HAMILTON el musical triunfador de Broadway llega a la pantalla grande…
Presenciar «En Vivo» un espectáculo como un musical de Broadway siempre será una experiencia inigualable, pero sin duda hoy gracias al video se puede experimentar también de una manera diferente pero significativa ya que el uso de múltiples cámaras nos permite ver aspectos imposibles desde una butaca lejana tales como las expresiones en los rostros de los actores; las cámaras nos dan una experiencia totalmente inmersiva en el escenario.
Tal es el caso de HAMILTON el musical histórico que ya rebasa los diez años en escena en el majestuoso Richard Rodgers Theatre en Broadway.
Para los amantes del género musical es imperdible, pues aunque desde hace tiempo está disponible en el canal de DISNEY+ la pantalla del cine nos envuelve y el sonido nos hace sentir el ritmo de la historia.
Elementos clave en los que se basa el musical:
Biografía de Ron Chernow: La obra de Chernow es la fuente principal para la historia, ofreciendo un relato detallado de la vida de Alexander Hamilton.
Figuras históricas: El musical se centra en la vida de Alexander Hamilton, pero también explora sus interacciones con otros personajes clave, como George Washington, Thomas Jefferson, James Madison y Aaron Burr.
Revolución Americana: La narrativa sigue a Hamilton desde sus días como inmigrante caribeño que lucha por la independencia hasta su papel en la fundación de Estados Unidos.
Historia temprana de Estados Unidos: La obra detalla los inicios del gobierno estadounidense y los debates que moldearon la nación.
Estilos musicales: La banda sonora es una mezcla innovadora de hip-hop, R&B, jazz, soul, pop y baladas de Broadway, que da vida a los eventos y personajes históricos.
Aunque para muchos la trama pueda parecer un tanto ajena por bordar sobre un personaje propio de la historia de los Estados Unidos, nunca sobra un poquito de cultura al respecto. Pero finalmente la dramatización y musicalización de esa fracción de la vida norteamericana se ha convertido en un espectáculo sumamente disfrutable. La parte histórica está contada de manera accesible y sin caer en lo prolijo o aburrido.
Las variaciones musicales le aplican un dinamismo que hace de la pieza algo muy llevadero y hasta divertido. La Producción con que se presenta refleja porqué Broadway es Broadway –la capital del teatro en nuestro continente-; La Dirección escénica nos lleva con gran ingenio de un lado a otro del escenario para que nunca decaiga la atención; La coreografía es un lujo del teatro moderno, las actuaciones son fenomenales gracias a un elenco de extraordinarios actores y actrices encabezados por el creador y protagonista principal Lin-Manuel Miranda.
Ojalá que la magia que resulta de combinar el teatro con el cine se siga dando para que lo mejor del mundo artístico llegue hasta las pantallas cercanas a nosotros. La había visto un par de veces en la pantalla de la televisión, pero anoche la vi en la gran pantalla del cine y resultó ser una experiencia muy gratificante. La sala tenía una ocupación de un 80% durante esta función lo que me hace pensar que al público esto le encanta. Ojalá y los programadores de los complejos cinematográficos como #Cinépolis y #Cinemex nos traigan más espectáculos como este.
Andrés Bermea
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DICEN QUE CUANDO VAS A MORIR VES EN TU MENTE LA PELÍCULA DE TU VIDA, LA VIDA DE CHUCK ES ALGO SEMEJANTE, UNA PARÁBOLA…
Por Andrés Bermea
Es una película basada en un guion escrito por Mike Flanagan y Stephen King sobre la novela corta original de este último, incluida en la antología If It Bleeds (2020) y dirigida por el primero…
Dicen que cuando vas a morir ves en tu mente imágenes que son como la película de tu vida, LA VIDA DE CHUCK es algo semejante, una parábola, una inmersión justo al final de la existencia en diversos momentos de lo vivido y en una secuencia regresiva, partiendo del lecho de muerte hasta la niñez. Es un repaso existencial muy vívido e intenso en un hombre común en diferentes etapas de la vida, de las experiencias en cada una de ellas, sobre las fortalezas y debilidades y muy especialmente el cómo fue la relación con los demás;
lo que recibimos de ellos, lo que les dimos y particularmente con la familia,una evocación de los miedos que paralizan y de los logros y satisfacciones de la determinación.
Conocer el final justo desde el inicio es una apuesta que puede parecer atrevida, pero tiene sentido porque es ver cómo se armó el rompecabezas de la vida. La película está llena de simbolismos y secuencias mágicas y muy humanas como una escena de un baile callejero que Chuck danza con una desconocida al ritmo de una batería que bien podría evocar los latidos del corazón.
