobable, la leyenda que creció alrededor de ella y la libertad del cine para llenar los espacios vacíos, Netflix encontró terreno perfecto para contar algo nuevo sobre un personaje que conocemos desde hace casi dos siglos.

Quizá QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS no vaya a revelarnos quién fue el verdadero Quasimodo.

Pero sí puede conseguir algo igualmente interesante:

hacernos preguntar si antes del mito hubo realmente un hombre.

Y esta vez no tendremos que subir hasta el campanario para encontrarlo.

Bastará abrir Netflix.

Mira aquí el tráiler

Quasimodo, el alma de París | Tráiler oficial | Netflix



Homero, ahora con prompt

Grok Imagine, la inteligencia artificial de Elon Musk, publicó los primeros siete minutos de su propia versión de LA ODISEA. Mientras Christopher Nolan convirtió a Homero en un espectáculo cinematográfico gigantesco, la IA intenta demostrar que también puede llegar a Ítaca.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Homero debe estar pasando una temporada bastante movida.

Después de que Christopher Nolan convirtiera LA ODISEA (The Odyssey) en uno de los grandes acontecimientos cinematográficos recientes, apareció un nuevo competidor dispuesto a contar las aventuras de Odiseo.

Solo que éste no necesita cámaras, barcos ni miles de extras.

Necesita prompts.

El pasado 23 de octubre, Grok Imagine, la herramienta de generación de imágenes y video de xAI, publicó el primer episodio de una versión de LA ODISEA creada mediante inteligencia artificial. Dura poco más de siete minutos y fue realizada en colaboración con Wonder Studios y el director Dev Walker, ambos especializados en producción audiovisual con IA.

El proyecto había sido anunciado en julio por Elon Musk con una promesa bastante ambiciosa: antes de terminar 2026, Grok produciría un largometraje completo, “históricamente preciso” y fiel al poema de Homero.

Por ahora tenemos siete minutos.

El episodio muestra a Odiseo antes de partir hacia la Guerra de Troya, resistiéndose inicialmente a participar hasta que un antiguo juramento termina obligándolo a embarcarse.

Y aquí comienza lo interesante.

Porque casi simultáneamente tenemos dos maneras radicalmente distintas de enfrentarse a un texto escrito hace casi tres mil años.

Por un lado está Nolan: producción física, grandes escenarios, actores, cámaras, fotografía, montaje, sonido y una obsesión casi religiosa por hacer que el espectador vaya a una sala de cine.

Por el otro está Grok Imagine: instrucciones escritas a una inteligencia artificial que genera personajes, escenarios, movimientos y voces a partir de modelos digitales.

En teoría, ambos parten del mismo sitio.

Homero.

Pero el camino hacia Ítaca no podría ser más distinto.

La primera muestra de Grok también evidencia que la tecnología todavía tiene dificultades. Medios especializados han señalado problemas de sincronización entre voces y rostros, movimientos artificiales y una interpretación visual irregular. Incluso la propia Grok, al ser consultada posteriormente sobre la supuesta “precisión histórica”, reconoció que semejante promesa es complicada: LA ODISEA es, después de todo, un poema mitológico, no una crónica periodística de la Edad de Bronce.

Y quizá allí esté la verdadera historia.

No se trata de decidir todavía si la inteligencia artificial podrá algún día hacer una buena película.

La pregunta es otra:

¿Qué convierte a una sucesión de imágenes en cine?

¿La tecnología?

¿El presupuesto?

¿La cámara?

¿Los actores?

¿O las decisiones humanas que determinan por qué una imagen aparece después de otra?

Grok tiene hasta fin de año para cumplir su promesa de completar el largometraje.

Mientras tanto, Homero probablemente observa todo desde algún lugar.

Después de casi tres mil años, descubrir que ahora también necesita aprender a escribir prompts debe ser su aventura más extraña.

