ELSA AGUIRRE: LA BELLEZA SERENA DEL CINE DE ORO MEXICANO

Con la muerte de Elsa Aguirre, el Cine de Oro Mexicano pierde no sólo a una de sus últimas grandes figuras, sino a una presencia distinta: una actriz que nunca necesitó levantar la voz para imponerse en pantalla. Su fuerza estaba en otra parte: en la mirada, en la elegancia, en esa serenidad que parecía venir de un México ya muy lejano, pero que todavía reconocemos cuando aparece su rostro en una película.

Elsa Aguirre falleció a los 95 años, en Cuernavaca, rodeada de sus seres queridos. La noticia fue confirmada por la Asociación Nacional de Intérpretes, que destacó tanto su talento dramático como su belleza icónica dentro del cine nacional. Nacida en Chihuahua en 1930, llegó al cine siendo apenas una adolescente, después de ganar un concurso organizado por Clasa Films Mundiales, que la llevó a debutar en EL SEXO FUERTE (1946).

Pero reducir a Elsa Aguirre a “una de las mujeres más bellas del cine mexicano” sería quedarse en la superficie. Sí, su belleza fue evidente, casi escultórica, de esas que la cámara no sólo registra sino que parece obedecer. Sin embargo, lo que la distinguió fue que no se quedó prisionera de esa imagen. En una época en la que muchas actrices eran moldeadas por el estudio, por el galán de turno o por la idea de la “mujer ideal”, Elsa Aguirre construyó una presencia más discreta, más contenida, menos estruendosa que la de otras divas, pero igualmente poderosa.

En películas como OJOS DE JUVENTUD, LLUVIA ROJA, LA MUJER QUE YO AMÉ y CUIDADO CON EL AMOR, compartió pantalla con figuras como Jorge Negrete, Pedro Infante y hasta Mauricio Garcés. Su carrera cruzó el melodrama, la comedia, el drama romántico y más tarde la televisión, siempre con una cualidad que la hacía reconocible: no parecía actuar desde el exceso, sino desde una naturalidad elegante.

Había en ella una especie de dignidad tranquila. Elsa Aguirre podía ser luminosa sin resultar frívola; podía ser romántica sin parecer débil; podía ser sofisticada sin perder cercanía. No era la diva que avasalla: era la diva que permanece. Y quizá por eso su imagen trascendió el tiempo de manera distinta. No se quedó congelada en el póster o el celuloide, sino que siguió habitando la memoria del público como una mujer real, con voz propia, con disciplina, con carácter y con una manera muy personal de entender la vida.

Fuera de la pantalla, también se distinguió por algo poco común entre las grandes estrellas de su generación: su relación con el cuerpo y la vida interior. Durante décadas practicó yoga, promovió la meditación y llevó una dieta vegetariana u ovolactovegetariana (seguía una alimentación vegetariana que incluía huevo y lácteos), hábitos que ella misma relacionaba con su bienestar y longevidad. En entrevistas recientes hablaba de caminar, ejercitarse y cuidar su alimentación como parte de una disciplina cotidiana, no como pose de celebridad.

Ese rasgo es importante porque revela a una mujer que no sólo cultivó su imagen, sino también su equilibrio. Elsa Aguirre no parecía perseguir la juventud; más bien daba la impresión de haber hecho las paces con el tiempo. Mientras otras figuras quedan atrapadas en el recuerdo de lo que fueron, ella siguió apareciendo ante el público con una mezcla de coquetería, lucidez y serenidad. Como si hubiera entendido que la belleza, cuando se sostiene sólo en el rostro, se agota; pero cuando nace también del alma, de la presencia, puede durar toda una vida.

También fue una figura querida porque mantuvo un vínculo cercano con sus admiradores. Aun retirada de la actuación, siguió compartiendo recuerdos, reflexiones y fragmentos de su vida. Su permanencia no dependía ya de estrenos ni de reflectores, sino del afecto de varias generaciones que la recordaban como parte de un cine mexicano donde el rostro de una actriz podía convertirse en patrimonio sentimental.

Elsa Aguirre perteneció a una época en la que el cine mexicano fabricaba mitos, pero su singularidad estuvo en no dejarse devorar del todo por el mito. Fue estrella, sí; fue belleza emblemática, desde luego; pero también fue una mujer disciplinada, reservada, espiritual, resistente y dueña de una elegancia que no necesitaba explicación.