Annalise Basso y Tom Hiddleston
La vida es un baile que hay que interpretar con todo el gusto, la entrega y la pasión que sea posible, pero que no lo hacemos solos, siempre es con alguien más y en una perfecta sincronía con la pareja y con la música. El baile no es gratuito ni salido de la nada, es simbólicamente el resultado de las enseñanzas de la abuela que nos dice que la vida hay que vivirla y gozarla a su tiempo, a su ritmo y en su espacio.
Durante su niñez Chuck es un chico bajo de estatura que cuando ve a los demás tiene que levantar la cabeza y su mirada, pero se da cuenta que no tiene por eso que ser insignificante sino al contrario, capaz de lidiar con todo lo que ve más grande o mayor que él. Chuck no se amilana con miedos, al contrario los transforma en curiosidad, luego en retos y ansias por descubrir qué hay en lo que le tenían vedado.
Creo que LA VIDA DE CHUCK es una muestra de cómo nuestra vida por simple y ordinaria que pueda parecer toca la de los demás y a la vez es tocada por ellos. La vida no siempre conlleva actos o proezas heroicas, es la suma de pequeños eventos simples, cotidianos y ordinarios. La maravilla de la película es que puede ser tan amplia y profunda como un bosque lleno de cosas por descubrir.
En lo personal celebro cuando un realizador como Mike Flanagan acaricia nuestra inteligencia y nos da materia para completar la película junto con él, buscando las innumerables piezas que conforman el rompecabezas de la vida; soy feliz cuando como creador un Director toma en serio al espectador y a su capacidad de pensar, de descubrir, de apreciar y disfrutar de cada pieza que encaja en el lugar que le corresponde. Me gustan estas películas que no se acaban cuando termina la proyección, que te siguen dando basta materia para pensar, descubrir y sobre todo para conversar, y así el film trasciende la pantalla. Una película no tiene sentido sin el espectador.
Mira el tráiler
Ficha técnica
Título original: The Life of Chuck
Título en español: La vida de Chuck
Año de producción: 2024 (presentada en festivales), estreno comercial en 2025.
Director y guionista: Mike Flanagan
Basada en: Novela corta de Stephen King, publicada en la colección If It Bleeds (2020)
Elenco principal:
Tom Hiddleston como Chuck (adulto)
Chiwetel Ejiofor como Marty Anderson
Karen Gillan como Felicia Gordon
Jacob Tremblay y Benjamin Pajak (versiones jóvenes de Chuck)
Mark Hamill, Mia Sara, Nick Offerman (voz), entre otros (Wikipedia)
Annalise Basso, compañera de baile callejero de Chuck
EDDINGTON: pandemia, polarización y western contemporáneo
Eddington, de Ari Aster, es una audaz película que se debate entre el drama al estilo Film-Noir la comedia negra y el estilo neo-western ambientada en un pueblo ficticio de Nuevo México durante los muy difíciles días iniciales de la pandemia de COVID-19 en 2020.
Lo que comienza como un enfrentamiento político entre el sheriff Joe Cross -interpretado por Joaquin Phoenix)- y el alcalde Ted García -Pedro Pascal- un alcalde tecnocrático pronto se transforma en una micro escenario del caos cultural:
redes sociales omnipresentes, conspiraciones, activismo performativo, extremismos y violencia.
En Eddington su pueblo imaginario, Aster crea un auténtico microcosmos y condensa la fractura de una sociedad real, mostrando lo que es perder la capacidad de distinguir lo real de lo urgente, lo verdadero de lo escandaloso. Tanto la estructura visual como el ritmo narrativo —claustrofobia sonora, simbolismo fragmentado, tono inestable— refuerzan esa atmósfera de colapso emocional.
El Director Ari Aster y Pedro Pascal
El Escritor y Director Ari Aster parece ilustrar más lo que siente estar sumergido en un torrente de ruido —miedo, conspiraciones, desinformación, activismo performativo— que hacer un juicio político específico.
¿Real o ficticio? El pueblo y los eventos son ficticios, pero hay una fuerte referencia a momentos reales: pandemia, protestas de Black Lives Matter, desinformación, cultura digital. Eddington es una alegoría moderna de nuestro desconcierto colectivo.