Creo que aquí el contraste Nolan vs. Grok funciona mucho mejor que hacer una simple nota tecnológica. El verdadero personaje termina siendo el cine mismo: dos caminos para contar exactamente la misma historia y dos ideas muy distintas de lo que significa hacer una película.



DOLLY PARTON: CONVIRTIÓ LAS LENTEJUELAS EN LUZ PROPIA

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Dolly Parton murió este martes 25 de agosto de 2026, a los 80 años, en Nashville, Tennessee. La noticia fue confirmada por su familia y representantes. Hasta el momento no se ha informado oficialmente la causa de su muerte; distintos medios señalan que en los últimos meses había enfrentado problemas de salud, pero la versión pública disponible se limita a indicar que falleció pacíficamente.

Con Dolly Parton se va mucho más que una estrella de la música country. Se va una de esas figuras rarísimas que parecían inventadas por el propio espectáculo: voz prodigiosa, pelucas imposibles, vestidos brillantes, humor afilado, inteligencia empresarial y una capacidad enorme para reírse de sí misma antes de que alguien más intentara hacerlo.

Dolly Rebecca Parton nació el 19 de enero de 1946 en Pittman Center, Tennessee, y creció en una familia pobre de las montañas Smoky.

Dolly Parton en los Premios Óscar de 2006

Reuters recuerda que fue una de doce hijos y que su origen humilde marcó profundamente su música, sus letras y su manera de relacionarse con el público. De ahí salió una artista que nunca renegó de sus raíces, pero tampoco permitió que la encerraran en ellas.

Su carrera musical fue monumental. Escribió miles de canciones, vendió más de 100 millones de discos y dejó títulos que ya forman parte de la memoria popular: “Jolene”, “Coat of Many Colors”, “9 to 5” y, por supuesto, “I Will Always Love You”, canción que ella compuso y que décadas después Whitney Houston convirtió en fenómeno mundial. Reuters la describe como autora de aproximadamente 3,000 canciones y una de las figuras más reconocibles de la cultura popular estadounidense.

Pero en CINESAURIO nos toca mirarla también desde la pantalla. Dolly debutó en cine con COMO ELIMINAR A SU JEFE (9 to 5, 1980), junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, una comedia laboral que hoy se recuerda como una pequeña bomba feminista envuelta en humor. IMDb señala que por esa película obtuvo una nominación al Óscar por la canción principal, además de premios Grammy por “Nine to Five”.

Después vinieron LA MEJOR CASITA DE PLACER (The Best Little Whorehouse in Texas, 1982), con Burt Reynolds; EL TAXISTA CARADURA (Rhinestone, 1984), con Sylvester Stallone; MAGNOLIAS DE ACERO (Steel Magnolias, 1989), junto a Sally Field, Shirley MacLaine, Olympia Dukakis, Daryl Hannah y Julia Roberts; FAMOSA POR ERROR (Straight Talk, 1992); y RUIDOS GOZOSOS (Joyful Noise, 2012), con Queen Latifah. Su filmografía nunca fue tan extensa como su discografía, pero sí dejó una presencia reconocible: Dolly no “aparecía” en pantalla; entraba como si la luz la hubiera estado esperando.

Como actriz tenía una virtud muy difícil: parecía natural incluso cuando todo en ella era deliberadamente actuado. Su imagen era grande, brillante, exagerada, casi de caricatura; pero detrás de esa superficie había una persona cálida, precisa, inteligente y dueña absoluta de su personaje público. Ella misma convirtió el exceso en marca personal. Las lentejuelas, el peinado, el maquillaje y el humor no eran disfraz: eran armadura, bandera y declaración de independencia.

Dolly Parton en el Songwriters Hall of Fame

Sus premios hablan de una carrera fuera de serie. Fue reconocida con múltiples Grammy; ingresó al Country Music Hall of Fame, al Songwriters Hall of Fame y al Rock & Roll Hall of Fame; recibió la National Medal of Arts y los Kennedy Center Honors. En 2025, la Academia de Hollywood anunció que Dolly Parton recibiría el Premio Humanitario Jean Hersholt, uno de los reconocimientos más importantes que otorga la industria cinematográfica por labores filantrópicas.

