¡El cine indio conquista la taquilla

que nunca había dominado!

RAMAYANA: EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA llega hoy a los cines de México después de convertirse en la primera película india que alcanza el número uno de la taquilla de Reino Unido e Irlanda. Bollywood ya no parece dispuesto a quedarse solamente en casa.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante décadas, cuando hablábamos de grandes producciones cinematográficas internacionales, el mapa parecía bastante predecible.

Hollywood ocupaba casi todo.

Europa conservaba algunos territorios.

Japón aparecía de vez en cuando.

Y el cine de la India, aunque producía cientos de películas y tenía un público gigantesco, rara vez conquistaba los primeros lugares de las grandes taquillas occidentales.

Eso empieza a cambiar.

RAMAYANA: EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA (Ramayana: Rise of a Legend) llega hoy, 12 de noviembre, a los cines mexicanos después de conseguir algo que ninguna película india había logrado antes: debutar en el número uno de Reino Unido e Irlanda.

La cinta recaudó 1.7 millones de libras durante el fin de semana del 6 al 8 de noviembre, y alcanzó alrededor de 2.2 millones incluyendo funciones previas, superando el récord anterior para una producción india en ese mercado.

Nada mal para una historia que tiene varios miles de años.

Dirigida por Nitesh Tiwari, responsable de Dangal, la película adapta el Ramayana, una de las grandes epopeyas de la tradición india. La historia sigue a Rama, príncipe marcado por el deber y el sacrificio; a Sita, su esposa; y a Ravana, un poderoso rey cuya venganza terminará enfrentándolos.

El reparto está encabezado por Ranbir Kapoor, Sai Pallavi y Yash, y la música reúne dos nombres enormes: Hans Zimmer y A.R. Rahman, ambos ganadores del Óscar.

La película es además la primera parte de una historia concebida en dos entregas. La segunda está prevista para 2028.

Pero quizá lo más interesante no está solamente en la pantalla.

Está en lo que ocurre alrededor de ella.

Durante mucho tiempo, el cine indio fue visto fuera de su país como un producto dirigido principalmente a las comunidades de origen indio. RAMAYANA está intentando algo diferente: competir directamente por el público general en mercados tradicionalmente dominados por Hollywood.

En Reino Unido ya lo consiguió.

Incluso superó durante su estreno a GODZILLA MINUS ZERO, otra producción asiática con fuerte presencia internacional. Por primera vez, además, películas asiáticas ocuparon simultáneamente los dos primeros lugares de aquella taquilla.

Ahora comienza otra prueba: México.

Sony Pictures estrena hoy la película en nuestro país con el título oficial RAMAYANA: EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA, y Cinépolis la anuncia incluso en formatos como REAL 3-D y otras salas especiales, dependiendo del complejo. En ROTTEN TOMATOES el público le otorga un 94% de aceptación con más de 500 votos.

Vete preparado y con todo resuelto pues la película tiene una duración de 2 horas 47 minutos y no hay intermedio…

El cine indio conquista una taquilla que nunca había dominado

Porque la historia no es solo “una película india tuvo éxito”, sino que el cine de la India está ocupando espacios comerciales que hace pocos años parecían reservados a Hollywood y al cine británico. Además, Ramayana es una gran producción mitológica basada en uno de los textos fundamentales de la cultura india.

Tal vez estemos viendo algo más que el éxito de una película.

Quizá estemos viendo cómo cambia poco a poco el mapa del cine comercial mundial.

Hollywood todavía domina la función.

Pero otros ya están comprando boleto para sentarse en primera fila.





GODZILLA VUELVE A RUGIR… DESDE CASA!

GODZILLA MINUS ZERO, continuación de la multipremiada GODZILLA MINUS ONE, ya está en los cines de México. El monstruo más famoso de Japón regresa más grande, más ruidoso y con algo que Hollywood no siempre puede fabricar: memoria.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Godzilla tiene más de setenta años, ha destruido Tokio incontables veces, peleado contra monstruos imposibles y hasta emigrado a Hollywood.

Pero de vez en cuando vuelve a casa.

GODZILLA MINUS ZERO (Godzilla Minus Zero) llegó a los cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, dos días después de su estreno en Japón y un día antes de desembarcar en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y otros mercados.

La película continúa directamente la historia de GODZILLA MINUS ONE (Godzilla Minus One, 2023), la producción japonesa que sorprendió al mundo al combinar espectáculo de monstruos con un drama sobre culpa, supervivencia y las heridas dejadas por la Segunda Guerra Mundial.

Y además consiguió algo que hasta entonces ningún Godzilla había logrado: ganar el Óscar a Mejores Efectos Visuales.

Detrás vuelve a estar Takashi Yamazaki, nuevamente como director, guionista y responsable de los efectos visuales. La historia avanza dos años respecto a la anterior: Japón intenta reconstruirse y recuperar cierta normalidad después de la guerra y del ataque de Godzilla.

