EL GATO CON SOMBRERO: ¿DIVERSIÓN INOCENTE O DEMASIADAS TRAVESURAS?

La nueva película animada de Warner Bros. llega a los cines mexicanos con una promesa de magia, caos e irreverencia. Pero ¿Es realmente recomendable para los niños?

Ante el estreno de esta aventura animada, CINESAURIO revisó información oficial, entrevistas con sus creadores y evaluaciones de críticos y especialistas para ofrecer a los padres elementos que les ayuden a decidir si es una película apropiada para sus hijos.

El famoso personaje creado por Dr. Seuss en 1957 regresa a la pantalla grande con El Gato con Sombrero (The Cat in the Hat, 2026), una producción animada dirigida por Erica Rivinoja y Alessandro Carloni, con Bill Hader como la voz original del travieso felino y Alfonso Herrera en el doblaje mexicano.

Alfonso Herrera protagoniza el doblaje en Español

La historia presenta a Gabby y Sebastián, dos hermanos que atraviesan momentos difíciles después de mudarse a otra ciudad. Para devolverles la alegría aparece un gato extravagante que tiene una solución para todo: imaginación, magia y unas travesuras que suelen terminar en un desorden monumental.

Hasta aquí, entretenimiento infantil. Pero hay algo que merece nuestra atención.

¿Diversión o invitación a desobedecer?

Durante la infancia, especialmente entre los tres y siete años, los niños todavía están desarrollando su capacidad para distinguir las consecuencias reales de las acciones que observan en la ficción.

Un personaje que rompe las reglas, desafía a los adultos y provoca desastres sin consecuencias aparentes puede resultarles muy atractivo.

¿Significa que después de ver la película los pequeños saldrán a destruir la casa? Por supuesto que no. Los niños no son máquinas que reproducen automáticamente lo que ven.

Sin embargo, desde la psicología y la educación, importa observar si las conductas inadecuadas aparecen acompañadas de consecuencias y aprendizajes, o si solamente son celebradas porque provocan carcajadas.

¿Qué pretenden realmente sus creadores?

En una entrevista con Cartoon Brew, los directores explicaron que buscan abordar un problema contemporáneo: niños cada vez más absorbidos por las pantallas, los videojuegos y las redes sociales, pero desconectados de sus familias.

La intención declarada es recuperar la imaginación, la convivencia y la capacidad de disfrutar el presente.

No encontramos evidencias de una agenda oculta para promover la desobediencia o destruir los valores familiares. Más bien, la película parece utilizar el caos como vehículo para hablar de afecto, adaptación a los cambios y comprensión entre padres e hijos.

Lo bueno y lo cuestionable

A favor: imaginación desbordante, creatividad visual, humor y mensajes positivos sobre la familia, la amistad y la importancia de comprender los sacrificios de los padres.

En contra: algunas críticas advierten de humor escatológico, lenguaje inconveniente para los pequeños, violencia caricaturesca, escenas con monstruos que pueden asustarlos y un ritmo visual excesivamente acelerado.

No necesariamente son elementos perjudiciales, pero tampoco conviene ignorarlos.

Entonces, ¿a qué edad?

Nuestra recomendación orientativa es reservarla preferentemente para niños de ocho años en adelante, acompañados por sus padres. Entre los seis y siete años dependerá de su madurez y sensibilidad. Para los menores de seis, sería preferible elegir una película más tranquila.

La clasificación estadounidense es PG, que recomienda orientación de los padres. En México, las fuentes consultadas muestran clasificaciones distintas, por lo que conviene verificar la correspondiente a la exhibición elegida.

El balance de CINESAURIO

El Gato con Sombrero parece tener buenas intenciones, aunque su manera de transmitirlas puede resultar demasiado estridente.

No es necesario prohibir las travesuras cinematográficas. La imaginación también necesita romper algunas reglas… ¡por lo menos las de la fantasía!

Lo importante es que los niños comprendan que divertirse no significa hacer lo que se nos antoje sin pensar en los demás.

Y si después de la función padres e hijos conversan sobre lo que vieron, quizá el gato haya conseguido algo mejor que provocar carcajadas: dejar una pequeña enseñanza debajo de su enorme sombrero.


Nota editorial: Este artículo se elaboró a partir de información oficial, entrevistas con los realizadores y reseñas de críticos y especialistas que han visto la película. No constituye una crítica basada en un visionado propio. Las edades sugeridas son una orientación editorial para las familias, no una clasificación oficial ni una evaluación clínica sobre sus posibles efectos en los niños.





