VALENTE QUINTANA: UN DETECTIVE DE PELÍCULA

HISTORIAS DEL CINE JAMÁS CONTADAS…

En el cine es frecuente ver a un actor interpretar a un personaje que existió realmente. Lo extraordinario es que ese personaje aparezca personalmente en la película para presentar a su alter ego cinematográfico.

Pues bien, eso sucedió en México. Y no una, sino dos veces.

Valente Quintana

El protagonista de esta curiosa historia fue Valente Quintana, uno de los investigadores criminales más famosos del país durante la primera mitad del siglo XX, conocido popularmente como el Sherlock Holmes mexicano.

Nacido en Matamoros, Tamaulipas, en 1889, Quintana desarrolló una carrera que parecía escrita por un novelista de historias policiacas. Investigó asesinatos, fraudes, secuestros y robos espectaculares. Utilizaba disfraces, recurría a informantes y podía infiltrarse entre delincuentes para conseguir información.

Uno de sus grandes triunfos ocurrió en 1921, cuando participó en la captura de los responsables del sangriento asalto al tren de Laredo. Aquel caso contribuyó a convertirlo en una celebridad.

Su fama llegó a tal grado que, en 1952, la productora Filmex llevó a los estudios dos historias inspiradas en sus investigaciones.

La primera fue El mensaje de la muerte, inicialmente titulada El plagio del millonario, dirigida por Zacarías Gómez Urquiza y estrenada el 2 de mayo de 1953 en el cine Palacio Chino de la Ciudad de México.

La segunda, El misterio del carro express, cuyo título anterior era El crimen del tren de Laredo, se estrenó el 22 de julio del mismo año en el cine Nacional.

En ambas, el actor Miguel Torruco interpretaba a Valente Quintana.

Pero lo verdaderamente insólito ocurría al principio.

Las películas incluían un prólogo con la participación del detective auténtico, quien aparecía ante las cámaras junto al hombre que lo representaría durante el resto de la historia.

Valente Quintana y el actor Miguel Torruco

El investigador de carne y hueso presentaba así a su propia versión cinematográfica.

¡Una manera bastante ingeniosa de decirle al público que lo que estaba por contemplar tenía sus raíces en hechos reales!

En ambas producciones participó también Rebeca Iturbide y hubo intervenciones musicales de Tongolele y los célebres Nicholas Brothers. Porque en nuestro cine, incluso una investigación criminal podía encontrar espacio para un buen espectáculo musical.

La historia tiene otra ironía deliciosa.

En una entrevista publicada en 1925, Quintana había criticado las películas de policías y ladrones porque consideraba que enseñaban métodos útiles a los delincuentes.

Veintiocho años después, el propio detective aparecía en dos de ellas.

Su vida, desde luego, no estuvo libre de controversias. Detrás de su extraordinaria reputación existieron también acusaciones de corrupción e investigaciones políticas cuestionadas por historiadores posteriores; de hecho dos veces pisó la infame cárcel de Belén (Cárcel General), en ambos casos salió pocos días después por falta de pruebas.

Pero eso forma parte precisamente de lo fascinante del personaje: un investigador cuya vida contenía suficientes luces, sombras, peligros y contradicciones para alimentar numerosas películas.

Y pensar que una de las mejores escenas de su carrera cinematográfica ni siquiera necesitó un guionista.

Bastó con poner frente a la cámara al detective verdadero y al actor que iba a convertirse en él.

A veces, la realidad también sabe escribir excelentes escenas de cine.

¡Y ahora la cereza del pastel! Te invito a ver el prólogo de EL MENSAJE DE LA MUERTE con el propio Valente Quintana presentando al actor Miguel Torruco su alter ego en la película


Y si quieres ver la película completa, haz Clic sobre la siguiente pantalla y acTiva el modo de pantalla completa.


¡El cine indio conquista la taquilla

que nunca había dominado!

RAMAYANA: EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA llega hoy a los cines de México después de convertirse en la primera película india que alcanza el número uno de la taquilla de Reino Unido e Irlanda. Bollywood ya no parece dispuesto a quedarse solamente en casa.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante décadas, cuando hablábamos de grandes producciones cinematográficas internacionales, el mapa parecía bastante predecible.

Hollywood ocupaba casi todo.

Europa conservaba algunos territorios.

Japón aparecía de vez en cuando.

Y el cine de la India, aunque producía cientos de películas y tenía un público gigantesco, rara vez conquistaba los primeros lugares de las grandes taquillas occidentales.