Hoy, al despedirla, no se va solamente una actriz de la Época de Oro. Se va una forma de vivir, de estar frente a la cámara: con misterio, con clase, con luz propia. Una forma de belleza que no pedía permiso ni hacía ruido. Elsa Aguirre no sólo perteneció al Cine de Oro. Fue una de esas presencias que ayudaron a que el cine mexicano brillara con oro propio.

Por: Consejo Editorial de CINESAURIO



POR QUÉ VER ‘LA ODISEA’ EN UNA SALA IMAX LÁSER

No todas las salas de cine son iguales, aunque todas vendan palomitas.

Una película como LA ODISEA, de Christopher Nolan, no está pensada sólo para “verse”; está pensada para sentirse grande. Y ahí es donde entra la diferencia entre verla en una sala tradicional y verla en una sala IMAX Láser.

En una sala digital común, la película se puede ver bien. La imagen es correcta, el sonido cumple y uno entiende perfectamente la historia. Pero en IMAX Láser la experiencia sube varios escalones: la pantalla suele ser más grande, la imagen tiene más brillo, mejor contraste, colores más firmes y un sonido más envolvente. En pocas palabras: no sólo ves el viaje de Odiseo; sientes que el mar, los monstruos y los dioses te quedan más cerca.

Ahora, pongámoslo en términos sencillos. Muchas salas tradicionales proyectan en digital 2K, que equivale aproximadamente a una imagen de 2048 por 1080 pixeles. IMAX Láser, en cambio, trabaja con proyección 4K, es decir, alrededor de 4096 por 2160 pixeles. ¿Qué significa eso para el espectador? Que la imagen puede tener hasta cuatro veces más información visual. Es como comparar una foto buena en el celular con una imagen mucho más grande, más limpia y con más detalle. En una pantalla chica quizá no se nota tanto, pero en una pantalla enorme, como la de una sala IMAX, esa diferencia ayuda a que los rostros, paisajes, texturas, mares, cielos y escenarios se vean más definidos.

Pero la resolución no lo es todo. IMAX Láser también gana por luz y contraste. En una sala común, una escena oscura puede verse apagada o plana. En una buena sala IMAX Láser, los negros suelen tener más profundidad, las zonas brillantes destacan más y la imagen conserva mejor su fuerza. Esto importa mucho en una película de aventuras épicas, donde no sólo queremos saber que hay un barco en el mar: queremos sentir el tamaño del mar.

Nolan filmó LA ODISEA con cámaras IMAX, es decir, pensando en pantallas gigantes desde el origen. Por eso, cuando una película así llega a una sala IMAX, no es un simple lujo: es acercarse más a la forma en que fue imaginada.

¿Significa que en una sala tradicional se verá mal? No. Pero es como ver un mural en una foto o pararte frente al mural. La historia es la misma, pero el impacto cambia.

En México, lo más probable es que podamos verla en IMAX digital o IMAX Láser, no en el rarísimo IMAX de película de 70 mm que tanto aman los puristas. Aun así, IMAX Láser es una excelente opción: más nítida, más luminosa y más inmersiva que una sala convencional.

Así que si vas a ver LA ODISEA, la recomendación CINESAURIO es clara: si puedes elegir, busca una sala IMAX Láser. Porque hay películas que uno va a ver… y hay otras que conviene dejar que lo traguen a uno por completo.



NOLAN: EL DIRECTOR QUE CONVIRTIÓ SU NOMBRE EN UNA FRANQUICIA

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Hay directores que estrenan películas. Y hay otros, muy pocos, que estrenan acontecimientos.

Christopher Nolan pertenece a esa especie cada vez más rara dentro de Hollywood: el cineasta cuyo nombre ya no funciona únicamente como crédito artístico, sino como promesa de experiencia. Cuando se anuncia una nueva película suya, la conversación no gira solo alrededor del argumento, el reparto o el tráiler. La pregunta aparece casi de inmediato: ¿cómo habrá que verla?

Con LA ODISEA, su nueva adaptación del poema épico de Homero, Nolan vuelve a demostrar que ha conseguido algo que muchos estudios persiguen con franquicias, universos compartidos y campañas millonarias: convertir cada estreno en una cita obligada para el público cinéfilo.