Con un reparto de lujo -Joaquin Phoenix, Pedro Pascal y Emma Stone- y con actuaciones que ponen en evidencia porqué sus nombres brillan, están en los primeros créditos y son respetados por crítica y audiencia; la película cosecha opiniones encontradas: mientras algunos resaltan su ambición temática y capacidad para reflejar la paranoia digital contemporánea de forma inquietante, otros critican su falta de claridad narrativa y exceso de simbolismos. Sea admirada o criticada, Eddington provoca y sigue resonando mucho después de los créditos finales.
La recepción crítica ha sido mixta y polarizada:
Rotten Tomatoes: 68 % de críticas positivas. El consenso resalta el reparto estelar y la audacia de Aster, aunque muchos sienten que el tono confunde más de lo que comunica .
RogerEbert.com (Brian Tallerico): 2.5/4 estrellas; considera que, más allá de sus divisiones, cumple su propósito como obra provocativa para 2025 .
IndieWire (David Ehrlich): le da una A−, elogiando su capacidad para capturar vívidamente cómo lo digital ha despojado a las personas de su propia verdad .
The New Yorker (Justin Chang): ve ambición en la película, pero critica su sátira y personajes, que pueden no ser lo suficientemente interesantes como para juzgarlos; califica el resultado como “pesado” .
Además, IndieWire la ubicó en el puesto 74 de las «100 mejores películas de los 2020 (hasta ahora)» .
Cuando busco entender una película en lo primero que pienso es en ¿Cuál puede ser el tema?… Es decir el qué de la película, el sentido o propósito, lo que -como en este caso- la escritora y directora nos quiere decir al público… En AMORES MATERIALISTAS (Materialists / 2025) Celine Song busca dar respuestas a estas preguntas:
¿Se puede encontrar el amor verdadero en una actualidad dictada por el dinero y los nuevos convencionalismos sociales?…
Es más…
¿Existe todavía el amor de pareja o ya es una negociación empresarial o comercial?… ¿Acaso hoy el amor está totalmente supeditado a la estabilidad económica, el estatus y los beneficios materiales?… ¿Es eso procurar por un futuro más estable y promisorio o es mero egoísmo, pensar sólo en primera persona?…
AMORES MATERIALISTAS puede encajar bien en el género romántico pero está muy lejos de ser una simple “Chic-Flick”, es una película adulta para adultos, muy humana, aterrizada y sin “melcocha barata”; está inmersa seriamente en nuestro tiempo, pero al mismo tiempo que cuestiona y plantea, también proporciona dos horas de entretenimiento de calidad y clase.
Celine Song
En entrevistas recientes, Celine Song ha dicho que lo que más le interesa no es juzgar, sino observar cómo las decisiones sentimentales están entrelazadas con las estructuras del capitalismo actual. Según sus palabras, la película “no se trata de amor o dinero, sino del poder y del deseo de tenerlo todo. Lo romántico y lo económico ya no pueden separarse”.
Un buen guion audaz y filoso es la base de esta película que facilita una narrativa atractiva, clara, sincera, directa y enfocada.
Pedro Pascal y Dakota Johnson
Pero si el guion es un esqueleto sólido, las actuaciones de los protagonistas revisten al film un cuerpo lleno de vida y verdadera humanidad, que deja ver bastante más allá de lo que socialmente permitimos.
La historia está muy bien construida sobre el personaje de una “casamentera”. ¿Quién mejor que ella para conocer el variado catálogo de los verdaderos, ocultos y más íntimos deseos de aquellos que buscan una pareja con quién hacer “click” y que no lo han logrado por sí mismos?… El rol lo tiene la bella Dakota Johnson quien nos regala una sólida y brillante interpretación muy verosímil, humana y auténtica, llena de matices y con un “arco” muy amplio, sutil y al mismo tiempo profundo. Es decir, la mujer y casamentera que vemos al final es muy diferente a la que vimos al inicio. Hay transformación y evolución.
Por su parte Pedro Pascal muestra un gran oficio actoral con un personaje que viene a ser un catalizador muy importante para la historia. El chileno va muy bien en su carrera y ya se va consolidando no solamente como un “SuperStar” hollywoodiano, sino como un actor atractivo para la taquilla, pero a la vez a la altura de papeles protagónicos muy reservados para los consagrados.
Chris Evans y Dakota Johnson
Chris Evans cumple y hasta ahí. Su personaje creo es el menos logrado y claro, se ve un tanto opacado por Johnson y Pascal.
