VALENTE QUINTANA: UN DETECTIVE DE PELÍCULA

HISTORIAS DEL CINE JAMÁS CONTADAS…

En el cine es frecuente ver a un actor interpretar a un personaje que existió realmente. Lo extraordinario es que ese personaje aparezca personalmente en la película para presentar a su alter ego cinematográfico.

Pues bien, eso sucedió en México. Y no una, sino dos veces.

Valente Quintana

El protagonista de esta curiosa historia fue Valente Quintana, uno de los investigadores criminales más famosos del país durante la primera mitad del siglo XX, conocido popularmente como el Sherlock Holmes mexicano.

Nacido en Matamoros, Tamaulipas, en 1889, Quintana desarrolló una carrera que parecía escrita por un novelista de historias policiacas. Investigó asesinatos, fraudes, secuestros y robos espectaculares. Utilizaba disfraces, recurría a informantes y podía infiltrarse entre delincuentes para conseguir información.

Uno de sus grandes triunfos ocurrió en 1921, cuando participó en la captura de los responsables del sangriento asalto al tren de Laredo. Aquel caso contribuyó a convertirlo en una celebridad.

Su fama llegó a tal grado que, en 1952, la productora Filmex llevó a los estudios dos historias inspiradas en sus investigaciones.

La primera fue El mensaje de la muerte, inicialmente titulada El plagio del millonario, dirigida por Zacarías Gómez Urquiza y estrenada el 2 de mayo de 1953 en el cine Palacio Chino de la Ciudad de México.

La segunda, El misterio del carro express, cuyo título anterior era El crimen del tren de Laredo, se estrenó el 22 de julio del mismo año en el cine Nacional.

En ambas, el actor Miguel Torruco interpretaba a Valente Quintana.

Pero lo verdaderamente insólito ocurría al principio.

Las películas incluían un prólogo con la participación del detective auténtico, quien aparecía ante las cámaras junto al hombre que lo representaría durante el resto de la historia.

Valente Quintana y el actor Miguel Torruco

El investigador de carne y hueso presentaba así a su propia versión cinematográfica.

¡Una manera bastante ingeniosa de decirle al público que lo que estaba por contemplar tenía sus raíces en hechos reales!

En ambas producciones participó también Rebeca Iturbide y hubo intervenciones musicales de Tongolele y los célebres Nicholas Brothers. Porque en nuestro cine, incluso una investigación criminal podía encontrar espacio para un buen espectáculo musical.

La historia tiene otra ironía deliciosa.

En una entrevista publicada en 1925, Quintana había criticado las películas de policías y ladrones porque consideraba que enseñaban métodos útiles a los delincuentes.

Veintiocho años después, el propio detective aparecía en dos de ellas.

Su vida, desde luego, no estuvo libre de controversias. Detrás de su extraordinaria reputación existieron también acusaciones de corrupción e investigaciones políticas cuestionadas por historiadores posteriores; de hecho dos veces pisó la infame cárcel de Belén (Cárcel General), en ambos casos salió pocos días después por falta de pruebas.

Pero eso forma parte precisamente de lo fascinante del personaje: un investigador cuya vida contenía suficientes luces, sombras, peligros y contradicciones para alimentar numerosas películas.

Y pensar que una de las mejores escenas de su carrera cinematográfica ni siquiera necesitó un guionista.

Bastó con poner frente a la cámara al detective verdadero y al actor que iba a convertirse en él.

A veces, la realidad también sabe escribir excelentes escenas de cine.

¡Y ahora la cereza del pastel! Te invito a ver el prólogo de EL MENSAJE DE LA MUERTE con el propio Valente Quintana presentando al actor Miguel Torruco su alter ego en la película


Y si quieres ver la película completa, haz Clic sobre la siguiente pantalla y acTiva el modo de pantalla completa.


De Bambi a los Marines

Donnie Dunagan, la voz original del pequeño Bambi, murió a los 92 años después de llevar una de las vidas más insólitas relacionadas con Hollywood: actor infantil, compañero de Boris Karloff y, más tarde, condecorado mayor de los Marines.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Imaginen entrar al cuartel y descubrir que el mayor al mando fue alguna vez Bambi.

Donnie Dunagan hizo todo lo posible para que eso nunca ocurriera.