La película, prevista para estrenarse en los cines de todo México este jueves 16 de julio, ha sido presentada por Universal como una epopeya filmada con cámaras IMAX, con un reparto encabezado por Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya y Charlize Theron. Pero la pregunta interesante no es solo qué va a contar Nolan, sino cómo logra que ¡una historia de hace casi tres mil años se sienta como uno de los estrenos más esperados del año!

La respuesta empieza con una palabra: CONFIANZA

Nolan ha construido una relación poco común con el público. Sus películas suelen prometer algo más que entretenimiento pasajero. Ofrecen espectáculo, complejidad narrativa y ambición formal. Desde Memento hasta El origen, desde Dunkerque hasta Oppenheimer, su cine invita al espectador a entrar en una experiencia donde no todo se entrega masticado. Hay que mirar, escuchar, pensar, ordenar, completar. Nolan no trata al público como consumidor distraído, sino como cómplice activo que hace la película con él.

Esa confianza se volvió todavía más evidente con Oppenheimer. Sobre el papel, no parecía el material más obvio para convertirse en fenómeno masivo: una película de tres horas, sobre el padre de la bomba atómica, cargada de diálogo, política, dilemas morales y tensión histórica. Sin embargo, terminó recaudando más de 975 millones de dólares a nivel mundial. Ese resultado confirmó algo poderoso: Nolan puede llevar al gran público hacia territorios que, en manos de otro director, quizá se considerarían “difíciles”.

Su nombre funciona como puente entre el cine de autor y el cine-evento. Entre la sala de arte y el blockbuster. Entre la reflexión y las palomitas.

Otro elemento clave es su defensa casi militante de la experiencia cinematográfica. En una época en la que muchas películas parecen diseñadas para sobrevivir en una pantalla de celular, Nolan insiste en lo contrario: la sala importa, el formato importa, el sonido importa, el tamaño de la imagen importa. No vende solamente una historia: vende una forma de verla.

Ahí está una de sus grandes habilidades como comunicador. Nolan ha logrado que conceptos técnicos -IMAX, 70 mm, película física fotoquímica, formatos de proyección- se vuelvan parte de la conversación popular. El espectador promedio quizá no pueda explicar con precisión las diferencias entre cada formato, pero sí entiende la idea central: “esta película hay que verla como fue concebida”. Eso transforma la compra de un boleto en algo más parecido a asistir a un concierto, una final deportiva o una función irrepetible.

Y aquí aparece otro secreto de Nolan: sabe escoger temas enormes.

Sus películas suelen girar alrededor de obsesiones gigantescas: el tiempo, la memoria, la identidad, la culpa, el sacrificio, la guerra, la ciencia, el destino. Incluso cuando parte de una premisa íntima, termina abriendo una puerta hacia algo mucho más grande. Interestelar no es solo un viaje espacial; es una historia sobre el amor, la supervivencia y el futuro de la humanidad. Dunkerque no es solo una película bélica; es una experiencia de angustia colectiva. Oppenheimer no es solo una biografía; es el retrato de un hombre aplastado por las consecuencias de su genio.

LA ODISEA parece encajar perfectamente en esa línea. El regreso de Ulises a casa después de la guerra de Troya no es únicamente una aventura mitológica. Es una historia sobre identidad, tentación, pérdida, resistencia, memoria y destino. En otras palabras: material Nolan por naturaleza.

El director también entiende muy bien el valor del misterio. A diferencia de muchas campañas actuales que parecen revelar media película antes del estreno, Nolan administra la información con cautela. Sus tráileres sugieren más de lo que explican. Sus entrevistas alimentan la expectativa sin vaciar la sorpresa. Y sus proyectos se rodean de una sensación de secreto que funciona como combustible promocional.

En un ecosistema saturado de avances, filtraciones, clips, teorías y reacciones instantáneas, el silencio parcial se vuelve una forma de lujo. Nolan no necesita explicar demasiado porque su marca ya instaló una pregunta en el público: “¿Qué estará preparando ahora?

A eso se suma el reparto. Nolan no solo convoca estrellas; las integra en proyectos que parecen exigirles algo distinto. Actores muy reconocibles entran a su universo con la promesa de formar parte de una obra mayor. En LA ODISEA, nombres como Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya y Charlize Theron no son únicamente atractivos para el cartel; son piezas de una maquinaria de expectativa global.