Naturalmente, la tranquilidad dura poco.

La película dura 135 minutos y recupera varios personajes de la cinta anterior, entre ellos Kōichi Shikishima y Noriko. Esta vez la amenaza crece tanto en escala como en ambición, pero Yamazaki conserva algo que distinguió a MINUS ONE de muchas superproducciones contemporáneas: antes de preocuparse por el monstruo, procura que nos preocupemos por las personas que están debajo de sus enormes patas.

Y hay otra novedad importante.

GODZILLA MINUS ZERO es la primera producción japonesa rodada bajo el programa “Filmed for IMAX”, lo que convierte la experiencia de pantalla grande en parte importante de su propuesta. Toho incluso organizó funciones anticipadas IMAX alrededor del Godzilla Day del 3 de noviembre.

Las primeras críticas han sido mayoritariamente favorables, aunque no unánimes. Algunos críticos celebran que sea más grande, oscura y visualmente espectacular que su predecesora; otros consideran que el drama humano ocupa demasiado espacio frente al espectáculo monstruoso. En Rotten Tomatoes aparece actualmente con 90% de aprobación de la crítica y 96% del público verificado.

Pero quizá lo más interesante sigue siendo otra cosa.

Hollywood convirtió a Godzilla en protagonista de una enorme franquicia internacional.

Japón, en cambio, volvió a utilizarlo como lo hizo desde 1954: no solamente como monstruo, sino como reflejo de los miedos de una sociedad.

Destrucción.

Guerra.

Radiación.

Trauma.

Reconstrucción.

Por eso Godzilla puede atravesar ciudades y décadas sin desaparecer.

A veces es espectáculo.

A veces es metáfora.

Y cuando vuelve a Japón, suele ser las dos cosas al mismo tiempo.

Después de todo, hasta los monstruos saben dónde está su casa.





EL GATO CON SOMBRERO: ¿DIVERSIÓN INOCENTE O DEMASIADAS TRAVESURAS?

La nueva película animada de Warner Bros. llega a los cines mexicanos con una promesa de magia, caos e irreverencia. Pero ¿Es realmente recomendable para los niños?

Ante el estreno de esta aventura animada, CINESAURIO revisó información oficial, entrevistas con sus creadores y evaluaciones de críticos y especialistas para ofrecer a los padres elementos que les ayuden a decidir si es una película apropiada para sus hijos.

El famoso personaje creado por Dr. Seuss en 1957 regresa a la pantalla grande con El Gato con Sombrero (The Cat in the Hat, 2026), una producción animada dirigida por Erica Rivinoja y Alessandro Carloni, con Bill Hader como la voz original del travieso felino y Alfonso Herrera en el doblaje mexicano.

Alfonso Herrera protagoniza el doblaje en Español

La historia presenta a Gabby y Sebastián, dos hermanos que atraviesan momentos difíciles después de mudarse a otra ciudad. Para devolverles la alegría aparece un gato extravagante que tiene una solución para todo: imaginación, magia y unas travesuras que suelen terminar en un desorden monumental.

Hasta aquí, entretenimiento infantil. Pero hay algo que merece nuestra atención.

¿Diversión o invitación a desobedecer?

Durante la infancia, especialmente entre los tres y siete años, los niños todavía están desarrollando su capacidad para distinguir las consecuencias reales de las acciones que observan en la ficción.

Un personaje que rompe las reglas, desafía a los adultos y provoca desastres sin consecuencias aparentes puede resultarles muy atractivo.

¿Significa que después de ver la película los pequeños saldrán a destruir la casa? Por supuesto que no. Los niños no son máquinas que reproducen automáticamente lo que ven.

Sin embargo, desde la psicología y la educación, importa observar si las conductas inadecuadas aparecen acompañadas de consecuencias y aprendizajes, o si solamente son celebradas porque provocan carcajadas.

¿Qué pretenden realmente sus creadores?

En una entrevista con Cartoon Brew, los directores explicaron que buscan abordar un problema contemporáneo: niños cada vez más absorbidos por las pantallas, los videojuegos y las redes sociales, pero desconectados de sus familias.

La intención declarada es recuperar la imaginación, la convivencia y la capacidad de disfrutar el presente.

No encontramos evidencias de una agenda oculta para promover la desobediencia o destruir los valores familiares. Más bien, la película parece utilizar el caos como vehículo para hablar de afecto, adaptación a los cambios y comprensión entre padres e hijos.

Lo bueno y lo cuestionable

A favor: imaginación desbordante, creatividad visual, humor y mensajes positivos sobre la familia, la amistad y la importancia de comprender los sacrificios de los padres.

En contra: algunas críticas advierten de humor escatológico, lenguaje inconveniente para los pequeños, violencia caricaturesca, escenas con monstruos que pueden asustarlos y un ritmo visual excesivamente acelerado.