Eso empieza a cambiar.

RAMAYANA: EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA (Ramayana: Rise of a Legend) llega hoy, 12 de noviembre, a los cines mexicanos después de conseguir algo que ninguna película india había logrado antes: debutar en el número uno de Reino Unido e Irlanda.

La cinta recaudó 1.7 millones de libras durante el fin de semana del 6 al 8 de noviembre, y alcanzó alrededor de 2.2 millones incluyendo funciones previas, superando el récord anterior para una producción india en ese mercado.

Nada mal para una historia que tiene varios miles de años.

Dirigida por Nitesh Tiwari, responsable de Dangal, la película adapta el Ramayana, una de las grandes epopeyas de la tradición india. La historia sigue a Rama, príncipe marcado por el deber y el sacrificio; a Sita, su esposa; y a Ravana, un poderoso rey cuya venganza terminará enfrentándolos.

El reparto está encabezado por Ranbir Kapoor, Sai Pallavi y Yash, y la música reúne dos nombres enormes: Hans Zimmer y A.R. Rahman, ambos ganadores del Óscar.

La película es además la primera parte de una historia concebida en dos entregas. La segunda está prevista para 2028.

Pero quizá lo más interesante no está solamente en la pantalla.

Está en lo que ocurre alrededor de ella.

Durante mucho tiempo, el cine indio fue visto fuera de su país como un producto dirigido principalmente a las comunidades de origen indio. RAMAYANA está intentando algo diferente: competir directamente por el público general en mercados tradicionalmente dominados por Hollywood.

En Reino Unido ya lo consiguió.

Incluso superó durante su estreno a GODZILLA MINUS ZERO, otra producción asiática con fuerte presencia internacional. Por primera vez, además, películas asiáticas ocuparon simultáneamente los dos primeros lugares de aquella taquilla.

Ahora comienza otra prueba: México.

Sony Pictures estrena hoy la película en nuestro país con el título oficial RAMAYANA: EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA, y Cinépolis la anuncia incluso en formatos como REAL 3-D y otras salas especiales, dependiendo del complejo. En ROTTEN TOMATOES el público le otorga un 94% de aceptación con más de 500 votos.

Vete preparado y con todo resuelto pues la película tiene una duración de 2 horas 47 minutos y no hay intermedio…

El cine indio conquista una taquilla que nunca había dominado

Porque la historia no es solo “una película india tuvo éxito”, sino que el cine de la India está ocupando espacios comerciales que hace pocos años parecían reservados a Hollywood y al cine británico. Además, Ramayana es una gran producción mitológica basada en uno de los textos fundamentales de la cultura india.

Tal vez estemos viendo algo más que el éxito de una película.

Quizá estemos viendo cómo cambia poco a poco el mapa del cine comercial mundial.

Hollywood todavía domina la función.

Pero otros ya están comprando boleto para sentarse en primera fila.





De Bambi a los Marines

Donnie Dunagan, la voz original del pequeño Bambi, murió a los 92 años después de llevar una de las vidas más insólitas relacionadas con Hollywood: actor infantil, compañero de Boris Karloff y, más tarde, condecorado mayor de los Marines.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Imaginen entrar al cuartel y descubrir que el mayor al mando fue alguna vez Bambi.

Donnie Dunagan hizo todo lo posible para que eso nunca ocurriera.

El actor que prestó su voz al pequeño cervatillo en BAMBI (Bambi, 1942) murió el pasado 4 de noviembre a los 92 años, víctima de cáncer de pulmón. La noticia se conoció públicamente días después.

Su biografía parece escrita por dos personas distintas.

Dunagan nació en San Antonio, Texas, en 1934 y comenzó a actuar siendo apenas un niño. Antes de llegar a Disney apareció en EL HIJO DE FRANKENSTEIN (Son of Frankenstein, 1939), donde interpretó a Peter, hijo del barón Wolf von Frankenstein, compartiendo pantalla con Basil Rathbone, Bela Lugosi y Boris Karloff.

Años después recordaría algo maravilloso: jugaba damas con Karloff durante los descansos… mientras éste todavía llevaba puesto el maquillaje del monstruo.

Luego llegó Disney.

Tenía seis años cuando fue elegido para prestar su voz al joven Bambi. También sirvió como referencia para los animadores, que estudiaban sus expresiones infantiles mientras construían al personaje.