La directora Celine Song logra un muy buen ejercicio de cine, con una historia bien narrada, sutil, elegante y a la vez contundente que le deja a los cinéfilos tema para platicar después de la proyección acompañando la charla con un cafecito o un buen tinto…
Probablemente le quede grande a los pubertos, adolescentes y a más de uno de los opinólogos, “gurústiktokeros” y “timburtonianos”. La recomiendo y creo que agradará a los cinéfilos que buscan un buen entretenimiento con temas adultos, trascendentes y que acaricien la inteligencia.
Reconozco siempre el derecho inalienable que tenemos todo el mundo a “opinar”.
Primer acierto: Un muy buen guion con un tema inspirador: “La unidad frente a la adversidad.” Y podríamos extenderlo a la unidad familiar.
Los guionistas sabían lo que querían y supieron perfectamente cómo lograrlo. La historia es sencilla, clara y asequible; directa y enfocada; la puedes seguir sin ningún problema y sin toparte con subtramas o personajes innecesarios. Esta es una película veraniega con propósitos muy definidos: divertir, hacer mucho dinero y abrir las puertas a más historias -y así hay que entenderla-. Nada hubieran aportado personajes oscuros y llenos de traumas e historias retorcidas con el torpe pretexto de darle profundidad.
Galactus
Tiene los elementos básicos y precisos: Un VILLANO literalmente enorme y del que pronto sabes exactamente lo que pretende, y desde luego los HÉROES que con sus prodigios -y limitaciones- tienen como misión salvar al mundo y a la humanidad de las malvadas intenciones del villano. El gran cineasta mexicano galardonado mundialmente GABRIEL FIGUEROA me dijo en una ocasión: –“Andrés, las películas se hacen a base de historia y personajes”. Su enseñanza quedó grabada en mí a fuego, como los Diez Mandamientos en las Tablas de Moisés. Y LOS 4 FANTÁSTICOS: PRIMEROS PASOS te aseguro tiene eso: historia y personajes.
Segundo acierto: El Director Matt Shakman entendió a la perfección el guion y nos obsequia con una narrativa sencilla -no por ello menor-. Sabía a dónde quería llegar y supo cómo irse sin perderse entre las ramas. Su dirección es impecable, muy bien pensada, planeada y pulida.
Tercer acierto: Hablemos de personajes y actores. El guion no se entretiene mucho en detallar sus orígenes pero lo que se dice es bastante claro y suficiente como para que incluso sin antecedentes entendamos la psicología y funcionalidad de todos los personajes. Son sólidos. Pero sobre todo destaco al reparto, realmente logran -literalmente- un ensamble fascinante. Mis respetos para el chileno Pedro Pascal que saca un excelente protagónico muy digno y a la altura del más pintado astro hollywoodense. Vanessa Kirby está adorable y entrañable en su rol de súper héroe y súper mamá. Y la química entre ambos actores es “fantástica”!!
En realidad TODOS están muy bien y la química entre todo el ensamble funciona de maravilla.
Cuarto acierto: El Diseño de Producción con un ambiente retro sesentero es bellísimo, sumamente cuidado al detalle más mínimo y la palabra que lo define es: IMPECABLE. Casi son obligados nuevos visionados para captar la infinidad de detalles. Todo esto se traduce en un universo tan atractivo, tan real pero al mismo tiempo lleno de creatividad, color y texturas que nos transportan a un mundo de los 60s pero en bonito. Todo muy bella y estupendamente fotografiado y los Efectos Visuales -muy abundantes por cierto- son obra de verdaderos artistas y lo digo en el sentido original de creadores. Apuesto desde ya, nominaciones al Oscar en estas categorías.
Creo que a los “opinólogos” de Rotten Tomatoes y a uno que otro diletante nacional disfrazado de crítico -de esos que abundan en redes sociales-, les quedó muy grande la tarea de reseñar esta joyita.
Para definir a LOS 4 FANTÁSTICOS: PRIMEROS PASOS me basta una palabra: ¡Fantástica!
‘Y llegaron de noche’ presentada como una serie original de ViX “Inspirada” en hechos reales resulta “tan original” que la mayor parte de lo que vemos lejos de ser real, es falso, sin fundamento o sin evidencia alguna.
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O lee aquí la versión en texto…
La serie fue creada por: Rob Greenberg y Bob Fisher, y desarrollada por Eugenio Derbez quienes seguramente justificándose en “Licencias dramáticas” destrozan impunemente a actores de la vida real y lo que es peor, usaron sus nombres verdaderos (o al menos los nombres artísticos con que trabajaban) y se llevan su reputación de por medio y eso NO se vale, no es ético, no es de profesionales. ¡Lástima! Si hubieran cambiado los nombres muy diferente sería esto que escribo.