No necesariamente son elementos perjudiciales, pero tampoco conviene ignorarlos.

Entonces, ¿a qué edad?

Nuestra recomendación orientativa es reservarla preferentemente para niños de ocho años en adelante, acompañados por sus padres. Entre los seis y siete años dependerá de su madurez y sensibilidad. Para los menores de seis, sería preferible elegir una película más tranquila.

La clasificación estadounidense es PG, que recomienda orientación de los padres. En México, las fuentes consultadas muestran clasificaciones distintas, por lo que conviene verificar la correspondiente a la exhibición elegida.

El balance de CINESAURIO

El Gato con Sombrero parece tener buenas intenciones, aunque su manera de transmitirlas puede resultar demasiado estridente.

No es necesario prohibir las travesuras cinematográficas. La imaginación también necesita romper algunas reglas… ¡por lo menos las de la fantasía!

Lo importante es que los niños comprendan que divertirse no significa hacer lo que se nos antoje sin pensar en los demás.

Y si después de la función padres e hijos conversan sobre lo que vieron, quizá el gato haya conseguido algo mejor que provocar carcajadas: dejar una pequeña enseñanza debajo de su enorme sombrero.


Nota editorial: Este artículo se elaboró a partir de información oficial, entrevistas con los realizadores y reseñas de críticos y especialistas que han visto la película. No constituye una crítica basada en un visionado propio. Las edades sugeridas son una orientación editorial para las familias, no una clasificación oficial ni una evaluación clínica sobre sus posibles efectos en los niños.





Diego Luna estrena mañana CENIZA EN LA BOCA

CENIZA EN LA BOCA, dirigida por Diego Luna llega mañana, 5 de noviembre, a los cines de México. Una historia de migración, familia y desarraigo que recuerda algo incómodo: cambiar de país no siempre significa cambiar de vida.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Diego Luna vuelve a colocarse detrás de la cámara.

Y esta vez no para contar una historia cómoda.

CENIZA EN LA BOCA, su nuevo largometraje como director, se estrena en cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, después de recorrer festivales como Cannes, Toronto, San Sebastián, Sarajevo y Morelia. La película es una coproducción entre México y España y tiene una duración aproximada de 98 minutos.

La historia sigue a Lucila, una joven mexicana interpretada por Anna Díaz, que viaja con su hermano Diego a Madrid para reencontrarse con su madre, Isabel, encarnada por Adriana Paz.

La madre lleva ocho años viviendo y trabajando ilegalmente en España para sostenerlos desde lejos.

En teoría, el reencuentro debería significar empezar de nuevo.

En la práctica, las cosas resultan bastante menos sencillas.

Lucila descubre que emigrar no elimina automáticamente los problemas: aparecen empleos precarios, discriminación, racismo, responsabilidades familiares que nadie pidió y una sensación constante de no pertenecer del todo a ningún sitio.

La escritora mexicana Brenda Navarro

La película está basada en la novela homónima de Brenda Navarro, publicada originalmente en 2021. El guion fue desarrollado por Diego Luna junto con Abia Castillo y Diego Rabasa, en un proceso que tomó alrededor de dos años y medio.

Pero quizá lo más interesante está en el punto de vista.

Ésta no parece ser simplemente una película “sobre migrantes”.

Es una historia sobre lo que ocurre dentro de una familia cuando la distancia, el sacrificio y las expectativas empiezan a cobrar factura.

Porque emigrar suele contarse como una historia de oportunidad: alguien se va para construir una vida mejor.

CENIZA EN LA BOCA se pregunta qué pasa cuando esa vida mejor llega acompañada de otras heridas.

Luna ha explicado que considera especialmente pertinente hablar hoy de migración y que el proyecto fue desarrollado durante varios años con un equipo de voces diversas.

La película también llega con un recorrido internacional considerable. Fue presentada en una función especial del Festival de Cannes 2026, formó parte de Horizontes Latinos en San Sebastián y posteriormente llegó al Festival Internacional de Cine de Morelia.

Ahora le toca encontrarse con el público mexicano.

Y quizá ahí esté la verdadera prueba.

Porque detrás de estadísticas, fronteras, permisos y discusiones políticas sobre migración siempre termina apareciendo algo mucho más sencillo:

una persona que se fue,

otra que se quedó,

y una familia intentando averiguar qué queda de ellas cuando finalmente vuelven a encontrarse.

CENIZA EN LA BOCA llega mañana a las salas mexicanas.

Y a veces basta cruzar un océano para descubrir que hay cosas de las que uno nunca termina de irse.




Cuando la historia empieza a moverse

14TH, el nuevo documental de Ava DuVernay, utiliza inteligencia artificial para dar movimiento a fotografías históricas. La intención no es inventar el pasado, sino acercarlo al espectador. Y ahí comienza una discusión que el cine documental apenas está aprendiendo a enfrentar.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Ava DuVernay decidió meterse voluntariamente en terreno peligroso.