El actor que prestó su voz al pequeño cervatillo en BAMBI (Bambi, 1942) murió el pasado 4 de noviembre a los 92 años, víctima de cáncer de pulmón. La noticia se conoció públicamente días después.

Su biografía parece escrita por dos personas distintas.

Dunagan nació en San Antonio, Texas, en 1934 y comenzó a actuar siendo apenas un niño. Antes de llegar a Disney apareció en EL HIJO DE FRANKENSTEIN (Son of Frankenstein, 1939), donde interpretó a Peter, hijo del barón Wolf von Frankenstein, compartiendo pantalla con Basil Rathbone, Bela Lugosi y Boris Karloff.

Años después recordaría algo maravilloso: jugaba damas con Karloff durante los descansos… mientras éste todavía llevaba puesto el maquillaje del monstruo.

Luego llegó Disney.

Tenía seis años cuando fue elegido para prestar su voz al joven Bambi. También sirvió como referencia para los animadores, que estudiaban sus expresiones infantiles mientras construían al personaje.

Y le tocó participar en una de las escenas que traumatizaron a generaciones enteras: aquella en la que Bambi descubre que su madre ha muerto.

BAMBI sería su última película.

A los 18 años, Dunagan dejó Hollywood y en 1952 ingresó al Cuerpo de Marines de Estados Unidos. Permaneció allí durante 25 años, participó en tres períodos de servicio en Vietnam, trabajó en contrainteligencia y Force Recon y se retiró con el rango de mayor. Entre sus condecoraciones recibió una Estrella de Bronce y tres Corazones Púrpura.

Pero había un pequeño detalle de su expediente que nadie conocía.

Había sido Bambi.

Durante prácticamente toda su carrera militar lo mantuvo en secreto. Dunagan explicó años después que imaginaba lo que ocurriría si cientos de jóvenes Marines descubrían aquel antecedente:

terminaría convertido en “Major Bambi”.

Así que cerró la boca.

Un compañero no descubrió la verdad hasta aproximadamente un mes antes de que ambos se retiraran. Con el tiempo, Dunagan reconoció que haber ocultado aquella parte de su vida había sido uno de sus grandes arrepentimientos.

Finalmente terminó aceptando con cariño al personaje del que durante tantos años había huido.

Porque pocas carreras pueden resumirse así:

primero hizo llorar a millones de niños.

Después pasó un cuarto de siglo entre Marines.

Y al final descubrió que no había nada vergonzoso en que lo recordaran como aquel pequeño venado.

Donnie Dunagan sobrevivió a Hollywood, a Vietnam y al apodo de “Major Bambi”.

Nada mal para un cervatillo.



Diego Luna estrena mañana CENIZA EN LA BOCA

CENIZA EN LA BOCA, dirigida por Diego Luna llega mañana, 5 de noviembre, a los cines de México. Una historia de migración, familia y desarraigo que recuerda algo incómodo: cambiar de país no siempre significa cambiar de vida.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Diego Luna vuelve a colocarse detrás de la cámara.

Y esta vez no para contar una historia cómoda.

CENIZA EN LA BOCA, su nuevo largometraje como director, se estrena en cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, después de recorrer festivales como Cannes, Toronto, San Sebastián, Sarajevo y Morelia. La película es una coproducción entre México y España y tiene una duración aproximada de 98 minutos.

La historia sigue a Lucila, una joven mexicana interpretada por Anna Díaz, que viaja con su hermano Diego a Madrid para reencontrarse con su madre, Isabel, encarnada por Adriana Paz.

La madre lleva ocho años viviendo y trabajando ilegalmente en España para sostenerlos desde lejos.

En teoría, el reencuentro debería significar empezar de nuevo.

En la práctica, las cosas resultan bastante menos sencillas.

Lucila descubre que emigrar no elimina automáticamente los problemas: aparecen empleos precarios, discriminación, racismo, responsabilidades familiares que nadie pidió y una sensación constante de no pertenecer del todo a ningún sitio.

La escritora mexicana Brenda Navarro

La película está basada en la novela homónima de Brenda Navarro, publicada originalmente en 2021. El guion fue desarrollado por Diego Luna junto con Abia Castillo y Diego Rabasa, en un proceso que tomó alrededor de dos años y medio.

Pero quizá lo más interesante está en el punto de vista.