Al inicio de la década de los treinta del siglo pasado, el cine sonoro daba apenas sus primeras voces y los estudios productores de cine se dieron contra la pared cuando las películas habladas en Inglés, resultaban incomprensibles para la mayoría de los cinéfilos fuera de los Estados Unidos. Uno de los primeros recursos para salvar el escollo fue hacer versiones similares a las originales en Inglés en diferentes idiomas para los mercados extranjeros; así en 1930 Universal Pictures (Carl Laemmle) filmó en sus estudios durante el día la versión en Inglés de DRACULA con Bela Lugosi y por las noches la versión en Español en los mismos sets y con un reparto multinacional de actores de habla hispana.
Y… ¿En dónde está la bronca?
Tengo bien claro y entiendo perfectamente que cuando se narra un hecho histórico hay que adecuarlo al medio para que funcione dramáticamente y sea -sobre todo- atractivo al público. Las “Licencias dramáticas” sirven para enriquecer una historia, generar conflicto, acelerar el ritmo, simbolizar una idea, etc. En una ficción inspirada en hechos reales, se entiende que no todo es exacto. Aun así, hay una responsabilidad moral cuando se usan nombres verdaderos.
Actor por actor, falsedades por verdades
¡Alerta de Spoilers!
Lamentablemente necesarios para evidenciar las mentiras de la serie.
Derbez destroza Drácula
En DRÁCULA obviamente el protagonista es el mismísimo Conde que da título a la obra y en el caso de la serie ‘Y llegaron de noche’ es personificado por el comediante Eugenio Derbez como el actor español Carlos Villarías quién dio vida en la cinta hollywoodense al famoso vampiro en la versión al español.
Derbez se ensañó y de manera muy irrespetuosa con Villarías y lo hace ver como un hombre y actor caprichudo, falto de profesionalismo, enfermizamente mujeriego, fingido, afectado, presumido, arrogante, jactancioso, patético y sobre todo, de un insufrible y antipático agotador.
No hay evidencias ni registros históricos de que Carlos Villarías fuera en realidad un hombre de tal naturaleza. Todo eso fue introducido en la serie disque para “enriquecer” el perfil del personaje. Y esto dicen las fuentes documentadas:
Las biografías oficiales resaltan que Villarías era un profesional serio y dedicado, con formación en Derecho, teatro y ópera, que trabajó intensamente en cine mudo y sonoro en los Estados Unidos y Europa, sin indicios de una vida escandalosa y no existen menciones en entrevistas, crónicas de Hollywood o memorias que asocien su nombre a comportamientos de diva, escándalos amorosos o actitudes jactanciosas o afectadas.
El Director George Melford era un profesional dedicado
No hay ninguna evidencia de que George Melford -el director de la versión en español de Drácula- haya sido un apostador compulsivo. Las biografías y fuentes confiables, como su página de Wikipedia, no mencionan hábitos de juego problemáticos, apuestas frecuentes, ni deudas debidas al juego.
Su trayectoria se describe como dedicada al cine, con una carrera constante que incluye más de 140 películas dirigidas, y trabajó como actor hasta su fallecimiento en 1961.
En resumen: no existe registro de que Melford tuviera problemas con el juego o fuera un ludópata como lamentablemente lo presenta la serie.
Además, George Melford sí dirigió total y completamente la versión en español de Drácula (1931); no fue sustituido en ningún momento. Según registros y biografías, la filmación duró 22 noches seguidas bajo su dirección -sin interrupciones- concluyendo el 8 de noviembre de 1930.
No, en la filmación real de Drácula (1931) no existió ninguna persona llamada Cecilia Ramírez. Esa figura es creación de la serie de ficción“Y llegaron de noche”, que mezcla personajes históricos con otros inventados para construir su narrativa.
No hay evidencia de que fuera “gay”
No hay constancia pública de que José Soriano Viosca (o Soriano Viosca) quien hace el papel del Doctor Seward, haya sido homosexual en la realidad. No aparece mencionado en biografías, entrevistas o fuentes fidedignas como alguien que haya vivido públicamente una orientación sexual.
Es factible que la serie «Y llegaron de noche» lo retrate así como parte de una construcción dramatúrgica, ya sea para enriquecer su personaje o explorar temáticas LGBT, pero no creo que a ninguno de nosotros en nuestro sano juicio, nos gustaría que a un familiar cercano o querido lo presenten como alguien que NO fue; y no lo digo como un tema de género; lo mismo diría si lo hubieran presentado como un cleptómano o un asesino serial.