En 14TH (14th), su nuevo documental sobre la Decimocuarta Enmienda de la Constitución de Estados Unidos, la directora utiliza herramientas de inteligencia artificial para dar movimiento a algunas fotografías históricas de archivo.

Y sabía perfectamente que alguien iba a preguntarle por eso.

La película, presentada mundialmente el pasado 9 de octubre en el Festival de Cine de Nueva York, examina más de 150 años de discusiones alrededor de ciudadanía, igualdad ante la ley, debido proceso y quién tiene derecho a pertenecer a una nación. Llegará a algunos cines estadounidenses el 27 de noviembre y a Netflix el 4 de diciembre de 2026.

Pero lo que está provocando conversación es la manera en que DuVernay decidió mostrar parte de ese pasado.

Algunas fotografías antiguas reciben pequeños movimientos mediante una combinación de técnicas digitales que incluye inteligencia artificial. No se trata —según ha explicado la cineasta— de crear personajes inexistentes, fabricar voces o hacer pasar imágenes falsas por documentos históricos. El material original permanece como punto de partida.

La inspiración vino de una tecnología bastante menos moderna: las fotografías estereoscópicas del siglo XIX, imágenes dobles que, observadas mediante un visor especial, producían una rudimentaria sensación de profundidad.

DuVernay quiso recuperar algo de aquella experiencia: que las personas retratadas hace más de un siglo dejaran de sentirse completamente inmóviles y adquirieran cierta presencia ante nuestros ojos. Para lograrlo, su equipo combinó photoscoping, paralaje, animación y herramientas de IA.

Y aquí aparece la pregunta interesante.

¿Cuánto podemos mover una fotografía histórica antes de empezar a mover también la historia?

El documental siempre ha utilizado montaje, música, acercamientos, restauración, colorización e incluso reconstrucciones. Ninguna película documental es una ventana completamente neutral hacia la realidad.

Pero la inteligencia artificial agrega una nueva capa.

Porque nuestros ojos todavía tienden a creer que una fotografía antigua muestra algo que realmente estuvo frente a una cámara. Cuando esa imagen comienza a moverse, aunque sea discretamente, la frontera entre documento e interpretación se vuelve menos evidente.

DuVernay no pretende esconder esa intervención. Al contrario: ha dicho que quiere que el público vea el resultado y decida cómo se siente ante él.

Quizá esa sea precisamente la discusión que necesitábamos.

La inteligencia artificial ya llegó al cine. La pregunta importante empieza a dejar de ser si debemos utilizarla.

Ahora será:

¿para qué la utilizamos, cuánto la utilizamos y le decimos claramente al espectador cuándo lo estamos haciendo?

Porque una cosa es restaurar el pasado.

Otra, bastante distinta, es empezar a reescribirlo.

Y entre ambas puede haber apenas unos cuantos fotogramas.



EL DESAIRE: CUANDO DECIR “NO” SE VOLVIÓ UNA CONDENA

Inspirada en el corrido de Rosita Alvírez, la película mexicana revisa una historia cantada durante décadas y la coloca frente a una realidad dolorosamente vigente: la violencia contra una mujer que intenta decidir por sí misma.

EL DESAIRE es una película de “bienes”… es decir, bien adaptada por Gabo Ramos Co guionista y Director de la película con un buen tema, bien importante y bien oportuno, la violencia contra la mujer es un asunto al que hay que entrarle hoy con mayor determinación y eficacia. Una historia bien contada; con un reparto bien elegido, bien actuada, bien fotografiada y bien musicalizada, y todo en un Saltillo que luce espectacular como un lugar cualquiera de la provincia mexicana. Está bien que la veas.

Hay canciones que conocemos tan bien que dejamos de escucharlas.

Las tarareamos, las repetimos, las oímos en fiestas, reuniones familiares, cantinas o películas, hasta que un día alguien nos obliga a poner atención y descubrimos que aquello que parecía tradición también escondía una herida abierta.

Eso ocurre con el corrido de Rosita Alvírez.

Screenshot

Ahora, la película mexicana EL DESAIRE, dirigida por Gabo Ramos, retoma esa historia popular ligada a Saltillo, Coahuila, y la mira desde una sensibilidad contemporánea. IMCINE la ha descrito como una nueva versión crítica de un corrido casi convertido en mito fundacional saltillense, pero subrayando algo esencial: vista de frente, la canción es la crónica de un feminicidio.

El corrido cuenta, en términos generales, una historia brutal: Rosita va a un baile, un hombre quiere bailar con ella, ella lo rechaza y él la mata. Durante décadas, esa tragedia fue cantada con fatalismo, humor negro o advertencia moral. Pero si quitamos el envoltorio musical, lo que queda es estremecedor: una mujer dice “no” y un hombre decide que ese “no” merece castigo.