Y le tocó participar en una de las escenas que traumatizaron a generaciones enteras: aquella en la que Bambi descubre que su madre ha muerto.

BAMBI sería su última película.

A los 18 años, Dunagan dejó Hollywood y en 1952 ingresó al Cuerpo de Marines de Estados Unidos. Permaneció allí durante 25 años, participó en tres períodos de servicio en Vietnam, trabajó en contrainteligencia y Force Recon y se retiró con el rango de mayor. Entre sus condecoraciones recibió una Estrella de Bronce y tres Corazones Púrpura.

Pero había un pequeño detalle de su expediente que nadie conocía.

Había sido Bambi.

Durante prácticamente toda su carrera militar lo mantuvo en secreto. Dunagan explicó años después que imaginaba lo que ocurriría si cientos de jóvenes Marines descubrían aquel antecedente:

terminaría convertido en “Major Bambi”.

Así que cerró la boca.

Un compañero no descubrió la verdad hasta aproximadamente un mes antes de que ambos se retiraran. Con el tiempo, Dunagan reconoció que haber ocultado aquella parte de su vida había sido uno de sus grandes arrepentimientos.

Finalmente terminó aceptando con cariño al personaje del que durante tantos años había huido.

Porque pocas carreras pueden resumirse así:

primero hizo llorar a millones de niños.

Después pasó un cuarto de siglo entre Marines.

Y al final descubrió que no había nada vergonzoso en que lo recordaran como aquel pequeño venado.

Donnie Dunagan sobrevivió a Hollywood, a Vietnam y al apodo de “Major Bambi”.

Nada mal para un cervatillo.



GODZILLA VUELVE A RUGIR… DESDE CASA!

GODZILLA MINUS ZERO, continuación de la multipremiada GODZILLA MINUS ONE, ya está en los cines de México. El monstruo más famoso de Japón regresa más grande, más ruidoso y con algo que Hollywood no siempre puede fabricar: memoria.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Godzilla tiene más de setenta años, ha destruido Tokio incontables veces, peleado contra monstruos imposibles y hasta emigrado a Hollywood.

Pero de vez en cuando vuelve a casa.

GODZILLA MINUS ZERO (Godzilla Minus Zero) llegó a los cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, dos días después de su estreno en Japón y un día antes de desembarcar en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y otros mercados.

La película continúa directamente la historia de GODZILLA MINUS ONE (Godzilla Minus One, 2023), la producción japonesa que sorprendió al mundo al combinar espectáculo de monstruos con un drama sobre culpa, supervivencia y las heridas dejadas por la Segunda Guerra Mundial.

Y además consiguió algo que hasta entonces ningún Godzilla había logrado: ganar el Óscar a Mejores Efectos Visuales.

Detrás vuelve a estar Takashi Yamazaki, nuevamente como director, guionista y responsable de los efectos visuales. La historia avanza dos años respecto a la anterior: Japón intenta reconstruirse y recuperar cierta normalidad después de la guerra y del ataque de Godzilla.

Naturalmente, la tranquilidad dura poco.

La película dura 135 minutos y recupera varios personajes de la cinta anterior, entre ellos Kōichi Shikishima y Noriko. Esta vez la amenaza crece tanto en escala como en ambición, pero Yamazaki conserva algo que distinguió a MINUS ONE de muchas superproducciones contemporáneas: antes de preocuparse por el monstruo, procura que nos preocupemos por las personas que están debajo de sus enormes patas.

Y hay otra novedad importante.

GODZILLA MINUS ZERO es la primera producción japonesa rodada bajo el programa “Filmed for IMAX”, lo que convierte la experiencia de pantalla grande en parte importante de su propuesta. Toho incluso organizó funciones anticipadas IMAX alrededor del Godzilla Day del 3 de noviembre.

Las primeras críticas han sido mayoritariamente favorables, aunque no unánimes. Algunos críticos celebran que sea más grande, oscura y visualmente espectacular que su predecesora; otros consideran que el drama humano ocupa demasiado espacio frente al espectáculo monstruoso. En Rotten Tomatoes aparece actualmente con 90% de aprobación de la crítica y 96% del público verificado.

Pero quizá lo más interesante sigue siendo otra cosa.

Hollywood convirtió a Godzilla en protagonista de una enorme franquicia internacional.

Japón, en cambio, volvió a utilizarlo como lo hizo desde 1954: no solamente como monstruo, sino como reflejo de los miedos de una sociedad.