Pero quizá lo más interesante es que Nolan ha logrado convertir su defensa del cine tradicional en una idea moderna. Mientras la industria se obsesiona con algoritmos, plataformas, procesos digitales que abaraten costos y productos que sean para consumo inmediato, Nolan habla de negativos, proyectores, pantallas gigantes y funciones colectivas. Su cine mira hacia adelante, pero rescata una liturgia antigua: entrar a una sala oscura, guardar silencio y dejarse envolver por una imagen más grande que uno mismo.

Eso conecta con el público que todavía considera que «el cine compartido, es más divertido.» Para muchos espectadores, ir a ver una película de Nolan no es simplemente “ir al cine”; es participar en un ritual. Elegir sala, buscar el mejor formato, comprar boletos con anticipación, evitar spoilers, llegar temprano. Todo eso forma parte del acontecimiento.

Y en tiempos de streaming, esa es una victoria cultural, y más si consideramos que hoy las series son como “el canto de las sirenas” que busca atrapar y quedarse con el mayor número de espectadores.

Hollywood ha intentado fabricar acontecimientos a partir de franquicias, cameos y escenas postcréditos. Nolan lo hace desde otro lugar: desde la autoría. Su nombre es la franquicia. Su estilo es el universo. Su promesa no depende de superhéroes ni de juguetes conocidos, sino de una idea cada vez más escasa: todavía hay directores capaces de convocar multitudes por la fuerza de su mirada.

Por eso cada estreno suyo domina la conversación. Porque mezcla prestigio y espectáculo. Porque convierte la técnica en narrativa. Porque hace que el formato sea parte de la emoción. Porque sabe vender misterio sin regalar la película. Y porque, en el fondo, nos devuelve una sensación que el cine no debería perder nunca: la expectativa.

La pregunta entonces no es solamente cómo logra Nolan convertir cada estreno en un acontecimiento.

La verdadera pregunta es otra: ¿Por qué tan pocos directores -como el mismo Nolan y un Steven Spielberg- pueden hacerlo todavía?

Tal vez porque Nolan entendió algo que Hollywood a veces olvida: el público no solo quiere contenido. Quiere motivos para salir de casa. Quiere una experiencia. Quiere sentir que está frente a algo que no puede reducirse a una ventana más en la pantalla. Quiere historias que parezcan grandes, no solo por su presupuesto, sino por la ambición con que están contadas.

Y si LA ODISEA confirma lo que promete, Christopher Nolan habrá hecho algo muy suyo: tomar una de las historias más antiguas de la humanidad y convertirla, otra vez, en una noticia de primera plana.

Porque al final, Ulises no será el único que emprenda el viaje de regreso.

También lo hará el público (a los cines).

Y ese, precisamente, es el verdadero acontecimiento.



¡CONOCE A LOS NOMINADOS AL ARIEL 2026!

Hoy miércoles 8 de julio de 2026 se llevó a cabo el Anuncio de Nominados de la 68° edición del Premio Ariel en la Cineteca Nacional México. Los anfitriones de este evento fueron la actriz Luisa Huertas y el actor Baltimore Beltrán, quienes compartieron con la prensa los nombres de las nominadas y los nominados en las 25 categorías que premia la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

Asimismo, compartieron que este año, acudieron al llamado de la convocatoria 151 películas, 67 largometrajes, 84 cortometrajes y 10 películas iberoamericanas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Panamá, Portugal y Venezuela. Los galardonados con el Ariel de Oro en esta edición serán el ilustre documentalista Demetrio Bilbatúa y la icónica actriz Rosita Arenas.

Además, los anfitriones y el presidente de la AMACC, Daniel Hidalgo, resaltaron la realización del ciclo de exhibición Rumbo al Ariel 2026, donde los trabajos nominados serán presentados en exhibiciones gratuitas que, gracias a la colaboración de PROCINECDMX y el Instituto Mexicano del Seguro Social, estará presente a largo de todo el país en sedes físicas. Rumbo al Ariel también contará con transmisiones de los cortometrajes de ficción, animación y documental en los canales que conforman la Red de Radiodifusoras y Televisoras Educativas y Culturales de México, asegurando así que recorran todo el territorio nacional. Para quienes prefieran disfrutar de las películas en línea, estará disponible la plataforma de streaming de FestivalOpen!, en donde todos podrán disfrutar de funciones diarias sin ningún costo.