En algunas versiones tradicionales aparece una línea reveladora: “Rosita, no me desaires, la gente lo va a notar”. Ahí asoma una clave poderosa: el rechazo no solo hiere el deseo masculino; hiere el orgullo público. El “desaire” se vuelve vergüenza social. La pista de baile se convierte en escenario, y la mirada de los demás pesa casi tanto como la negativa de Rosita.

Pero EL DESAIRE no parece quedarse únicamente en esa lectura del corrido. La película traslada la historia a un drama actual donde el detonador principal no es solo la vergüenza, sino los celos enfermizos de Juan, el novio de Rosa. Y ahí el relato se vuelve todavía más cercano e incómodo.

Juan no representa simplemente al hombre rechazado de una canción antigua. Representa una forma de violencia mucho más reconocible: la del amor confundido con posesión, la vigilancia disfrazada de preocupación, la manipulación presentada como cariño, el control manejado como prueba de interés. Ese machismo cotidiano que no siempre empieza con un golpe, sino con una pregunta, una sospecha, una prohibición, una escena de celos.

La película parece entender que la violencia no surge de la nada. Se va construyendo. Crece en frases, gestos, presiones, silencios y amenazas. Primero aparece como incomodidad. Luego como control. Después como miedo. Y cuando Rosa intenta conservar su libertad, su deseo de estudiar, trabajar, moverse y decidir, el entorno empieza a cerrarse sobre ella.

Ahí está el verdadero peso del título. EL DESAIRE puede sonar a una ofensa menor: un gesto frío, una grosería social, una negativa incómoda. Pero en esta historia la palabra carga una tragedia. Porque el problema nunca fue que Rosa desairara a alguien. El problema fue que alguien creyó tener derecho sobre ella.

Ese cambio de enfoque importa. La película no rescata el corrido para repetirlo como estampa folclórica ni para envolverlo en nostalgia norteña. Lo trae al presente para preguntarnos qué hemos estado cantando durante años y qué violencias quedaron normalizadas debajo de la música.

Porque muchas veces la cultura popular guarda historias que repetimos sin analizarlas. Canciones que parecen inocentes. Frases que se vuelven chiste. Tragedias que terminan convertidas en tradición. Y entonces el cine puede hacer algo muy valioso: detener la música por un momento y obligarnos a escuchar la letra de verdad.

EL DESAIRE merece atención precisamente por eso. No porque prometa resolver la historia de Rosita Alvírez ni porque pretenda convertir el corrido en expediente judicial. Su interés está en tomar una memoria popular mexicana y leerla desde una pregunta urgente: ¿Cuántas veces hemos llamado “celos” a lo que en realidad era control?, ¿Cuántas veces hemos confundido pasión con posesión?, ¿Cuántas veces una mujer ha tenido que pagar demasiado caro por decir que no?

Rosita no cometió una provocación.

Rosa no pertenece a nadie.

Y esa diferencia, que debería ser obvia, es justamente lo que la película viene a poner frente a nosotros.

Al final, EL DESAIRE no vuelve al corrido para adornarlo.

Vuelve para corregirnos el oído.



CUANDO COMER PODÍA SER UNA SENTENCIA DE MUERTE…

Las catadoras de Hitler: Inspirada en el testimonio de Margot Wölk y en la novela de Rosella Postorino, la película mira la Segunda Guerra Mundial desde una mesa donde cada bocado podía ser el último.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

La Segunda Guerra Mundial ha sido contada muchas veces desde el campo de batalla, desde los discursos de los dictadores, desde los mapas militares, desde los campos de concentración, desde la resistencia y desde las ruinas.

Pero LAS CATADORAS DE HITLER (Le assaggiatrici, conocida internacionalmente como The Tasters) elige un lugar mucho más íntimo y perturbador: una mesa servida.

La película, dirigida por Silvio Soldini, llega a cines de todo México este jueves 20 de agosto. SensaCine México la registra como drama histórico y biográfico, con duración de 2 horas y 3 minutos, y la presenta como una historia basada en la novela de Rosella Postorino, inspirada a su vez en el testimonio de Margot Wölk, considerada la única sobreviviente del grupo de mujeres que probaron la comida de Hitler.

La premisa es tan sencilla como escalofriante: Rosa y otras mujeres son reclutadas por las SS para probar los alimentos destinados al Führer y asegurarse de que no estén envenenados. En otras palabras, son obligadas a comer para que otro no muera.

Ahí está el golpe de la historia

La comida, que normalmente asociamos con hogar, cuidado, reunión familiar y vida, se convierte aquí en una ruleta rusa silenciosa. Cada plato puede ser una comida… o una ejecución disfrazada de rutina. Cada bocado tiene suspenso. Cada sobremesa puede ser una cuenta regresiva.