Y justamente ahí aparece otra Dolly: la filántropa. Su Imagination Library distribuyó millones de libros gratuitos a niños; también apoyó causas educativas, víctimas de desastres y proyectos de salud. AP recuerda que donó un millón de dólares a investigaciones relacionadas con la vacuna contra COVID-19, además de impulsar programas de lectura infantil y ayuda comunitaria.

Dolly Parton en el Rock & Roll Hall of Fame, 2022

Dolly Parton fue única porque nunca pidió permiso para ser varias cosas a la vez. Fue cantante country y estrella pop. Compositora sentimental y empresaria astuta. Mujer de fe y figura camp. Símbolo del sur estadounidense y celebridad global. Una artista profundamente popular que podía cantar una pena amorosa con absoluta sinceridad y, al minuto siguiente, soltar una broma sobre su propio escote.

Quizá por eso la quiso tanta gente tan distinta. Dolly no parecía hablar desde una torre de fama, sino desde una cocina iluminada, un camerino lleno de brillo o una carretera de Tennessee. Tenía esa cualidad rara de las estrellas verdaderas: era más grande que la vida, pero nunca dejó de sonar cercana.

En el cine, en la música y en la cultura popular, Dolly Parton deja algo más que canciones y películas. Deja una lección de identidad: se puede ser brillante sin volverse frío, poderoso sin perder ternura, famoso sin olvidar de dónde se viene.

Hoy se apaga una voz inmensa.

Pero Dolly Parton hizo lo que solo logran los artistas inolvidables: dejó suficiente luz como para que el escenario no se quede oscuro.



HOMERO TAMBIÉN VENDE PALOMITAS…

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante años nos han dicho que el público ya no tiene paciencia. Que las películas largas espantan. Que las historias complejas no venden. Que si no hay superhéroes, multiversos, cameos sorpresa o muñecos coleccionables, la taquilla se pone nerviosa.

Y entonces llegó Homero.

Bueno, llegó Christopher Nolan con Homero bajo el brazo.

LA ODISEA (The Odyssey) acaba de convertirse en la película clasificación ‘R’ más taquillera de todos los tiempos, superando a DEADPOOL & WOLVERINE, que tenía el récord desde 2024. Según reportes recientes, la cinta de Nolan ya ronda los 1,400 millones de dólares a nivel mundial y también se convirtió en la película más taquillera de toda su carrera.

LA ODISEA (The Odyssey) acaba de convertirse en la película clasificación ‘R’ más taquillera de todos los tiempos, superando a DEADPOOL & WOLVERINE (Deadpool & Wolverine), que tenía el récord desde 2024. Según reportes recientes, la cinta de Nolan ya ronda los 1,400 millones de dólares a nivel mundial y también se convirtió en la película más taquillera de toda su carrera.

El dato es notable por muchas razones. Primero, porque estamos hablando de una película clasificación R en Estados Unidos, lo que limita el acceso de menores de 17 años si no van acompañados por un adulto. Segundo, porque no se trata precisamente de una comedia ligera de hora y media. Es una epopeya antigua, basada en un poema atribuido a Homero, con viaje, guerra, monstruos, dioses, regreso al hogar y bastante sufrimiento humano. Nada de “me la explicas en TikTok en treinta segundos”.

Y aun así, el público compró boleto.

Ahí está la noticia verdadera.

Nolan tomó una obra literaria que tiene casi tres mil años de antigüedad y la convirtió en acontecimiento cinematográfico. No la vendió como tarea escolar ni como lectura obligatoria con examen el lunes. La presentó como espectáculo: gran formato, reparto estelar, aventura, misterio, prestigio y esa sensación de que, si no la ves en sala, te estás perdiendo algo.