Diego Luna estrena mañana CENIZA EN LA BOCA

CENIZA EN LA BOCA, dirigida por Diego Luna llega mañana, 5 de noviembre, a los cines de México. Una historia de migración, familia y desarraigo que recuerda algo incómodo: cambiar de país no siempre significa cambiar de vida.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Diego Luna vuelve a colocarse detrás de la cámara.

Y esta vez no para contar una historia cómoda.

CENIZA EN LA BOCA, su nuevo largometraje como director, se estrena en cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, después de recorrer festivales como Cannes, Toronto, San Sebastián, Sarajevo y Morelia. La película es una coproducción entre México y España y tiene una duración aproximada de 98 minutos.

La historia sigue a Lucila, una joven mexicana interpretada por Anna Díaz, que viaja con su hermano Diego a Madrid para reencontrarse con su madre, Isabel, encarnada por Adriana Paz.

La madre lleva ocho años viviendo y trabajando ilegalmente en España para sostenerlos desde lejos.

En teoría, el reencuentro debería significar empezar de nuevo.

En la práctica, las cosas resultan bastante menos sencillas.

Lucila descubre que emigrar no elimina automáticamente los problemas: aparecen empleos precarios, discriminación, racismo, responsabilidades familiares que nadie pidió y una sensación constante de no pertenecer del todo a ningún sitio.

La escritora mexicana Brenda Navarro

La película está basada en la novela homónima de Brenda Navarro, publicada originalmente en 2021. El guion fue desarrollado por Diego Luna junto con Abia Castillo y Diego Rabasa, en un proceso que tomó alrededor de dos años y medio.

Pero quizá lo más interesante está en el punto de vista.

Ésta no parece ser simplemente una película “sobre migrantes”.

Es una historia sobre lo que ocurre dentro de una familia cuando la distancia, el sacrificio y las expectativas empiezan a cobrar factura.

Porque emigrar suele contarse como una historia de oportunidad: alguien se va para construir una vida mejor.

CENIZA EN LA BOCA se pregunta qué pasa cuando esa vida mejor llega acompañada de otras heridas.

Luna ha explicado que considera especialmente pertinente hablar hoy de migración y que el proyecto fue desarrollado durante varios años con un equipo de voces diversas.

La película también llega con un recorrido internacional considerable. Fue presentada en una función especial del Festival de Cannes 2026, formó parte de Horizontes Latinos en San Sebastián y posteriormente llegó al Festival Internacional de Cine de Morelia.

Ahora le toca encontrarse con el público mexicano.

Y quizá ahí esté la verdadera prueba.

Porque detrás de estadísticas, fronteras, permisos y discusiones políticas sobre migración siempre termina apareciendo algo mucho más sencillo:

una persona que se fue,

otra que se quedó,

y una familia intentando averiguar qué queda de ellas cuando finalmente vuelven a encontrarse.

CENIZA EN LA BOCA llega mañana a las salas mexicanas.

Y a veces basta cruzar un océano para descubrir que hay cosas de las que uno nunca termina de irse.




Netflix quiere que salgas de tu casa

THE FURTHER MIS-ADVENTURES OF CLIFF BOOTH llegará primero a IMAX y después a streaming. David Fincher retoma al inolvidable personaje de ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD, con Brad Pitt de nuevo al volante y Quentin Tarantino escribiendo el guion.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante años, Netflix quiso convencernos de algo muy sencillo:

“Quédate en casa”.

La plataforma creció precisamente ofreciendo una alternativa a las salas de cine. Pero ahora parece dispuesta a demostrar que también sabe jugar del otro lado de la pantalla.

El próximo 25 de noviembre, Netflix estrenará THE FURTHER MIS-ADVENTURES OF CLIFF BOOTH en una corrida exclusiva de dos semanas en las salas IMAX de Cinépolis. Después, el 23 de diciembre, la película llegará a NETFLIX.

Y no se trata de cualquier personaje.

Cliff Booth nació en ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD (Once Upon a Time… in Hollywood, 2019), de Quentin Tarantino. Brad Pitt interpretaba ahí al doble de acción, chofer, amigo y hombre para todo de Rick Dalton, el actor encarnado por Leonardo DiCaprio.

El personaje terminó convirtiéndose en uno de los grandes atractivos de aquella película y le dio a Pitt el Óscar como actor de reparto.