Lo más inquietante es que estas mujeres no están en el centro del poder, pero son usadas por el poder. No deciden la guerra, no firman órdenes, no diseñan estrategias militares. Y, sin embargo, sus cuerpos se vuelven una especie de filtro humano para proteger al dictador más temido de Europa. La película parte de ese punto incómodo: incluso lejos del frente, la guerra encontraba la manera de sentarse a la mesa.

El origen literario también tiene peso. La cinta adapta la novela Le assaggiatrici, de Rosella Postorino, publicada en 2018 y reconocida con el Premio Campiello. El libro se inspiró en Margot Wölk, quien rompió su silencio en 2012, ya nonagenaria, al contar que había formado parte de aquel grupo de mujeres obligadas a probar los alimentos de Hitler cerca de la llamada Guarida del Lobo.

Desde luego, conviene hacer una precisión: no estamos ante un documental, sino ante una ficción inspirada en un episodio histórico. La propia crítica internacional ha señalado que la película toma el punto de partida real y lo desarrolla dramáticamente a través de personajes y conflictos narrativos. Cineuropa describe la cinta como una adaptación del best seller de Postorino y destaca que Soldini pone el foco en un grupo de mujeres sometidas a una estructura de miedo, obediencia y dominación.

Y ahí está el punto de interés: LAS CATADORAS DE HITLER (Le assaggiatrici) no parece importante solo por “hablar de Hitler”, sino por mirar la guerra desde quienes quedaron atrapadas en sus márgenes. Mujeres comunes convertidas en piezas de una maquinaria absurda, cruel y paranoica.

Adolfo Hitler, que aparece aquí cenando con su pareja, Eva Braun

Porque el miedo de Hitler a ser envenenado revela algo más que una anécdota extravagante. Muestra la lógica de un régimen construido sobre la desconfianza, la vigilancia y la idea de que cualquier persona podía ser utilizada, incluso para algo tan básico como comer.

La recepción crítica, por cierto, no ha sido unánime. The Guardian fue severo con la película y la consideró una adaptación poco convincente, mientras otros medios han resaltado más el valor de su premisa histórica y el punto de vista femenino de la historia. Eso también ayuda a colocarla en su justo sitio: quizá no estamos ante una obra maestra segura, pero sí ante una película con un tema suficientemente poderoso como para provocar conversación.

Y a veces eso basta para que una cinta merezca atención.

Porque LAS CATADORAS DE HITLER (Le assaggiatrici) nos recuerda que la guerra no solo se mide por bombas, batallas o cifras. También se mide por los miedos cotidianos que impone. Por la pérdida de libertad. Por la obediencia forzada. Por la angustia de sentarse frente a un plato sin saber si uno se levantará de la mesa.

En el cine, muchas veces hemos visto a personajes luchar por sobrevivir en trincheras, bosques, cárceles o campos minados.

Aquí la trinchera es el comedor.

Y el enemigo puede venir servido en porcelana.




¡MAMÁ! ¡HAY UN DINOSAURIO EN EL PATIO!

EL FINAL DE LA CALLE OAK llega a México con aroma a 1982: vecindarios tranquilos, familias en crisis y una amenaza prehistórica que revela que, a veces, el monstruo no solo está fuera de casa.

Por Andrés Bermea y Mr. Chips

Mañana jueves 13 de agosto llega a los cines de México EL FINAL DE LA CALLE OAK (The End of Oak Street), una película que a primera vista parece vendernos una premisa irresistible: una calle residencial, una familia en crisis, un extraño evento cósmico… y dinosaurios. Sí, dinosaurios. Porque cuando la vida familiar se pone complicada, Hollywood siempre puede empeorarla con una criatura prehistórica en el jardín.

La cinta está escrita y dirigida por David Robert Mitchell, el mismo realizador de ESTÁ DETRÁS DE TI (It Follows) y EL MISTERIO DE SILVER LAKE (Under the Silver Lake), y es producida por J. J. Abrams. El reparto lo encabezan Anne Hathaway e Ewan McGregor. La premisa plantea que un misterioso evento cósmico arranca la calle Oak de su entorno habitual y transporta a todo el vecindario a un lugar desconocido, obligando a la familia Platt a mantenerse unida para sobrevivir.

Pero lo interesante no está solamente en los dinosaurios. Lo interesante está en el vecindario.

La historia se ubica en los años ochenta -algunas reseñas la sitúan específicamente en 1982-, y ese dato abre una puerta muy sabrosa. Porque 1982 no fue cualquier año para el cine fantástico. Ese año se estrenaron dos películas fundamentales para entender cómo Hollywood convirtió la vida doméstica en territorio de asombro y amenaza: E.T. EL EXTRATERRESTRE (E.T. the Extra-Terrestrial) y POLTERGEIST: JUEGOS DIABÓLICOS (Poltergeist).