Las fechas, horarios y más detalles se encontrarán en la página oficial de la AMACC y en sus redes sociales.


Actor
● Andrés Catzín – Cosmos
● Ernesto Rocha – Adiós, amor
● Hoze Meléndez – Cocodrilos
● Mauricio Isaac – Café Chairel
● Osvaldo Sánchez – En el camino

Actriz
● Ángela Molina – Cosmos
● Diana Sedano – Juana
● Emma Dib – La eterna adolescente
● Mónica del Carmen – Las mutaciones
● Natalia Reyes – Aún es de noche en Caracas

Coactuación femenina
● Arcelia Ramírez – Cocodrilos
● Margarita Sanz – Juana
● Ángeles Cruz – Las locuras
● Ruth Ramos – La eterna adolescente
● Teresita Sánchez – Cocodrilos

Coactuación masculina
● Bernardo Gamboa – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Héctor Kotsifakis – Pérdida total
● Manuel Cruz Vivas – Cocodrilos
● Mariano López Sosa – En el camino
● Roberto Sosa – Las locuras

Cortometraje animación
● Azulesepia Dir. Luis Manuel Villarreal Dávila
● Desdoblándome Dir. Natalia Pájaro
● Te prometo violencia Dir. Juan María León Piña
● Teatro Secreto Dir. Diego Martínez Gutiérrez
● Wing Shop Dir. Andrea León Gutiérrez, Gabriela Rojas Bustos, Sascha Schmit

Cortometraje documental
● La mar Dir. Jean Chapiro Uziel
● Las voces del despeñadero Dir. Victor Rejón, Irving Serrano
● Mácula Dir. Mariana Xochiquétzal Rivera García
● Mujer de barro Dir. Concepción Vásquez
● Toda la vida para siempre Dir. Sebastián Molina Ruiz

Cortometraje Ficción
● Azul Dir. David Karlak
● Crónica menor Dir. Francisco Usiel
● Oc ni temiki (sigo soñando) Dir. Misael Alva
● Techiq Dir. Missael Sánchez Arce
● Una torreta en llamas Dir. Humberto Flores Jáuregui

Dirección
● David Pablos – En el camino
● Ernesto Martínez Bucio – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Gabriel Mascaro – O último azul
● Lucía Gajá – Vidas en la orilla
● Pablo Pérez Lombardini – La reserva

Diseño de arte
● Belén Estrada – En el camino
● Christian Alfredo Galindo García, Consuelo Ileana Martínez Ruiz – Autos, mota y rocanrol
● Daniela Rojas – Juana
● Ezra Buenrostro – Aún es de noche en Caracas
● Salvador Parra – Vainilla

Edición
● Alfonso Gastiaburo, Ana García, Lucía Gajá – Vidas en la orilla
● Ernesto Martínez Bucio, Karen Plata, Odei Zabaleta – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Jonathan Pellicer – En el camino
● Jorge Marquéz – Gerry Adams: El hombre de Ballymurphy
● Omar Guzmán, Sebastián Sepúlveda – O último azul

Efectos especiales
● Arturo Vázquez – Contraataque
● Gerardo Muñoz, Omar Israel Ayala de la Peña – Un cuento de pescadores
● José Martínez «Josh» – Mujeres del alba
● Luis Ambriz – Cocodrilos
● Ricardo Arvizu – Aún es de noche en Caracas

Efectos visuales
● Amet Ramos – Un cuento de pescadores
● Gaston Alvárez – Autos, mota y rocanrol
● Jorge Palma Bermúdez – En el camino
● María José Straffon – Soy Frankelda
● Paula Siqueira, Raúl «Ratón» Luna – Aún es de noche en Caracas

Fotografía
● Germinal Roaux, Inti Briones – Cosmos
● Guillermo Garza – O último azul
● Juan Pablo Ramírez – Aún es de noche en Caracas
● Moritz Tessendorf – La reserva
● Ximena Amann (AMC) – En el camino

Guion adaptado
● Javier Peñalosa, Mariana Chenillo – Los dos hemisferios de Lucca
● Jimena Montemayor Loyo – Mujeres del alba
● Jorge Hérnandez Aldana – La sombra del catire
● Jorge Ramírez-Suárez – Las mutaciones
● Mariana Josefi na Rondón García, María Teresa Ugás Castro – Aún es de noche en Caracas