Ahora vuelve.

Pero Hollywood también cambió.

La nueva historia se sitúa en 1977, ocho años después de los acontecimientos de la película original. Cliff ya no es solamente un doble de acción. Trabaja como cantinero y proyeccionista, pero también como una especie de “arreglador” de problemas para gente poderosa de Hollywood.

Problemas que incluyen asesinato, chantaje, robo y extorsión.

Nada grave. Un martes cualquiera en Los Ángeles.

La combinación detrás de cámaras resulta especialmente atractiva: Quentin Tarantino escribió el guion, pero David Fincher dirige.

Es decir, el personaje conserva el ADN de Tarantino, pero ahora pasa por la mirada fría, precisa y obsesiva de Fincher.

El primer borrador de Tarantino tenía unas 230 páginas. Fincher dijo que aquello era prácticamente “dos películas”, por lo que hubo que reducirlo considerablemente antes de filmar.

A eso se suma otra marca Fincher: Trent Reznor y Atticus Ross compondrán la música, en su sexta colaboración cinematográfica con el director después de títulos como RED SOCIAL, PERDIDA, MANK y EL ASESINO.

Pero quizá lo más interesante está fuera de la película.

Netflix, uno de los grandes responsables de cambiar nuestra manera de consumir cine, ahora está utilizando IMAX como parte del acontecimiento.

Primero quiere que salgamos de casa.

Luego nos dejará verla en el sillón.

Tal vez streaming y salas ya no estén obligados a ser enemigos.

Quizá el negocio esté descubriendo algo mucho más sencillo:

hay películas que uno quiere ver en casa.

Y hay otras que primero necesitan una pantalla enorme, sonido brutal… y unas buenas palomitas.



Netflix también quiere su tajada de Notre-Dame

QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS llega a Netflix con Vincent Cassel y una idea irresistible: imaginar la vida del hombre que pudo inspirar al inmortal jorobado de Víctor Hugo. El problema -o quizá lo más interesante- es que nadie puede asegurar que aquel Quasimodo haya existido realmente.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

¿Las plataformas le están quitando una tajada a las salas de cine?

La discusión lleva años sobre la mesa. Mientras los cines apuestan por pantallas gigantes, sonido envolvente y películas convertidas en “acontecimientos”, Netflix sigue teniendo otra ventaja formidable: puede llevar hasta nuestra sala historias que, no hace mucho, quizá habríamos tenido que buscar en una cartelera.

Ahora le toca el turno a Quasimodo.

Netflix estrenará en México el 27 de noviembre QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS (Quasimodo, l’âme de Paris), película francesa dirigida por Jean-François Richet y protagonizada por Vincent Cassel, acompañado por Karim Leklou, Daphné Patakia, Benjamin Voisin y Noémie Lvovsky.

Pero ésta no es otra adaptación de NUESTRA SEÑORA DE PARÍS.

La película retrocede hasta 1830 y propone imaginar la vida del hombre que habría inspirado a Víctor Hugo para crear a Quasimodo. Cassel interpreta a un cantero jorobado, visto como un monstruo por quienes lo rodean, mientras París se agita entre revolución, epidemia de cólera y una historia de amor imposible. Netflix define expresamente la película como una “reimaginación” de aquel supuesto personaje real.

Y aquí comienza lo verdaderamente sabroso.

¿Existió Quasimodo?

En 2010, el archivista Adrian Glew encontró entre los papeles del escultor británico Henry Sibson, conservados por la Tate, una referencia a artesanos que trabajaban en París durante la década de 1820. Sibson mencionaba a un escultor del gobierno que era jorobado y al que conocían simplemente como “Le Bossu”, “el jorobado”. Los trabajadores estaban vinculados con obras en Notre-Dame y se movían en ambientes cercanos a Víctor Hugo.

La coincidencia es fascinante.

Pero coincidencia no significa prueba.

No existe documento conocido en el que Hugo diga: “este hombre fue mi Quasimodo”. Incluso desconocemos el verdadero nombre de aquel escultor. La conexión es una hipótesis histórica plausible, no la biografía comprobada del campanero de Notre-Dame.

Y justamente ahí parece estar el atractivo de la película.

Entre la historia comprobable, la leyenda que creció alrededor de ella y la libertad del cine para llenar los espacios vacíos, Netflix encontró terreno perfecto para contar algo nuevo sobre un personaje que conocemos desde hace casi dos siglos.