En E.T. lo imposible llega al patio de una casa común. En POLTERGEIST, el horror entra por la televisión, ese altar luminoso de la sala familiar. Las dos películas hicieron algo enorme: demostraron que la aventura ya no necesitaba castillos, galaxias lejanas o mansiones góticas. Bastaba un vecindario tranquilo, una calle silenciosa, una familia aparentemente normal… y algo raro detrás de la puerta o en la sala de la casa.

Ahí parece colocarse EL FINAL DE LA CALLE OAK (The End of Oak Street). La diferencia es que aquí no entra un monstruo a la casa: la casa, la calle y el vecindario entero son arrancados de su realidad. Es como si la tranquilidad residencial -con sus jardines, sus cocheras, sus vecinos saludando desde la banqueta- fuera levantada del suelo y arrojada a un mundo donde la cortesía vecinal ya no sirve de mucho frente a un dinosaurio con hambre.

Y entonces aparece el ángulo más interesante: el vecindario como jaula.

Porque un vecindario puede parecer refugio, pero también puede ser encierro. En esas calles perfectamente ordenadas se guardan frustraciones, matrimonios cansados, silencios familiares, sueños pospuestos y esa sensación de que la vida ya decidió por uno. Algunas reseñas han señalado precisamente a Denise, el personaje de Anne Hathaway, como una ama de casa frustrada o desencantada dentro de ese mundo doméstico aparentemente estable.

Por eso los dinosaurios pueden ser el espectáculo, pero no necesariamente el tema. El verdadero monstruo quizá no está solo afuera, rugiendo entre los árboles. También puede estar dentro: en lo que una familia no se dice, en lo que una madre quiere ser y no ha podido, en lo que un vecindario oculta debajo del pasto bien cortado.

David Robert Mitchell ya había demostrado en ESTÁ DETRÁS DE TI que sabe convertir un miedo abstracto en algo físico, cotidiano, casi inevitable. Y en EL MISTERIO DE SILVER LAKE jugó con la paranoia, los códigos ocultos y la sensación de que el mundo aparentemente normal esconde otra cosa.

Ahora, con EL FINAL DE LA CALLE OAK, Mitchell parece entrar al terreno del gran espectáculo, pero sin abandonar del todo su obsesión por lo invisible: aquello que persigue, aquello que se oculta, aquello que convierte la normalidad en amenaza.

También hay una sombra inevitable: la de PARQUE JURÁSICO (Jurassic Park), otra película donde los dinosaurios no son solo atracción, sino advertencia. Pero mientras Spielberg llevó al público a una isla diseñada para exhibir criaturas imposibles, Mitchell parece hacer lo contrario: traer lo imposible al vecindario, al lugar donde supuestamente nada debía pasar.

Y quizá por eso la premisa funciona. Porque todos entendemos esa fantasía inquietante: ¿Qué pasaría si un día nuestra calle, nuestra casa, nuestra rutina y nuestros pendientes quedaran atrapados en un lugar donde ya no sirven las reglas de siempre?

Los ochenta nos enseñaron que lo extraordinario podía aparecer en una recámara infantil, en una televisión encendida o en un cobertizo del patio. EL FINAL DE LA CALLE OAK actualiza esa advertencia con humor, aventura y dientes muy grandes.

Cuidado con desear que algo emocionante pase en el vecindario.

A veces pasa.

Y se lleva toda la cuadra.





LA BATALLA QUE COMENZÓ MIRANDO AL CIELO

Antes de dispararse el primer tiro, hubo que librar una batalla contra la incertidumbre.

Por Andrés Bermea

Desde el comienzo, PRESSURE: ‘EL DÍA D BAJO PRESIÓN’ hace una afirmación que llama la atención: ésta es una historia real. No dice solamente “basada” o “inspirada” en hechos verdaderos. Y, en lo esencial, tiene razón.

James Stagg existió. Fue el meteorólogo encargado de asesorar al general Dwight D. Eisenhower ante una de las decisiones militares más trascendentes de la Segunda Guerra Mundial. La película comprime tiempos y dramatiza algunas relaciones y enfrentamientos, pero el dilema fundamental que presenta ocurrió realmente.

Para entender la magnitud de esa decisión hay que situarnos en junio de 1944. Francia llevaba cuatro años bajo la ocupación de la Alemania nazi y los Aliados -principalmente Estados Unidos, Gran Bretaña y Canadá, acompañados por fuerzas de la Francia Libre y de otros países aliados- necesitaban abrir un gran frente occidental: cruzar el Canal de la Mancha, desembarcar un enorme ejército en Normandía, establecer una cabeza de playa y comenzar desde ahí la liberación de Francia y el avance hacia Alemania.