Eso es algo que Hollywood debería anotar con plumón rojo: el público no necesariamente huye de las historias ambiciosas. Huye del aburrimiento. Huye de las películas que parecen diseñadas por comité. Huye de los estrenos que prometen mucho ruido pero poca emoción. Pero cuando una película logra convencerlo de que hay una experiencia grande esperándolo, el público todavía sale de casa.

Claro, Nolan no es cualquier director. Su nombre ya funciona casi como marca de garantía. Después de BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE (The Dark Knight), EL ORIGEN (Inception), INTERESTELAR (Interstellar) y OPPENHEIMER (Oppenheimer), buena parte de la audiencia sabe que una película suya no se estrena: se anuncia como evento. Y esa diferencia cuenta.

Pero el triunfo de LA ODISEA (The Odyssey) también tiene algo de saludable provocación cultural. En una temporada dominada por franquicias, secuelas y héroes en traje ajustado, un poema épico de la Grecia antigua se sentó en la mesa de la taquilla y pidió palomitas grandes.

Y se las dieron.

El éxito no significa que mañana todos los estudios vayan a adaptar a los clásicos griegos. Tampoco veremos necesariamente una avalancha de películas sobre Sófocles, Eurípides o Hesíodo con palomera conmemorativa. Pero sí demuestra que el cine comercial todavía puede dialogar con materiales culturales profundos, antiguos y aparentemente “difíciles”, siempre que los convierta en experiencia viva.

Porque LA ODISEA (The Odyssey) no solo vende la historia de Odiseo intentando regresar a casa. Vende la promesa de un viaje. Y el cine, desde sus orígenes, ha sido precisamente eso: una invitación a sentarse en la oscuridad para ir a otro lugar.

Quizá por eso este récord importa. No solo porque Nolan rompió una marca de taquilla. No solo porque desplazó a un gigante reciente como DEADPOOL & WOLVERINE (Deadpool & Wolverine). Importa porque recuerda que el público puede seguir respondiendo a historias con peso, con tradición y con ambición, siempre que la pantalla las haga respirar.

A Hollywood le gusta pensar que la fórmula del éxito está en calcular tendencias.

Homero, desde algún rincón del Olimpo literario, acaba de sugerir otra cosa: quizá la fórmula estaba en contar bien un gran viaje.

Con monstruos, sí.

Con tragedia, también.

Pero sobre todo con una razón para que el espectador quiera subirse al barco.

Al final, la lección es sencilla: no hay que subestimar al público.

Puede que hoy vea videos cortos, series a doble velocidad y avances en el celular.

Pero si el viaje promete valer la pena, todavía compra boleto, apaga la luz y se deja llevar.

Porque, como acaba de demostrar Nolan, Homero también vende boletos de cine y  palomitas.



Cinerama Dome: una de las salas de cine más icónicas del mundo está por renacer

El histórico Cinerama Dome de Los Ángeles volverá a abrir en 2028, recordándonos que la experiencia de ver películas en sala todavía tiene mucho que dar.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

COMO CASI SE PERDIÓ EL OESTE en la pantalla del Cinerama Dome

Durante años nos dijeron que el cine estaba muriendo. Que el streaming lo había condenado. Que las salas serían cosa del pasado. Que la pantalla grande terminaría convertida en nostalgia, como las marquesinas antiguas, los intermedios y los acomodadores con linterna.

Pero resulta que el cine no estaba muerto.

Solo estaba esperando que volvieran a encenderle la cúpula.

Sony Pictures Entertainment anunció que el legendario Cinerama Dome de Los Ángeles será restaurado y reabrirá a principios de 2028, después de permanecer cerrado desde la pandemia. El recinto será operado por Alamo Drafthouse Cinema y su regreso tiene algo de resurrección cinematográfica: no hablamos de cualquier sala, sino de uno de los edificios más reconocibles de Hollywood.