Guion original
● David Pablos – En el camino
● Ernesto Martínez Bucio, Karen Plata – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Gabriel Mascaro, Tibério Azul – O último azul
● Germinal Roaux – Cosmos
● Pablo Pérez Lombardini – La reserva

Largometraje animación
● La gran historia de la fi losofía occidental Dir. Aria L. Covamonas
● Soy Frankelda Dir. Arturo Ambriz Rendón, Rodolfo Ambriz Rendón

Largometraje documental
● Brigada 2045 Dir. Olivia Luengas Magaña
● Gaza, la franja del exterminio Dir. Rafael Rangel
● La libertad de Fierro Dir. Santiago Esteinou
● Llamarse Olimpia Dir. Indira Cato Cortes
● Vidas en la orilla Dir. Lucía Gajá

Maquillaje
● Adam Zoller – En el camino
● Alejandra Velarde – Vainilla
● Gerardo Muñoz – Un cuento de pescadores
● Karina E. Monroy – Autos, mota y rocanrol
● Karina Rodríguez – Aún es de noche en Caracas

Música original
● Andrea Balency-Bearn – En el camino
● María Giménez Cacho Goded – Juana
● Memo Guerra – O último azul
● Yolihuani Curiel Balzareti – Brigada 2045
● YOM – La reserva

Ópera prima
● Cocodrilos Dir. J. Xavier Velasco
● El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) – Dir. Ernesto Martínez Bucio
● Juana Dir. Daniel Giménez Cacho
● La reserva Dir. Pablo Pérez Lombardini
● Vainilla Dir. Mayra Hermosillo

Película iberoamericana
● Belén (Argentina) Dir. Dolores Fonzi
● La misteriosa mirada del fl amenco (Chile) Dir. Diego Céspedes
● Los domingos (España) Dir. Alauda Ruiz de Azúa
● Manas (Brasil) Dir. Marianna Brennand
● Un poeta (Colombia) Dir. Simón Mesa Soto

Revelación actoral
● Aurora Dávila – Vainilla
● Carolina Guzmán – La reserva
● Donovan Said – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Laura Uribe Rojas – El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
● Victor Miguel Prieto Simental – En el camino

Sonido
● Alex de Icaza, David Montero – Autos, mota y rocanrol
● Antonio Porém Pires, Lena Esquenazi, Nayuribe Montero – Aún es de noche en Caracas
● Arturo Salazar, Liliana Villaseñor, María Alejandra Rojas, Vincent Sinceretti – O último azul
● Carlos Cortés Navarrete (C.A.S.), Miguel Mata, Odín Acosta Ascencio – Brigada 2045
● Denis Sechaud, Ivan Dumas, Raphaël Sohier – Cosmos

Vestuario
● Brenda Gómez – Aún es de noche en Caracas
● Felipe Criado – En el camino
● Felipe Criado – Cosmos
● Gilda Navarro – Vainilla
● Gilda Navarro, Joanna Nogueiras Yankelevich – Autos, mota y rocanrol

Película
● El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) – Mandarina Cine, Dir. Ernesto Martínez Bucio
● En el camino – Animal de Luz Films, Dir. David Pablos
● La libertad de Fierro – Javier Campos López, Santiago Esteinou, Dir. Santiago Esteinou
● O último azul – Cinevinay, Desvia, Dir. Gabriel Mascaro
● Vainilla – Huasteca CC, Redrum, Dir. Mayra Hermosillo



Mañana llega «LA INVITACIÓN»

Comunicado de prensa:

LA INVITACIÓN”, ES UNA TENSA COMEDIA SOBRE EL AMOR, EL DESEO Y LA COMPLEJIDAD DE LAS RELACIONES

Olivia Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton protagonizan esta provocadora comedia que llegará a los cines de México mañana miércoles 08 de julio.

Tras conquistar al público con Booksmart y sorprender con No te preocupes, cariño, Olivia Wilde regresa a la pantalla grande consolidándose como directora con La Invitación (The Invite), una propuesta inteligente, irreverente y profundamente divertida que explora las contradicciones, inseguridades y fantasías que experimentan las relaciones modernas.

Olivia Wilde dirige y actúa en ‘LA INVITACIÓN

La trama sigue a Joe y Angela, una pareja cuya relación está en la cuerda floja y esa noche podría ser el momento en que todo se desmorone definitivamente. Sin embargo, sus excéntricos vecinos están a punto de llegar a cenar y todo lo que puede salir mal está destinado a terminar mucho peor.