La Operación Overlord no podía ser simplemente un ataque más. Había miles de soldados preparados, barcos, aviones, armamento y meses de planificación detrás de ella. Pero todo dependía de algo que ningún general podía controlar: encontrar el momento adecuado para atacar. Una decisión equivocada podía convertir aquella gigantesca operación en una catástrofe.

Y EL DÍA D BAJO PRESIÓN tiene la inteligencia de colocarnos no tanto entre quienes van a combatir, sino junto al hombre que deberá decidir cuándo enviarlos.

Brendan Fraser es un magnífico Eisenhower

Pensemos por un momento como Eisenhower.

¿Cuál es la situación que enfrento? Tengo preparada una operación militar de dimensiones nunca vistas que depende de que fuerzas terrestres, navales y aéreas actúen prácticamente al mismo tiempo. ¿Quiénes son mis enemigos? El ejército alemán, desde luego, pero también el secreto que puede descubrirse, el tiempo que se agota, las opiniones contradictorias y algo contra lo que ningún general puede disparar: el clima.

¿Qué debo considerar? El viento, el oleaje, la visibilidad, las nubes, las mareas. Un mar demasiado bravo puede convertir las lanchas de desembarco en trampas; las nubes pueden impedir el apoyo aéreo; el viento puede dispersar a los paracaidistas y una mala combinación de condiciones puede desarticular una operación cuidadosamente planeada durante meses. Una invasión anfibia obliga a coordinar aire, tierra y mar, cada uno con necesidades meteorológicas diferentes.

¿Cuáles son mis recursos? Barcos, aviones, armas, inteligencia, soldados entrenados y una gigantesca estructura militar. Pero para decidir cuándo poner todo eso en movimiento necesito también algo aparentemente mucho más modesto: un pronóstico del tiempo.

En 1944 no existen satélites, modelos computacionales ni el Weather Channel, ni la capacidad tecnológica actual para observar de manera instantánea lo que ocurre sobre todo el Atlántico. Los meteorólogos trabajan con información limitada, frecuentemente vieja y, para complicar todavía más las cosas, no todos interpretan esos datos de la misma manera.

Andrew Scott como el «Capitán James Stagg» Una película de Focus Features. Créditos: Alex Bailey/Focus Features/StudioCanal © 2026 All Rights Reserved.

Ahí comienza verdaderamente EL DÍA D BAJO PRESIÓN.

James Stagg, interpretado espléndidamente por Andrew Scott, debe transformar ciencia e información imperfecta en una recomendación que puede afectar la vida de miles de hombres. Frente a él, Eisenhower -un Brendan Fraser (¡Insuperable!! Le anticipo nominación al Óscar) contenido, humano y cargado de responsabilidad- debe decidir a quién escuchar.

Y nosotros quedamos atrapados exactamente ahí.

¿Quién tiene razón? ¿Qué tan confiable puede ser una predicción meteorológica bajo esas condiciones? ¿Es más peligroso avanzar o esperar? ¿Cuánto puede retrasarse una operación de semejante magnitud sin perder la sorpresa? ¿Y cómo se toma finalmente una decisión cuando ninguna alternativa garantiza el éxito?

Ésa es la gran virtud de la película: conocemos históricamente el Día D, pero PRESSURE: EL DÍA D BAJO PRESIÓN consigue hacernos sentir que todavía no ha sucedido.

Y ahí encontramos también su verdadero tema.

PRESSURE no trata realmente sobre meteorología. Trata sobre tomar decisiones cuando no existe certeza.

El director Anthony Maras ha explicado que le interesaba precisamente ese conflicto: cómo un líder reconoce aquello que no sabe, determina en quién confiar y escucha incluso a quien está diciéndole exactamente lo que no desea escuchar.

Por eso resulta fascinante descubrir que una de las operaciones militares más enormes de la historia no dependió únicamente de generales, soldados, barcos y aviones.

También dependió de hombres mirando mapas, interpretando nubes y tratando de responder una pregunta aparentemente sencilla:

¿Qué va a hacer el cielo?

Y mientras ellos intentan averiguarlo, la película consigue algo admirable: que nosotros también miremos hacia arriba esperando la respuesta.

I a D: Andrew Scott, Brendan Fraser, Kerry Condon, Chris Messina y Damian Lewis Getty/Chad Griffith/Cortesía/Getty/Clint Spaulding

PRESSURE: ‘EL DÍA D BAJO PRESIÓN’ me mantuvo todo el tiempo interesado, muy entretenido, disfrutando de excelentes actuaciones de todo el reparto; una magnífica narrativa del Director Anthony Maras; así como de una cinematografía ejemplar, una edición que le da gran ritmo y una música que nos sumerge en la trama.  ¡La recomiendo!

FUENTES: Me apoyé en el ChatGPT para las consultas de las Fuentes históricas: National WWII Museum; Royal Meteorological Society; Associated Press.