Destrucción.

Guerra.

Radiación.

Trauma.

Reconstrucción.

Por eso Godzilla puede atravesar ciudades y décadas sin desaparecer.

A veces es espectáculo.

A veces es metáfora.

Y cuando vuelve a Japón, suele ser las dos cosas al mismo tiempo.

Después de todo, hasta los monstruos saben dónde está su casa.





EL GATO CON SOMBRERO: ¿DIVERSIÓN INOCENTE O DEMASIADAS TRAVESURAS?

La nueva película animada de Warner Bros. llega a los cines mexicanos con una promesa de magia, caos e irreverencia. Pero ¿Es realmente recomendable para los niños?

Ante el estreno de esta aventura animada, CINESAURIO revisó información oficial, entrevistas con sus creadores y evaluaciones de críticos y especialistas para ofrecer a los padres elementos que les ayuden a decidir si es una película apropiada para sus hijos.

El famoso personaje creado por Dr. Seuss en 1957 regresa a la pantalla grande con El Gato con Sombrero (The Cat in the Hat, 2026), una producción animada dirigida por Erica Rivinoja y Alessandro Carloni, con Bill Hader como la voz original del travieso felino y Alfonso Herrera en el doblaje mexicano.

Alfonso Herrera protagoniza el doblaje en Español

La historia presenta a Gabby y Sebastián, dos hermanos que atraviesan momentos difíciles después de mudarse a otra ciudad. Para devolverles la alegría aparece un gato extravagante que tiene una solución para todo: imaginación, magia y unas travesuras que suelen terminar en un desorden monumental.

Hasta aquí, entretenimiento infantil. Pero hay algo que merece nuestra atención.

¿Diversión o invitación a desobedecer?

Durante la infancia, especialmente entre los tres y siete años, los niños todavía están desarrollando su capacidad para distinguir las consecuencias reales de las acciones que observan en la ficción.

Un personaje que rompe las reglas, desafía a los adultos y provoca desastres sin consecuencias aparentes puede resultarles muy atractivo.

¿Significa que después de ver la película los pequeños saldrán a destruir la casa? Por supuesto que no. Los niños no son máquinas que reproducen automáticamente lo que ven.

Sin embargo, desde la psicología y la educación, importa observar si las conductas inadecuadas aparecen acompañadas de consecuencias y aprendizajes, o si solamente son celebradas porque provocan carcajadas.

¿Qué pretenden realmente sus creadores?

En una entrevista con Cartoon Brew, los directores explicaron que buscan abordar un problema contemporáneo: niños cada vez más absorbidos por las pantallas, los videojuegos y las redes sociales, pero desconectados de sus familias.

La intención declarada es recuperar la imaginación, la convivencia y la capacidad de disfrutar el presente.

No encontramos evidencias de una agenda oculta para promover la desobediencia o destruir los valores familiares. Más bien, la película parece utilizar el caos como vehículo para hablar de afecto, adaptación a los cambios y comprensión entre padres e hijos.

Lo bueno y lo cuestionable

A favor: imaginación desbordante, creatividad visual, humor y mensajes positivos sobre la familia, la amistad y la importancia de comprender los sacrificios de los padres.

En contra: algunas críticas advierten de humor escatológico, lenguaje inconveniente para los pequeños, violencia caricaturesca, escenas con monstruos que pueden asustarlos y un ritmo visual excesivamente acelerado.

No necesariamente son elementos perjudiciales, pero tampoco conviene ignorarlos.

Entonces, ¿a qué edad?

Nuestra recomendación orientativa es reservarla preferentemente para niños de ocho años en adelante, acompañados por sus padres. Entre los seis y siete años dependerá de su madurez y sensibilidad. Para los menores de seis, sería preferible elegir una película más tranquila.

La clasificación estadounidense es PG, que recomienda orientación de los padres. En México, las fuentes consultadas muestran clasificaciones distintas, por lo que conviene verificar la correspondiente a la exhibición elegida.

El balance de CINESAURIO

El Gato con Sombrero parece tener buenas intenciones, aunque su manera de transmitirlas puede resultar demasiado estridente.

No es necesario prohibir las travesuras cinematográficas. La imaginación también necesita romper algunas reglas… ¡por lo menos las de la fantasía!

Lo importante es que los niños comprendan que divertirse no significa hacer lo que se nos antoje sin pensar en los demás.