Quizá QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS no vaya a revelarnos quién fue el verdadero Quasimodo.

Pero sí puede conseguir algo igualmente interesante:

hacernos preguntar si antes del mito hubo realmente un hombre.

Y esta vez no tendremos que subir hasta el campanario para encontrarlo.

Bastará abrir Netflix.

Mira aquí el tráiler

Quasimodo, el alma de París | Tráiler oficial | Netflix



Homero, ahora con prompt

Grok Imagine, la inteligencia artificial de Elon Musk, publicó los primeros siete minutos de su propia versión de LA ODISEA. Mientras Christopher Nolan convirtió a Homero en un espectáculo cinematográfico gigantesco, la IA intenta demostrar que también puede llegar a Ítaca.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Homero debe estar pasando una temporada bastante movida.

Después de que Christopher Nolan convirtiera LA ODISEA (The Odyssey) en uno de los grandes acontecimientos cinematográficos recientes, apareció un nuevo competidor dispuesto a contar las aventuras de Odiseo.

Solo que éste no necesita cámaras, barcos ni miles de extras.

Necesita prompts.

El pasado 23 de octubre, Grok Imagine, la herramienta de generación de imágenes y video de xAI, publicó el primer episodio de una versión de LA ODISEA creada mediante inteligencia artificial. Dura poco más de siete minutos y fue realizada en colaboración con Wonder Studios y el director Dev Walker, ambos especializados en producción audiovisual con IA.

El proyecto había sido anunciado en julio por Elon Musk con una promesa bastante ambiciosa: antes de terminar 2026, Grok produciría un largometraje completo, “históricamente preciso” y fiel al poema de Homero.

Por ahora tenemos siete minutos.

El episodio muestra a Odiseo antes de partir hacia la Guerra de Troya, resistiéndose inicialmente a participar hasta que un antiguo juramento termina obligándolo a embarcarse.

Y aquí comienza lo interesante.

Porque casi simultáneamente tenemos dos maneras radicalmente distintas de enfrentarse a un texto escrito hace casi tres mil años.

Por un lado está Nolan: producción física, grandes escenarios, actores, cámaras, fotografía, montaje, sonido y una obsesión casi religiosa por hacer que el espectador vaya a una sala de cine.

Por el otro está Grok Imagine: instrucciones escritas a una inteligencia artificial que genera personajes, escenarios, movimientos y voces a partir de modelos digitales.

En teoría, ambos parten del mismo sitio.

Homero.

Pero el camino hacia Ítaca no podría ser más distinto.

La primera muestra de Grok también evidencia que la tecnología todavía tiene dificultades. Medios especializados han señalado problemas de sincronización entre voces y rostros, movimientos artificiales y una interpretación visual irregular. Incluso la propia Grok, al ser consultada posteriormente sobre la supuesta “precisión histórica”, reconoció que semejante promesa es complicada: LA ODISEA es, después de todo, un poema mitológico, no una crónica periodística de la Edad de Bronce.

Y quizá allí esté la verdadera historia.

No se trata de decidir todavía si la inteligencia artificial podrá algún día hacer una buena película.

La pregunta es otra:

¿Qué convierte a una sucesión de imágenes en cine?

¿La tecnología?

¿El presupuesto?

¿La cámara?

¿Los actores?

¿O las decisiones humanas que determinan por qué una imagen aparece después de otra?

Grok tiene hasta fin de año para cumplir su promesa de completar el largometraje.

Mientras tanto, Homero probablemente observa todo desde algún lugar.

Después de casi tres mil años, descubrir que ahora también necesita aprender a escribir prompts debe ser su aventura más extraña.

Creo que aquí el contraste Nolan vs. Grok funciona mucho mejor que hacer una simple nota tecnológica. El verdadero personaje termina siendo el cine mismo: dos caminos para contar exactamente la misma historia y dos ideas muy distintas de lo que significa hacer una película.



TU PIEL TAMBIÉN SALE A CUADRO

La Dra. Ishtar explica cómo maquillarte, qué evitar y cómo cuidar tu piel frente y fuera de cámara.

Si eres actor, actriz, influencer, subes videos tuyos a las redes sociales y tu apariencia personal es importante para ti. ¡Este video es para tí!

Los mejores tips sobre lo que debes hacer y evitar para lucir siempre la mejor versión de ti y con salud.

Aquí encuentras a la Dra. Ishtar: The Body Concept / En Instagram da Clic aquí



Una película de concreto…

que no resultó nada pesada.