Él NO era alcohólico
No hay tampoco evidencia de que Pablo Álvarez Rubio, quien interpretó a Renfield en la versión en español de Drácula (1931), haya sido alcohólico en la vida real.
La documentación disponible sobre él se enfoca exclusivamente en su actuación en la película, y algunas anécdotas que destacan su compromiso al desangrarse realmente en una escena, pero nada menciona problemas con el alcohol, adicciones ni dependencias personales. No existen biografías, entrevistas ni crónicas que sugieran que Álvarez Rubio tuviera relación con el alcohol más allá del consumo habitual (como cualquier persona).
¿Era un perfecto bobo o un imbécil?
Barry Norton quien interpreta a Juan Harker, ¿Era un perfecto bobo o un imbécil?… No, no hay evidencia de que Norton fuera realmente un “idiota” en la vida real. Veamos lo que sabemos de él a través de fuentes confiables:
Fue un profesional que estuvo Activo entre 1925 y 1956, participó en más de 90 películas, desde el cine mudo hasta la época moderna.
Era considerado un actor natural, serio, dedicado y talentoso en drama y baile de salón. Nada indica comportamientos de torpeza o idiotez al frente o detrás de cámaras.
Se destacó por su apariencia “boyishly handsome” y por desempeñarse como un intérprete profesional y respetado.
Mi punto de vista
Si hubieran construido prácticamente la misma historia con otros nombres, yo la celebraría como una magnífica producción, divertida, cautivadora. El reparto es sensacional, TODOS están magníficos (Destaco a Sofía Niño de Rivera como un descubrimiento para el cine y a la regia Diana Bovio quien además entrega una magnífica interpretación musical). Admiro y respeto a Eugenio Derbez y celebro sus éxitos, pero aquí perdió completamente la brújula y el respeto por sus compañeros actores; además en su papel parece más que un actor, uno de sus antiguos personajes del programa de televisión. Tampoco creo que le gustaría mucho que a su famosa mami la entrañable Actriz Silvia Derbez, le colgaran gratuitamente alguna de esas etiquetas… ¿No será que “su personaje” sea un reflejo de su propio ego?… Y… ¿Habrá pensado que: “Si Al Pacino bailó su tango en PERFUME DE MUJER, ¿Por qué no podría hacerlo él aquí también?… Aunque fuera en una secuencia “pegoste”…
Concluyo…
En una biografía, docudrama o película “basada en hechos reales”, el público tiende a creer que lo mostrado es cierto. Y menos se vale ofender a quienes ya no pueden defenderse.
Las licencias son válidas cuando no traicionan el espíritu ni la dignidad del personaje. Puedes inventar, sí, pero NO para deformar gratuitamente.
Pregunta: ¿Por qué si DRÁCULA se filmó en los Estudios Universal, ni en las tomas exteriores o interiores se ve su logo y en cambio sí el de un estudio ficticio?… Será acaso que Universal no avala este proyecto?…
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¿PUEDE EL NUEVO SUPERMÁN CON EL PESO DE UNA CAPA MUY PESADA?…
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…¿Puede el nuevo Supermán salvar no solo al mundo, sino también su propio mito?
Esa parece ser la pregunta que ronda toda la estructura de SUPERMAN (2025), la nueva apuesta del universo DC por redefinir a su héroe insignia. Dirigida por James Gunn, la cinta intenta volar más alto que sus predecesoras, pero no siempre logra mantenerse en el aire.
Pero hagamos memoria con un poquito de historia. En el principio en el comic original, cuando el planeta Kriptón estaba a punto de explotar, Jor-El, el padre de Kal-El (nombre kryptoniano de Supermán), construyó una cápsula para salvar a su hijo recién nacido y lo envió a la Tierra. La prioridad era simplemente salvar su vida, no cumplir una obra mesiánica.
Fue hasta SUPERMAN: EL FILM (Superman: The Movie |1978) de Richard Donner, que Jor-El le dice a Kal-El que fue enviado para ser una “luz para la humanidad”, para mostrarles el camino. Ahí nace la idea de que su llegada no fue solo una huida, sino una especie de «misión providencial«.