Ésta no parece ser simplemente una película “sobre migrantes”.

Es una historia sobre lo que ocurre dentro de una familia cuando la distancia, el sacrificio y las expectativas empiezan a cobrar factura.

Porque emigrar suele contarse como una historia de oportunidad: alguien se va para construir una vida mejor.

CENIZA EN LA BOCA se pregunta qué pasa cuando esa vida mejor llega acompañada de otras heridas.

Luna ha explicado que considera especialmente pertinente hablar hoy de migración y que el proyecto fue desarrollado durante varios años con un equipo de voces diversas.

La película también llega con un recorrido internacional considerable. Fue presentada en una función especial del Festival de Cannes 2026, formó parte de Horizontes Latinos en San Sebastián y posteriormente llegó al Festival Internacional de Cine de Morelia.

Ahora le toca encontrarse con el público mexicano.

Y quizá ahí esté la verdadera prueba.

Porque detrás de estadísticas, fronteras, permisos y discusiones políticas sobre migración siempre termina apareciendo algo mucho más sencillo:

una persona que se fue,

otra que se quedó,

y una familia intentando averiguar qué queda de ellas cuando finalmente vuelven a encontrarse.

CENIZA EN LA BOCA llega mañana a las salas mexicanas.

Y a veces basta cruzar un océano para descubrir que hay cosas de las que uno nunca termina de irse.




DOLLY PARTON: CONVIRTIÓ LAS LENTEJUELAS EN LUZ PROPIA

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Dolly Parton murió este martes 25 de agosto de 2026, a los 80 años, en Nashville, Tennessee. La noticia fue confirmada por su familia y representantes. Hasta el momento no se ha informado oficialmente la causa de su muerte; distintos medios señalan que en los últimos meses había enfrentado problemas de salud, pero la versión pública disponible se limita a indicar que falleció pacíficamente.

Con Dolly Parton se va mucho más que una estrella de la música country. Se va una de esas figuras rarísimas que parecían inventadas por el propio espectáculo: voz prodigiosa, pelucas imposibles, vestidos brillantes, humor afilado, inteligencia empresarial y una capacidad enorme para reírse de sí misma antes de que alguien más intentara hacerlo.

Dolly Rebecca Parton nació el 19 de enero de 1946 en Pittman Center, Tennessee, y creció en una familia pobre de las montañas Smoky.

Dolly Parton en los Premios Óscar de 2006

Reuters recuerda que fue una de doce hijos y que su origen humilde marcó profundamente su música, sus letras y su manera de relacionarse con el público. De ahí salió una artista que nunca renegó de sus raíces, pero tampoco permitió que la encerraran en ellas.

Su carrera musical fue monumental. Escribió miles de canciones, vendió más de 100 millones de discos y dejó títulos que ya forman parte de la memoria popular: “Jolene”, “Coat of Many Colors”, “9 to 5” y, por supuesto, “I Will Always Love You”, canción que ella compuso y que décadas después Whitney Houston convirtió en fenómeno mundial. Reuters la describe como autora de aproximadamente 3,000 canciones y una de las figuras más reconocibles de la cultura popular estadounidense.

Pero en CINESAURIO nos toca mirarla también desde la pantalla. Dolly debutó en cine con COMO ELIMINAR A SU JEFE (9 to 5, 1980), junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, una comedia laboral que hoy se recuerda como una pequeña bomba feminista envuelta en humor. IMDb señala que por esa película obtuvo una nominación al Óscar por la canción principal, además de premios Grammy por “Nine to Five”.

Después vinieron LA MEJOR CASITA DE PLACER (The Best Little Whorehouse in Texas, 1982), con Burt Reynolds; EL TAXISTA CARADURA (Rhinestone, 1984), con Sylvester Stallone; MAGNOLIAS DE ACERO (Steel Magnolias, 1989), junto a Sally Field, Shirley MacLaine, Olympia Dukakis, Daryl Hannah y Julia Roberts; FAMOSA POR ERROR (Straight Talk, 1992); y RUIDOS GOZOSOS (Joyful Noise, 2012), con Queen Latifah. Su filmografía nunca fue tan extensa como su discografía, pero sí dejó una presencia reconocible: Dolly no “aparecía” en pantalla; entraba como si la luz la hubiera estado esperando.