THE HISTORY OF CONCRETE, el debut como largometraje de John Wilson, convirtió un tema que suena gris y poco atractivo en uno de los estrenos por pantalla más llamativos de Nueva York.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Hay películas sobre guerras, amores imposibles, asesinos, superhéroes, galaxias lejanas y monstruos gigantes.

Y luego está una película sobre concreto.

Sí, concreto.

THE HISTORY OF CONCRETE (The History of Concrete), dirigida por John Wilson, abrió este fin de semana en una sola pantalla del IFC Center de Nueva York y consiguió uno de los mejores estrenos en la historia de esa sala. IndieWire reportó que la cinta se convirtió en el segundo debut más fuerte del recinto, solo detrás de PARÁSITOS (Parasite).

La paradoja es deliciosa: una película cuyo título parece material para una conferencia de ingeniería terminó generando funciones agotadas, presentaciones especiales y largas jornadas de exhibición. El propio IFC Center programó numerosas funciones y encuentros con Wilson durante el fin de semana.

Pero la gracia está en que la película no es realmente una clase sobre cemento, grava y resistencia estructural.

Después de terminar su serie televisiva, Wilson buscaba una nueva salida creativa y asistió a un taller sobre cómo escribir y vender películas tipo Hallmark. Entonces decidió hacer algo bastante absurdo: intentar aplicar esa fórmula narrativa a un documental sobre concreto. Ese es el punto de partida oficial de la cinta, que dura 101 minutos y es distribuida por Magnolia.

En otras palabras, Wilson tomó dos cosas que aparentemente no deberían encontrarse jamás —una fórmula romántica prefabricada y un material de construcción— y decidió mezclarlas.

Y el público respondió.

En una industria obsesionada con encontrar “la fórmula” del éxito, THE HISTORY OF CONCRETE (The History of Concrete) parece burlarse precisamente de las fórmulas. Su atractivo está en la mirada del autor, en su capacidad para encontrar historias donde los demás solo ven banquetas, edificios, grietas y muros.

Porque una buena película no siempre depende del tema.

Depende de cómo se mira.

El concreto puede ser gris, duro, frío y perfectamente inmóvil. Pero alrededor de él hay ciudades, personas, arquitectura, recuerdos, fracasos, obsesiones y decisiones humanas. Y cuando alguien sabe mirar esas cosas con suficiente curiosidad, hasta una pared puede tener algo que contar.

Tal vez por eso la película está funcionando. No porque el mundo haya despertado repentinamente con una pasión secreta por el cemento Portland, sino porque el público todavía responde a una voz original.

Y eso también es una pequeña buena noticia para el cine.

En tiempos de secuelas calculadas, universos compartidos y algoritmos tratando de adivinar qué queremos ver, una película sobre concreto llegó con una propuesta rarísima y consiguió llenar una sala.

Nada mal para un material que, en teoría, está hecho para quedarse quieto.

THE HISTORY OF CONCRETE (The History of Concrete) demuestra que en el cine hasta el tema más pesado puede volverse ligero cuando alguien sabe contar la historia.

O, dicho de otra manera:

el concreto puede pesar toneladas.

La película, por fortuna, no.



ADRIANA PAZ, PORTADA DE USA TODAY

EN LA EDICIÓN 2026 DE HISPANIC HERITAGE MONTH

La actriz mexicana encabeza la edición especial con la que USA TODAY celebra el Mes de la Herencia Hispana y reconoce las historias y figuras latinas que están dejando huella en Estados Unidos.

Ciudad de México, 3 septiembre de 2026.— Adriana Paz protagoniza este año la portada de Hispanic Heritage Month 2026 de USA TODAY, edición especial anual dedicada a celebrar la cultura, las historias y las aportaciones de la comunidad latina en Estados Unidos.

Bajo el encabezado “Adriana Paz: Rising Star Brings Magic to the Big Screen”, la publicación dedica su portada y una historia a la trayectoria ascendente de la actriz mexicana, coincidiendo con el Mes de la Herencia Hispana, que se celebra en Estados Unidos del 15 de septiembre al 15 de octubre.

La elección cobra especial relevancia por el espacio que estas publicaciones de USA TODAY han dado a personalidades latinas con una importante presencia en la cultura estadounidense. Figuras como Camila Cabello, Eva Longoria y Sofía Vergara han protagonizado anteriormente especiales dedicados a la comunidad hispana; en 2026, ese lugar lo ocupa Adriana Paz, colocando a una actriz mexicana al frente de esta celebración editorial.