Y si después de la función padres e hijos conversan sobre lo que vieron, quizá el gato haya conseguido algo mejor que provocar carcajadas: dejar una pequeña enseñanza debajo de su enorme sombrero.


Nota editorial: Este artículo se elaboró a partir de información oficial, entrevistas con los realizadores y reseñas de críticos y especialistas que han visto la película. No constituye una crítica basada en un visionado propio. Las edades sugeridas son una orientación editorial para las familias, no una clasificación oficial ni una evaluación clínica sobre sus posibles efectos en los niños.





Diego Luna estrena mañana CENIZA EN LA BOCA

CENIZA EN LA BOCA, dirigida por Diego Luna llega mañana, 5 de noviembre, a los cines de México. Una historia de migración, familia y desarraigo que recuerda algo incómodo: cambiar de país no siempre significa cambiar de vida.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Diego Luna vuelve a colocarse detrás de la cámara.

Y esta vez no para contar una historia cómoda.

CENIZA EN LA BOCA, su nuevo largometraje como director, se estrena en cines mexicanos este jueves 5 de noviembre, después de recorrer festivales como Cannes, Toronto, San Sebastián, Sarajevo y Morelia. La película es una coproducción entre México y España y tiene una duración aproximada de 98 minutos.

La historia sigue a Lucila, una joven mexicana interpretada por Anna Díaz, que viaja con su hermano Diego a Madrid para reencontrarse con su madre, Isabel, encarnada por Adriana Paz.

La madre lleva ocho años viviendo y trabajando ilegalmente en España para sostenerlos desde lejos.

En teoría, el reencuentro debería significar empezar de nuevo.

En la práctica, las cosas resultan bastante menos sencillas.

Lucila descubre que emigrar no elimina automáticamente los problemas: aparecen empleos precarios, discriminación, racismo, responsabilidades familiares que nadie pidió y una sensación constante de no pertenecer del todo a ningún sitio.

La escritora mexicana Brenda Navarro

La película está basada en la novela homónima de Brenda Navarro, publicada originalmente en 2021. El guion fue desarrollado por Diego Luna junto con Abia Castillo y Diego Rabasa, en un proceso que tomó alrededor de dos años y medio.

Pero quizá lo más interesante está en el punto de vista.

Ésta no parece ser simplemente una película “sobre migrantes”.

Es una historia sobre lo que ocurre dentro de una familia cuando la distancia, el sacrificio y las expectativas empiezan a cobrar factura.

Porque emigrar suele contarse como una historia de oportunidad: alguien se va para construir una vida mejor.

CENIZA EN LA BOCA se pregunta qué pasa cuando esa vida mejor llega acompañada de otras heridas.

Luna ha explicado que considera especialmente pertinente hablar hoy de migración y que el proyecto fue desarrollado durante varios años con un equipo de voces diversas.

La película también llega con un recorrido internacional considerable. Fue presentada en una función especial del Festival de Cannes 2026, formó parte de Horizontes Latinos en San Sebastián y posteriormente llegó al Festival Internacional de Cine de Morelia.

Ahora le toca encontrarse con el público mexicano.

Y quizá ahí esté la verdadera prueba.

Porque detrás de estadísticas, fronteras, permisos y discusiones políticas sobre migración siempre termina apareciendo algo mucho más sencillo:

una persona que se fue,

otra que se quedó,

y una familia intentando averiguar qué queda de ellas cuando finalmente vuelven a encontrarse.

CENIZA EN LA BOCA llega mañana a las salas mexicanas.

Y a veces basta cruzar un océano para descubrir que hay cosas de las que uno nunca termina de irse.




Netflix quiere que salgas de tu casa

THE FURTHER MIS-ADVENTURES OF CLIFF BOOTH llegará primero a IMAX y después a streaming. David Fincher retoma al inolvidable personaje de ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD, con Brad Pitt de nuevo al volante y Quentin Tarantino escribiendo el guion.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Durante años, Netflix quiso convencernos de algo muy sencillo:

“Quédate en casa”.

La plataforma creció precisamente ofreciendo una alternativa a las salas de cine. Pero ahora parece dispuesta a demostrar que también sabe jugar del otro lado de la pantalla.

El próximo 25 de noviembre, Netflix estrenará THE FURTHER MIS-ADVENTURES OF CLIFF BOOTH en una corrida exclusiva de dos semanas en las salas IMAX de Cinépolis. Después, el 23 de diciembre, la película llegará a NETFLIX.