TEMA, PROPUESTA Y LA HISTORIA
La película se presenta como un relanzamiento moderno del eterno dilema de Clark Kent: ¿cómo ser humano cuando se es un «alienígena»? El tema de la dualidad entre lo moral y lo sobrehumano se plantea con sinceridad, pero su desarrollo queda muy atrapado entre la épica superheroica y las exigencias de construir una nueva franquicia.
Creo que uno de los lados más flacos de la película que pretende ser un relanzamiento desde el principio, es que no hace un claro “establecimiento” del universo de Supermán, su contexto y del personaje y en cambio da por sentado que ya sabemos muchas cosas de ese universo.
La propuesta narrativa, absolutamente humanista y menos oscura que versiones anteriores, es un acierto. Sin embargo, la historia se resiente por momentos: hay demasiadas subtramas compitiendo por la atención, lo que diluye el foco emocional. Algunas líneas argumentales parecen más pensadas para preparar futuras películas que para servir a ésta en particular. A mí parecer le sobran personajes y secuencias que si las quitas no pasa nada y ganas en ritmo.
NARRATIVA CINEMATOGRÁFICA Y HUECOS EN EL GUIÓN
Gunn sabe contar historias, y eso se nota en muchos pasajes: la película tiene momentos genuinos de emoción, humor y tensión. Pero la narrativa sufre por un ritmo desigual. El primer acto es ágil y prometedor; el segundo se torna muy expositivo, mucho bla bla bla; y el tercero, aunque espectacular, peca de predecible.
En cuanto a huecos de guion, no hay errores flagrantes, pero sí “pecaditos” por conveniencias narrativas: decisiones tomadas por personajes que parecen responder más a lo que la historia necesita que a una lógica interna sólida. Esto afecta particularmente al villano, cuya motivación parece más funcional que emocional.
DIRECCIÓN Y PERSONAJES NUEVOS
James Gunn imprime su sello: momentos entrañables, uso inteligente del humor, y una estética visual bien cuidada, sin llegar a lo barroco. Sin embargo, se nota el tironeo entre su voz autoral y el molde del “blockbuster hollywoodiano”: a veces la película se siente demasiado «corporativa» como un producto comercial más que como una propuesta, que seguramente lo es para Gunn, pero no para los inversionistas.
Los nuevos personajes introducidos son un arma de doble filo. Algunos (como un joven Jimmy Olsen y una renovada Lois Lane) aportan frescura y dinamismo se vuelven entrañables.
Pero otros -como ciertos secundarios “metahumanos” que parecen sacados del manual de expansión de universos- se sienten forzados e innecesarios, son como diría el bardo isabelino: “mucho ruido y pocas nueces”, Me parecen diseñados más para vender futuras secuelas que para enriquecer esta historia.
ACTUACIONES
El nuevo Supermán (interpretado por David Corenswet) cumple con creces: proyecta “humanidad”, nobleza, vulnerabilidad y determinación. No es necesariamente el sabio perfecto, pero eso también como él mismo lo dice, lo humaniza. No es fácil salir de la sombra de Christopher Reeve o Henry Cavill, pero Corenswet encuentra su propio tono y en lo personal creo que SÍ pudo con el peso de la capa y sale avante de las muchas tundas que le propinan los villanos.
Particularmente me encantó Rachel Brosnahan como Lois Lane. Raquelita desarrolla un personaje muy humano, verosímil y profundo; es otro acierto: es brillante, audaz, muy bella y sin perder calidez. Proyecta a una mujer de sentimientos, con ética, que piensa y cuestiona… y me parece muy sexy…
Creo que al personaje de Lex Luthor siendo el antagonista le falta mucha construcción y desarrollo en sus motivaciones fundamentales. Merecía un desarrollo más profundo y completo. El personaje de Luthor se salva gracias a las capacidad, experiencia, fuerza interpretativa y carisma de Nicholas Hoult quién ha crecido actoralmente muchísimo desde aquel entrañable “Marcus” junto a Hugh Grant en UN GRAN CHICO (About a Boy) de 2002.
¿UNA PELÍCULA SUPEDITADA AL MARKETING?
(L-R) David Zaslav, James Gunn y Peter Safran y el marketing (DC/Getty)
Sí en buena medida. La cinta logra ser una película con cierta alma, pero evidentemente no escapa al engranaje de la industria y el marketing hollywoodense. Su estructura y contenido claramente están diseñados para funcionar como inicio de saga, y eso le resta autonomía como obra individual. Hay atisbos, cameos y escenas post-créditos que apuntan más al producto que a la historia.