La portada llega además en un momento clave de su carrera. En 2024, Paz hizo historia al convertirse en la primera actriz mexicana en recibir el Premio a Mejor Actriz en el Festival de Cannes, reconocimiento otorgado de manera coral a las cuatro protagonistas de Emilia Pérez, de Jacques Audiard. Ese mismo año fue nombrada Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Gobierno de Francia.

En 2026, su presencia internacional continúa creciendo: La Cazadora, de Suzanne Andrews Correa, tuvo su estreno mundial en el Festival de Sundance, mientras que Ceniza en la boca, dirigida por Diego Luna, fue presentada en el Festival de Cannes dentro de la sección Proyecciones Especiales. Ambas películas forman parte actualmente de la Competencia Oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia. A estos proyectos se suma Animals, producción dirigida, producida y protagonizada por Ben Affleck, en la que Adriana Paz forma parte del elenco principal y que se estrenará el próximo octubre en Netflix.

“Me emociona profundamente ocupar esta portada, especialmente porque forma parte de una edición que celebra nuestras historias, nuestra cultura y todo lo que la comunidad latina aporta. Mi carrera comenzó en México y me ha llevado a lugares que nunca imaginé; poder representar desde mi trabajo una pequeña parte de todo ese talento latinoamericano que existe me llena de orgullo y gratitud”, comparte Adriana Paz.

Con más de dos décadas de trayectoria, más de 30 películas, tres Premios Ariel, un Premio a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Morelia y una nominación al Goya, la portada de Hispanic Heritage Month 2026 de USA TODAY representa un nuevo capítulo en la carrera de Adriana Paz y en su creciente presencia ante las audiencias de Estados Unidos.



LOS GATOS TAMBIÉN VAN AL CINE…

Y ARAÑAN LA TAQUILLA

Por el equipo editorial de Cinesaurio

En una cartelera dominada por superhéroes, epopeyas mitológicas y grandes campañas de mercadotecnia, apareció un competidor inesperado: los gatos.

CatVideoFest 2026, una recopilación de 74 minutos con videos de gatos seleccionados de Internet, se coló al Top 10 de la taquilla estadounidense durante el fin de semana. La película recaudó $568,414 dólares en 255 salas, con un promedio de $2,229 dólares por pantalla, superando a títulos que, en teoría, sonaban mucho más “importantes”, como una biopic de Anthony Bourdain y un documental producido por Meghan Markle y el príncipe Harry.

La pregunta es inevitable: ¿Cómo puede una colección de videos de gatos -eso que cualquiera puede ver gratis en el celular mientras finge trabajar- llevar gente a una sala de cine?

La respuesta está, precisamente, en la sala.

CatVideoFest no vende solamente videos de gatos. Vende una experiencia colectiva: reírse con desconocidos, reaccionar juntos, escuchar carcajadas alrededor y convertir algo diminuto, doméstico y viral en un pequeño evento comunitario. En otras palabras: toma lo más solitario de Internet y lo transforma en algo compartido.

El concepto no es improvisado. CatVideoFest 2026 es presentado por Oscilloscope Laboratories como una compilación de los mejores y más recientes videos felinos, seleccionados entre muchas horas de envíos, animaciones, videos musicales y clásicos de Internet.

Además, varias funciones del festival suelen tener un componente benéfico o vínculo con refugios y causas relacionadas con gatos, lo que le da al asunto una capa simpática: uno entra a ver gatos haciendo travesuras y, de paso, puede apoyar a gatos reales.

El éxito también dice algo interesante sobre el cine actual. No todo lo que funciona en pantalla grande necesita explosiones, multiversos o presupuestos imposibles. A veces basta una buena curaduría, una idea clara y una comunidad dispuesta a compartir la risa.

Porque, aceptémoslo, Internet nos acostumbró a ver gatos solos. En la cama, en el camión, en la oficina, en horarios moralmente cuestionables. Pero el cine recuerda que hasta la tontería puede volverse celebración cuando se ve acompañado.

Así que mientras Spider-Man se columpia por la taquilla y Odiseo navega mares épicos, los gatos hicieron lo suyo: entraron sigilosos, se acomodaron en el sillón… y arañaron un pedacito de Hollywood.

Al final, el cine tiene muchas vidas.

Y, al parecer, también tiene siete.


Te invito a ver también…