Y no se trata de cualquier personaje.

Cliff Booth nació en ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD (Once Upon a Time… in Hollywood, 2019), de Quentin Tarantino. Brad Pitt interpretaba ahí al doble de acción, chofer, amigo y hombre para todo de Rick Dalton, el actor encarnado por Leonardo DiCaprio.

El personaje terminó convirtiéndose en uno de los grandes atractivos de aquella película y le dio a Pitt el Óscar como actor de reparto.

Ahora vuelve.

Pero Hollywood también cambió.

La nueva historia se sitúa en 1977, ocho años después de los acontecimientos de la película original. Cliff ya no es solamente un doble de acción. Trabaja como cantinero y proyeccionista, pero también como una especie de “arreglador” de problemas para gente poderosa de Hollywood.

Problemas que incluyen asesinato, chantaje, robo y extorsión.

Nada grave. Un martes cualquiera en Los Ángeles.

La combinación detrás de cámaras resulta especialmente atractiva: Quentin Tarantino escribió el guion, pero David Fincher dirige.

Es decir, el personaje conserva el ADN de Tarantino, pero ahora pasa por la mirada fría, precisa y obsesiva de Fincher.

El primer borrador de Tarantino tenía unas 230 páginas. Fincher dijo que aquello era prácticamente “dos películas”, por lo que hubo que reducirlo considerablemente antes de filmar.

A eso se suma otra marca Fincher: Trent Reznor y Atticus Ross compondrán la música, en su sexta colaboración cinematográfica con el director después de títulos como RED SOCIAL, PERDIDA, MANK y EL ASESINO.

Pero quizá lo más interesante está fuera de la película.

Netflix, uno de los grandes responsables de cambiar nuestra manera de consumir cine, ahora está utilizando IMAX como parte del acontecimiento.

Primero quiere que salgamos de casa.

Luego nos dejará verla en el sillón.

Tal vez streaming y salas ya no estén obligados a ser enemigos.

Quizá el negocio esté descubriendo algo mucho más sencillo:

hay películas que uno quiere ver en casa.

Y hay otras que primero necesitan una pantalla enorme, sonido brutal… y unas buenas palomitas.



Netflix también quiere su tajada de Notre-Dame

QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS llega a Netflix con Vincent Cassel y una idea irresistible: imaginar la vida del hombre que pudo inspirar al inmortal jorobado de Víctor Hugo. El problema -o quizá lo más interesante- es que nadie puede asegurar que aquel Quasimodo haya existido realmente.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

¿Las plataformas le están quitando una tajada a las salas de cine?

La discusión lleva años sobre la mesa. Mientras los cines apuestan por pantallas gigantes, sonido envolvente y películas convertidas en “acontecimientos”, Netflix sigue teniendo otra ventaja formidable: puede llevar hasta nuestra sala historias que, no hace mucho, quizá habríamos tenido que buscar en una cartelera.

Ahora le toca el turno a Quasimodo.

Netflix estrenará en México el 27 de noviembre QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS (Quasimodo, l’âme de Paris), película francesa dirigida por Jean-François Richet y protagonizada por Vincent Cassel, acompañado por Karim Leklou, Daphné Patakia, Benjamin Voisin y Noémie Lvovsky.

Pero ésta no es otra adaptación de NUESTRA SEÑORA DE PARÍS.

La película retrocede hasta 1830 y propone imaginar la vida del hombre que habría inspirado a Víctor Hugo para crear a Quasimodo. Cassel interpreta a un cantero jorobado, visto como un monstruo por quienes lo rodean, mientras París se agita entre revolución, epidemia de cólera y una historia de amor imposible. Netflix define expresamente la película como una “reimaginación” de aquel supuesto personaje real.

Y aquí comienza lo verdaderamente sabroso.

¿Existió Quasimodo?

En 2010, el archivista Adrian Glew encontró entre los papeles del escultor británico Henry Sibson, conservados por la Tate, una referencia a artesanos que trabajaban en París durante la década de 1820. Sibson mencionaba a un escultor del gobierno que era jorobado y al que conocían simplemente como “Le Bossu”, “el jorobado”. Los trabajadores estaban vinculados con obras en Notre-Dame y se movían en ambientes cercanos a Víctor Hugo.

La coincidencia es fascinante.

Pero coincidencia no significa prueba.