Como actriz tenía una virtud muy difícil: parecía natural incluso cuando todo en ella era deliberadamente actuado. Su imagen era grande, brillante, exagerada, casi de caricatura; pero detrás de esa superficie había una persona cálida, precisa, inteligente y dueña absoluta de su personaje público. Ella misma convirtió el exceso en marca personal. Las lentejuelas, el peinado, el maquillaje y el humor no eran disfraz: eran armadura, bandera y declaración de independencia.

Dolly Parton en el Songwriters Hall of Fame

Sus premios hablan de una carrera fuera de serie. Fue reconocida con múltiples Grammy; ingresó al Country Music Hall of Fame, al Songwriters Hall of Fame y al Rock & Roll Hall of Fame; recibió la National Medal of Arts y los Kennedy Center Honors. En 2025, la Academia de Hollywood anunció que Dolly Parton recibiría el Premio Humanitario Jean Hersholt, uno de los reconocimientos más importantes que otorga la industria cinematográfica por labores filantrópicas.

Y justamente ahí aparece otra Dolly: la filántropa. Su Imagination Library distribuyó millones de libros gratuitos a niños; también apoyó causas educativas, víctimas de desastres y proyectos de salud. AP recuerda que donó un millón de dólares a investigaciones relacionadas con la vacuna contra COVID-19, además de impulsar programas de lectura infantil y ayuda comunitaria.

Dolly Parton en el Rock & Roll Hall of Fame, 2022

Dolly Parton fue única porque nunca pidió permiso para ser varias cosas a la vez. Fue cantante country y estrella pop. Compositora sentimental y empresaria astuta. Mujer de fe y figura camp. Símbolo del sur estadounidense y celebridad global. Una artista profundamente popular que podía cantar una pena amorosa con absoluta sinceridad y, al minuto siguiente, soltar una broma sobre su propio escote.

Quizá por eso la quiso tanta gente tan distinta. Dolly no parecía hablar desde una torre de fama, sino desde una cocina iluminada, un camerino lleno de brillo o una carretera de Tennessee. Tenía esa cualidad rara de las estrellas verdaderas: era más grande que la vida, pero nunca dejó de sonar cercana.

En el cine, en la música y en la cultura popular, Dolly Parton deja algo más que canciones y películas. Deja una lección de identidad: se puede ser brillante sin volverse frío, poderoso sin perder ternura, famoso sin olvidar de dónde se viene.

Hoy se apaga una voz inmensa.

Pero Dolly Parton hizo lo que solo logran los artistas inolvidables: dejó suficiente luz como para que el escenario no se quede oscuro.



HOMERO TAMBIÉN VENDE PALOMITAS…

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante años nos han dicho que el público ya no tiene paciencia. Que las películas largas espantan. Que las historias complejas no venden. Que si no hay superhéroes, multiversos, cameos sorpresa o muñecos coleccionables, la taquilla se pone nerviosa.

Y entonces llegó Homero.

Bueno, llegó Christopher Nolan con Homero bajo el brazo.

LA ODISEA (The Odyssey) acaba de convertirse en la película clasificación ‘R’ más taquillera de todos los tiempos, superando a DEADPOOL & WOLVERINE, que tenía el récord desde 2024. Según reportes recientes, la cinta de Nolan ya ronda los 1,400 millones de dólares a nivel mundial y también se convirtió en la película más taquillera de toda su carrera.

LA ODISEA (The Odyssey) acaba de convertirse en la película clasificación ‘R’ más taquillera de todos los tiempos, superando a DEADPOOL & WOLVERINE (Deadpool & Wolverine), que tenía el récord desde 2024. Según reportes recientes, la cinta de Nolan ya ronda los 1,400 millones de dólares a nivel mundial y también se convirtió en la película más taquillera de toda su carrera.

El dato es notable por muchas razones. Primero, porque estamos hablando de una película clasificación R en Estados Unidos, lo que limita el acceso de menores de 17 años si no van acompañados por un adulto. Segundo, porque no se trata precisamente de una comedia ligera de hora y media. Es una epopeya antigua, basada en un poema atribuido a Homero, con viaje, guerra, monstruos, dioses, regreso al hogar y bastante sufrimiento humano. Nada de “me la explicas en TikTok en treinta segundos”.