Ubicado en Sunset Boulevard e inaugurado en 1963, el Cinerama Dome se volvió famoso por su enorme cúpula geodésica y por representar una época en la que ir al cine era, literalmente, entrar a otro mundo. Abrió sus puertas con EL MUNDO ESTÁ LOCO, LOCO, LOCO, LOCO (It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World), la comedia épica de Stanley Kramer, y desde entonces quedó asociado con una idea muy poderosa: el cine podía ser más grande, más ancho y más envolvente que cualquier pantalla doméstica.

Y aquí conviene explicar algo para las nuevas generaciones:

el Cinerama no era solo el nombre de una sala bonita. Fue un sistema de exhibición espectacular que buscaba envolver al público. En su versión clásica utilizaba tres proyectores sincronizados que lanzaban tres imágenes alineadas sobre una pantalla enorme, curva y panorámica. El resultado era una experiencia inmersiva para su tiempo, como si la película sumergiera en su interior al espectador antes de que existieran las pantallas IMAX modernas o las salas premium que hoy conocemos.

Por eso el regreso del Cinerama Dome no es una noticia menor. En los años sesenta, el gran rival del cine era la televisión. Hoy, el enemigo se llama streaming, celular, algoritmo, plataforma, “lo veo luego” y “me espero a que salga en casa”. Pero la respuesta sigue siendo la misma: algunas películas no solo se ven; se habitan.

Una sala como el Cinerama Dome no es únicamente un negocio con butacas. Es una promesa. La promesa de que la imagen puede envolvernos, de que el sonido puede sacudirnos y de que la oscuridad compartida todavía conserva mucho de ritual. Ahí uno no entra nada más a consumir contenido. Entra a rendirse, por un par de horas, ante una pantalla que no cabe en la palma de la mano.

El plan anunciado busca preservar el nombre Cinerama, su imagen exterior y el carácter histórico del recinto. Ese detalle importa. Porque no todo templo necesita convertirse en restaurante con película incluida. A veces basta con que la luz se apague, la pantalla se ilumine y el público recuerde por qué salió de casa.

El regreso del Cinerama Dome no resolverá todos los problemas de la exhibición cinematográfica. No hará desaparecer el streaming. No devolverá automáticamente a todas las salas vacías a su antiguo esplendor. Pero sí manda una señal poderosa: todavía hay lugares que merecen ser salvados porque guardan algo más que funciones. Guardan memoria.

En CINESAURIO lo sabemos bien: los cines no son solo edificios. Son cápsulas de tiempo. Ahí vimos películas que nos asustaron, nos hicieron reír, nos enamoraron o nos cambiaron la vida sin pedir permiso.

Por eso la reapertura del Cinerama Dome emociona incluso a quienes nunca han comprado un boleto ahí. Porque no se trata únicamente de Los Ángeles. Se trata de defender una idea: que el cine sigue necesitando lugares donde ocurrir.

Por ahora, queda una pregunta abierta para los cinéfilos más técnicos: ¿con qué formato -o formatos- proyectará el Dome cuando reabra? Aunque el nombre Cinerama remite al sistema clásico de tres proyectores sincronizados sobre una pantalla curva, oficialmente todavía no se ha informado con detalle si la sala recuperará ese formato histórico, si privilegiará el 70 mm, la proyección digital de gran formato, o una combinación de tecnologías. Habrá que esperar. Pero algo sí parece claro: el espíritu que se busca rescatar es el de una sala diseñada para que el cine vuelva a sentirse enorme.

Durante años nos dijeron que el futuro estaba en ver películas en casa.

Puede ser.

Pero, de vez en cuando, el futuro también necesita una marquesina encendida, una fila en la banqueta y una cúpula enorme recordándonos que la pantalla grande todavía sabe levantar la mirada.

El cine no ha muerto.

Solo estaba esperando que alguien volviera a abrir la puerta.