No existe documento conocido en el que Hugo diga: “este hombre fue mi Quasimodo”. Incluso desconocemos el verdadero nombre de aquel escultor. La conexión es una hipótesis histórica plausible, no la biografía comprobada del campanero de Notre-Dame.

Y justamente ahí parece estar el atractivo de la película.

Entre la historia comprobable, la leyenda que creció alrededor de ella y la libertad del cine para llenar los espacios vacíos, Netflix encontró terreno perfecto para contar algo nuevo sobre un personaje que conocemos desde hace casi dos siglos.

Quizá QUASIMODO, EL ALMA DE PARÍS no vaya a revelarnos quién fue el verdadero Quasimodo.

Pero sí puede conseguir algo igualmente interesante:

hacernos preguntar si antes del mito hubo realmente un hombre.

Y esta vez no tendremos que subir hasta el campanario para encontrarlo.

Bastará abrir Netflix.

Mira aquí el tráiler

Quasimodo, el alma de París | Tráiler oficial | Netflix



Homero, ahora con prompt

Grok Imagine, la inteligencia artificial de Elon Musk, publicó los primeros siete minutos de su propia versión de LA ODISEA. Mientras Christopher Nolan convirtió a Homero en un espectáculo cinematográfico gigantesco, la IA intenta demostrar que también puede llegar a Ítaca.

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Homero debe estar pasando una temporada bastante movida.

Después de que Christopher Nolan convirtiera LA ODISEA (The Odyssey) en uno de los grandes acontecimientos cinematográficos recientes, apareció un nuevo competidor dispuesto a contar las aventuras de Odiseo.

Solo que éste no necesita cámaras, barcos ni miles de extras.

Necesita prompts.

El pasado 23 de octubre, Grok Imagine, la herramienta de generación de imágenes y video de xAI, publicó el primer episodio de una versión de LA ODISEA creada mediante inteligencia artificial. Dura poco más de siete minutos y fue realizada en colaboración con Wonder Studios y el director Dev Walker, ambos especializados en producción audiovisual con IA.

El proyecto había sido anunciado en julio por Elon Musk con una promesa bastante ambiciosa: antes de terminar 2026, Grok produciría un largometraje completo, “históricamente preciso” y fiel al poema de Homero.

Por ahora tenemos siete minutos.

El episodio muestra a Odiseo antes de partir hacia la Guerra de Troya, resistiéndose inicialmente a participar hasta que un antiguo juramento termina obligándolo a embarcarse.

Y aquí comienza lo interesante.

Porque casi simultáneamente tenemos dos maneras radicalmente distintas de enfrentarse a un texto escrito hace casi tres mil años.

Por un lado está Nolan: producción física, grandes escenarios, actores, cámaras, fotografía, montaje, sonido y una obsesión casi religiosa por hacer que el espectador vaya a una sala de cine.

Por el otro está Grok Imagine: instrucciones escritas a una inteligencia artificial que genera personajes, escenarios, movimientos y voces a partir de modelos digitales.

En teoría, ambos parten del mismo sitio.

Homero.

Pero el camino hacia Ítaca no podría ser más distinto.

La primera muestra de Grok también evidencia que la tecnología todavía tiene dificultades. Medios especializados han señalado problemas de sincronización entre voces y rostros, movimientos artificiales y una interpretación visual irregular. Incluso la propia Grok, al ser consultada posteriormente sobre la supuesta “precisión histórica”, reconoció que semejante promesa es complicada: LA ODISEA es, después de todo, un poema mitológico, no una crónica periodística de la Edad de Bronce.

Y quizá allí esté la verdadera historia.

No se trata de decidir todavía si la inteligencia artificial podrá algún día hacer una buena película.

La pregunta es otra:

¿Qué convierte a una sucesión de imágenes en cine?

¿La tecnología?

¿El presupuesto?

¿La cámara?

¿Los actores?

¿O las decisiones humanas que determinan por qué una imagen aparece después de otra?

Grok tiene hasta fin de año para cumplir su promesa de completar el largometraje.

Mientras tanto, Homero probablemente observa todo desde algún lugar.

Después de casi tres mil años, descubrir que ahora también necesita aprender a escribir prompts debe ser su aventura más extraña.

Creo que aquí el contraste Nolan vs. Grok funciona mucho mejor que hacer una simple nota tecnológica. El verdadero personaje termina siendo el cine mismo: dos caminos para contar exactamente la misma historia y dos ideas muy distintas de lo que significa hacer una película.