Y aun así, el público compró boleto.

Ahí está la noticia verdadera.

Nolan tomó una obra literaria que tiene casi tres mil años de antigüedad y la convirtió en acontecimiento cinematográfico. No la vendió como tarea escolar ni como lectura obligatoria con examen el lunes. La presentó como espectáculo: gran formato, reparto estelar, aventura, misterio, prestigio y esa sensación de que, si no la ves en sala, te estás perdiendo algo.

Eso es algo que Hollywood debería anotar con plumón rojo: el público no necesariamente huye de las historias ambiciosas. Huye del aburrimiento. Huye de las películas que parecen diseñadas por comité. Huye de los estrenos que prometen mucho ruido pero poca emoción. Pero cuando una película logra convencerlo de que hay una experiencia grande esperándolo, el público todavía sale de casa.

Claro, Nolan no es cualquier director. Su nombre ya funciona casi como marca de garantía. Después de BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE (The Dark Knight), EL ORIGEN (Inception), INTERESTELAR (Interstellar) y OPPENHEIMER (Oppenheimer), buena parte de la audiencia sabe que una película suya no se estrena: se anuncia como evento. Y esa diferencia cuenta.

Pero el triunfo de LA ODISEA (The Odyssey) también tiene algo de saludable provocación cultural. En una temporada dominada por franquicias, secuelas y héroes en traje ajustado, un poema épico de la Grecia antigua se sentó en la mesa de la taquilla y pidió palomitas grandes.

Y se las dieron.

El éxito no significa que mañana todos los estudios vayan a adaptar a los clásicos griegos. Tampoco veremos necesariamente una avalancha de películas sobre Sófocles, Eurípides o Hesíodo con palomera conmemorativa. Pero sí demuestra que el cine comercial todavía puede dialogar con materiales culturales profundos, antiguos y aparentemente “difíciles”, siempre que los convierta en experiencia viva.

Porque LA ODISEA (The Odyssey) no solo vende la historia de Odiseo intentando regresar a casa. Vende la promesa de un viaje. Y el cine, desde sus orígenes, ha sido precisamente eso: una invitación a sentarse en la oscuridad para ir a otro lugar.

Quizá por eso este récord importa. No solo porque Nolan rompió una marca de taquilla. No solo porque desplazó a un gigante reciente como DEADPOOL & WOLVERINE (Deadpool & Wolverine). Importa porque recuerda que el público puede seguir respondiendo a historias con peso, con tradición y con ambición, siempre que la pantalla las haga respirar.

A Hollywood le gusta pensar que la fórmula del éxito está en calcular tendencias.

Homero, desde algún rincón del Olimpo literario, acaba de sugerir otra cosa: quizá la fórmula estaba en contar bien un gran viaje.

Con monstruos, sí.

Con tragedia, también.

Pero sobre todo con una razón para que el espectador quiera subirse al barco.

Al final, la lección es sencilla: no hay que subestimar al público.

Puede que hoy vea videos cortos, series a doble velocidad y avances en el celular.

Pero si el viaje promete valer la pena, todavía compra boleto, apaga la luz y se deja llevar.

Porque, como acaba de demostrar Nolan, Homero también vende boletos de cine y  palomitas.



Cinerama Dome: una de las salas de cine más icónicas del mundo está por renacer

El histórico Cinerama Dome de Los Ángeles volverá a abrir en 2028, recordándonos que la experiencia de ver películas en sala todavía tiene mucho que dar.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

COMO CASI SE PERDIÓ EL OESTE en la pantalla del Cinerama Dome

Durante años nos dijeron que el cine estaba muriendo. Que el streaming lo había condenado. Que las salas serían cosa del pasado. Que la pantalla grande terminaría convertida en nostalgia, como las marquesinas antiguas, los intermedios y los acomodadores con linterna.

Pero resulta que el cine no estaba muerto.

Solo estaba esperando que volvieran a encenderle la cúpula.

Sony Pictures Entertainment anunció que el legendario Cinerama Dome de Los Ángeles será restaurado y reabrirá a principios de 2028, después de permanecer cerrado desde la pandemia. El recinto será operado por Alamo Drafthouse Cinema y su regreso tiene algo de resurrección cinematográfica: no hablamos de cualquier sala, sino de uno de los edificios más reconocibles de Hollywood.