Esta reunión se transformará en una noche de confesiones, tensiones y revelaciones inesperadas. Entre malentendidos, conversaciones incómodas y una tensión que no deja de escalar, La Invitación encuentra humor en los momentos más incómodos de la convivencia.

Adaptada por Rashida Jones y Will McCormack a partir de la exitosa película española Sentimental, la cinta encuentra en Olivia Wilde una mirada fresca y sofisticada que convierte una reunión entre vecinos en una divertida radiografía de la vida en pareja.

Con diálogos afilados, actuaciones memorables y situaciones tan incómodas como hilarantes, La Invitación confirma la evolución de Wilde como directora y ofrece una de las propuestas más provocadoras y entretenidas del año. Después de debutar en Sundance Film Festival: CDMX 2026 y ser la película más exitosa de la tercera edición del festival, finalmente se anuncia su llegada a salas de cine de todo el país el próximo 08 de julio.


«Con un humor perverso que, a la vez, ofrece a su cuarteto de excelentes actores algunos de sus mejores papeles hasta la fecha, The Invite es una farsa sofisticada que reafirma a Olivia Wilde como una de las cineastas más interesantes de la actualidad.«



«Toy Story 5» deja sin poder a «Supergirl»

La nueva entrega de de la saga de los juguetes capta 70 mdd en EU, la heroína apenas 38 mdd

En el filme animado de Pixar se exalta el valor del juego y de la conexión humana con los juguetes sobre el entretenimiento de la era digital. Foto: Disney

🎦 En un revés para las renovadas operaciones cinematográficas de DC de Warner Bros., «Supergirl» no fue rival en absoluto para «Toy Story 5» en los cines de Norteamérica y se estrenó en un lejano segundo lugar.

La película de Pixar se mantuvo en el número uno de la taquilla con 70 millones de dólares en ventas de entradas en el mercado nacional y otros 89.1 millones en el extranjero, según estimaciones del estudio difundidas el domingo, tras un debut casi récord para una película animada.

El estreno de The Walt Disney Co. ha acumulado rápidamente 585 millones de dólares en todo el mundo en sólo dos semanas, lo que la convierte en uno de los mayores éxitos del año.

«Supergirl», en cambio, no logró despegar. Se estrenó con 38 millones de dólares en salas de Estados Unidos y Canadá. Sumó 30 millones de dólares en mercados internacionales.

El spinoff de superhéroes de Craig Gillespie es el segundo estreno en la gran pantalla de James Gunn y Peter Safran, quienes fueron elegidos para dirigir DC Studios a finales de 2022. Su primer lanzamiento, «Superman» de 2025, recaudó 618 millones de dólares en todo el mundo, un arranque lo bastante sólido para Gunn y Safran.

Críticas duras hacia la heroína

Pero «Supergirl» fracasó tanto con la crítica como con el público. Obtuvo malas reseñas (56% de aprobación en Rotten Tomatoes) y una calificación “B-” en CinemaScore por parte de las audiencias.

El flojo fin de semana de estreno de «Supergirl» la deja por detrás de debuts decepcionantes de tropiezos de DC como «The flash» (55 millones de dólares en 2023) y «The green lantern» (53 millones de dólares en 2011), y apenas por delante de «Joker: folie à deux» (37.7 millones de dólares en 2024).

David A. Gross, quien dirige la firma de consultoría cinematográfica FranchiseRe, señaló que las películas de superhéroes ya no atraen al cine como antes de la pandemia. Hay menos estrenos al año, y la venta en taquilla del género ha caído unos 3 mil 500 mdd anuales respecto de sus máximos de 2017-2019.

Con información de AP y EL UNIVERSAL



80.º ANIVERSARIO DE LA ACADEMIA MEXICANA DE ARTES Y CIENCIAS CINEMATOGRÁFICAS.

Cumplimos 80 años de historia, marcados por risas, lágrimas, sustos, romance y pasión compartida.

A lo largo de estos años hemos crecido y cambiado contigo, siempre comprometidos a investigar, preservar, defender y difundir el cine mexicano para que se conozca y se valore en México y en el mundo.

Celebremos juntos 80 años de cine mexicano, el cine que somos.