CONCLUSIÓN
SUPERMAN (2025) es un intento valiente de reinventar al Hombre de Acero, y aunque no lo logra del todo, deja mejores sensaciones que intentos previos. Brilla cuando se atreve a ser íntima, tambalea cuando cede a las exigencias del universo compartido y del marketing corporativo.
No es la película definitiva de Supermán, pero podría ser el paso necesario para volver a creer que un hombre puede volar… y que aún puede hacernos creer en lo mejor de la humanidad.
Estoy convencido que el mercado de la película son los adolescentes que no cuestionan mucho y sí aplauden alegremente en señal de aprobación al final de la proyección como sucedió en la función IMAX a la que asistí.
TEMAS DE INTERÉS: En el contexto de DC Comics, un «metahumano» se refiere a un ser humano que posee habilidades extraordinarias, a menudo sobrenaturales, que van más allá de las capacidades humanas normales. Estas habilidades pueden ser innatas, adquiridas a través de la exposición a factores externos como la radiación, o resultado de una composición genética única, como el «metagen«.
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Dicen que los gatos tienen nueve vidas… pero los ancestrales dinosaurios ya renacen en la séptima…
y al parecer todavía no tienen planes de extinguirse mientras haya fila en la taquilla…
Llega JURASSIC WORLD: RENACE, la nueva entrega que vuelve a abrir las puertas del parque… bueno, ahora más bien de un mundo donde los humanos ya no mandan y dónde el público responde gustoso a las “N” mil funciones de la película que se exhibe en todos los complejos cinematográficos.
Visualmente, es un banquete… Los bichos se ven espectaculares, con todo y que algunos son tan feos que te podrían curar el hipo…
Hay escenas que te dejan sin aliento y congelado con las palomitas en la mano… -como una persecución submarina con Atrociraptores– que parece sacada de tus más oscuras pesadillas… o de tus fantasías jurásicas.
Pero ojo… el guion sigue la fórmula conocida nacida en el laboratorio de John Hammond: Empresa ambiciosa y sin escrúpulos, experimento fallido, niños en peligro… y me parece que la célula madre que desdobla la fórmula bien puede ser esta:
Bechir Sylvain, Jonathan Bailey y Scarlett Johansson (Jasin Boland/Universal Pictures and Amblin Entertainment via AP)
Gente que se mete en dónde no debe… en el peor lugar para hacerlo… que hace lo que no debe… cuando no debe hacerlo… y con los menos indicados para hacerlo.
Con todo no es tan mala, está palomera… la verdad me entretuve aunque fuera con el otro lado de la misma tortilla, pero ciertamente no descubre el ADN del hilo negro.
Eso sí, Scarlett Johansson es lo mejor que le ha pasado a esta franquicia en años… Interpreta a una experta en genética con un pasado oscuro y un presente negro, pero negro. Y a la neoyorquina ¡Claro que le crees cada palabra, cada mirada!… y cada vez que le planta la cara a un velociraptor sin siquiera hablar.
Así que si eres fan de la saga, quieres disfrutar del fresco aire acondicionado de la sala de cine, gozar de que las complicaciones en la pantalla son más «gruesas» que las tuyas o si nomás quieres viajar desde tu butaca para ver dinosaurios muy bien hechos y a una Scarlett en modo “Yo soy la mera, mera…” Jurassic World: Renacete va a entretener.
No es un renacimiento perfecto, pero sí un buen recordatorio de por qué nos encanta ver colmillos hambrientos, piel rugosa pidiendo literalmente a gritos crema humectante, bichos gritones y malhumorados en pantalla grande.
Jurassic World: Renace es el ejemplo típico del cine de aventuras realizado para el verano y en donde los propósitos son dos: Entretener al público y hacer muchos “dolaritos” en la taquilla.
Haz CLIC sobre la imagen para ver el trailer…
Ficha Técnica:
Título Original: Jurassic World Rebirth
Director: Gareth Edwards
Guion: David Koepp
Protagonistas: Scarlett Johansson, Mahershala Ali, Jonathan Bailey, Rupert Friend, Manuel García-Rulfo, Luna Blaise
Género: Aventura, Ciencia Ficción
Año: 2025
Duración: Dos horas y 14 minutos
País: Estados Unidos
Clasificación: PG-13 (mayores de 13 años)
Lugares de rodaje: Tailandia, Malta, Reino Unido
Productoras: Universal Pictures, Amblin Entertainment
Secuela de: Jurassic World Dominion (2022)
Investigación, texto y edición por Andrés Bermea y Mr. Chips
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