Ubicado en Sunset Boulevard e inaugurado en 1963, el Cinerama Dome se volvió famoso por su enorme cúpula geodésica y por representar una época en la que ir al cine era, literalmente, entrar a otro mundo. Abrió sus puertas con EL MUNDO ESTÁ LOCO, LOCO, LOCO, LOCO (It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World), la comedia épica de Stanley Kramer, y desde entonces quedó asociado con una idea muy poderosa: el cine podía ser más grande, más ancho y más envolvente que cualquier pantalla doméstica.

Y aquí conviene explicar algo para las nuevas generaciones:

el Cinerama no era solo el nombre de una sala bonita. Fue un sistema de exhibición espectacular que buscaba envolver al público. En su versión clásica utilizaba tres proyectores sincronizados que lanzaban tres imágenes alineadas sobre una pantalla enorme, curva y panorámica. El resultado era una experiencia inmersiva para su tiempo, como si la película sumergiera en su interior al espectador antes de que existieran las pantallas IMAX modernas o las salas premium que hoy conocemos.

Por eso el regreso del Cinerama Dome no es una noticia menor. En los años sesenta, el gran rival del cine era la televisión. Hoy, el enemigo se llama streaming, celular, algoritmo, plataforma, “lo veo luego” y “me espero a que salga en casa”. Pero la respuesta sigue siendo la misma: algunas películas no solo se ven; se habitan.

Una sala como el Cinerama Dome no es únicamente un negocio con butacas. Es una promesa. La promesa de que la imagen puede envolvernos, de que el sonido puede sacudirnos y de que la oscuridad compartida todavía conserva mucho de ritual. Ahí uno no entra nada más a consumir contenido. Entra a rendirse, por un par de horas, ante una pantalla que no cabe en la palma de la mano.

El plan anunciado busca preservar el nombre Cinerama, su imagen exterior y el carácter histórico del recinto. Ese detalle importa. Porque no todo templo necesita convertirse en restaurante con película incluida. A veces basta con que la luz se apague, la pantalla se ilumine y el público recuerde por qué salió de casa.

El regreso del Cinerama Dome no resolverá todos los problemas de la exhibición cinematográfica. No hará desaparecer el streaming. No devolverá automáticamente a todas las salas vacías a su antiguo esplendor. Pero sí manda una señal poderosa: todavía hay lugares que merecen ser salvados porque guardan algo más que funciones. Guardan memoria.

En CINESAURIO lo sabemos bien: los cines no son solo edificios. Son cápsulas de tiempo. Ahí vimos películas que nos asustaron, nos hicieron reír, nos enamoraron o nos cambiaron la vida sin pedir permiso.

Por eso la reapertura del Cinerama Dome emociona incluso a quienes nunca han comprado un boleto ahí. Porque no se trata únicamente de Los Ángeles. Se trata de defender una idea: que el cine sigue necesitando lugares donde ocurrir.

Por ahora, queda una pregunta abierta para los cinéfilos más técnicos: ¿con qué formato -o formatos- proyectará el Dome cuando reabra? Aunque el nombre Cinerama remite al sistema clásico de tres proyectores sincronizados sobre una pantalla curva, oficialmente todavía no se ha informado con detalle si la sala recuperará ese formato histórico, si privilegiará el 70 mm, la proyección digital de gran formato, o una combinación de tecnologías. Habrá que esperar. Pero algo sí parece claro: el espíritu que se busca rescatar es el de una sala diseñada para que el cine vuelva a sentirse enorme.

Durante años nos dijeron que el futuro estaba en ver películas en casa.

Puede ser.

Pero, de vez en cuando, el futuro también necesita una marquesina encendida, una fila en la banqueta y una cúpula enorme recordándonos que la pantalla grande todavía sabe levantar la mirada.

El cine no ha muerto.

Solo estaba esperando que alguien volviera a abrir la puerta.



¡YA VIENE EL NOTISAURIO!

Muy pronto, aquí en CINESAURIO.COM, llega el más breve, ágil y sabroso de los noticieros de cine.

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Espéralo en junio.

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Conoce a Conan O’Brien, anfitrión del Óscar

Te presentamos la recreación de una entrevista realizada por la Academia y esto fue lo que dijo Conan O’Brien sobre su retorno a los Óscares…