Con información de la Academia Mexicana de Cine



“Toy Story 5” el mayor debut en taquilla del año…

con 160 millones de dólares. La franquicia «Toy Story» es una de las más rentables para The Walt Disney Co. Antes del estreno de «Toy Story 5», las películas habían recaudado en conjunto más de 3 mil millones de dólares.

Con información de AP

🎦 NUEVA YORK (AP).- «Toy Story» todavía cuenta con el apoyo de los cinéfilos. La quinta entrega de la saga de Pixar debutó con 160 millones de dólares en taquilla en Estados Unidos, según las estimaciones del estudio publicadas el domingo, estableciendo fácilmente un nuevo récord para la franquicia y logrando el mejor fin de semana de estreno del año.

Estrenada 31 años después del debut de la película original de “Toy Story”, “Toy Story 5” superó con creces el récord de taquilla de la saga: 120 millones de dólares para “Toy Story 4” en 2019. A nivel internacional, fue igual de exitosa, con 152 millones de dólares en taquilla durante el primer fin de semana, alcanzando una recaudación mundial de 312 millones de dólares.

La franquicia «Toy Story» es una de las más rentables para The Walt Disney Co. Antes del estreno de «Toy Story 5», las películas habían recaudado en conjunto más de 3 mil millones de dólares, además de generar miles de millones con la venta de productos derivados.

Aunque la saga parecía haber llegado a su fin con «Toy Story 3» en 2010, la decisión de revivir la franquicia casi una década después —si bien fue controvertida— ha resultado sumamente lucrativa. «Toy Story 4» superó los mil millones de dólares en taquilla, y es casi seguro que «Toy Story 5» también lo hará.

Entre las películas de animación, solo «Los Increíbles 2» (2018) tuvo un fin de semana de estreno con una recaudación mayor (182.7 millones de dólares) que «Toy Story 5».

Estos juguetes no son baratos

Sin embargo, mantener la saga de películas de “Toy Story” se ha vuelto más costoso. La quinta película costó 250 millones de dólares, sin incluir el marketing. Regresa el elenco de voces original, encabezado por Tom Hanks (como Woody), Tim Allen (como Buzz Lightyear) y Joan Cusack (como Jessie).

En la secuela, los juguetes quedan relegados a un segundo plano cuando Bonnie consigue una nueva tableta. Está dirigida por Andrew Stanton, el veterano de Pixar que dirigió “Buscando a Nemo” (2003) y “WALL-E” (2008). «Toy Story 5» también incluye una nueva canción de Taylor Swift, «I Knew It, I Knew You».

Las críticas han sido muy buenas y el público le otorgó a «Toy Story 5» una calificación «A» en CinemaScore, lo que sugiere que debería mantenerse en cartelera durante semanas.

Tras su exitoso debut, «Disclosure Day» de Steven Spielberg cayó al segundo puesto con 17 millones de dólares en su segundo fin de semana. No es el éxito que Universal Pictures esperaba. Una caída del 61% respecto a su primer fin de semana sugiere que «Disclosure Day» podría no tener el impulso necesario para triunfar este verano.

Aun así, la película, con un presupuesto de 115 millones de dólares y protagonizada por Emily Blunt, Josh O’Connor y Colman Domingo, ha recaudado 160.4 millones de dólares a nivel mundial en dos semanas. «Disclosure Day» tiene muchas posibilidades de seguir siendo la película para adultos más taquillera en las próximas semanas.

“Toy Story 5” tuvo poca competencia por parte de los recién llegados.



GUÍA CINESAURIO PARA VER TOY STORY 5

NO INCLUYE BATERÍAS, PERO SÍ FUNCIONA

Hoy miércoles 17 de junio llega a las pantallas de todo México: 𝙏𝙊𝙔 𝙎𝙏𝙊𝙍𝙔 5. El periodista 𝘼𝙣𝙙𝙧𝙚́𝙨 𝘽𝙚𝙧𝙢𝙚𝙖 te presenta 𝙇𝙖 𝙂𝙪𝙞́𝙖 𝘾𝙞𝙣𝙚𝙨𝙖𝙪𝙧𝙞𝙤 𝙥𝙖𝙧𝙖 𝙫𝙚𝙧 𝙏𝙤𝙮 𝙎𝙩𝙤𝙧𝙮 5 y encuentres los mejores detalles de la película…

#AndrésBermea #Cinesaurio #ToyStory5