Los simbolismos en VALOR SENTIMENTAL

Por Andrés Bermea

Las películas que más me gustan son las que te acarician la inteligencia, las que te tratan como persona pensante, como un observador capaz de poner atención y que te invitan a buscar y descubrir lo que te dice el lenguaje de la imagen; a ser cocreador de la película al hacer en tu mente tu propia versión de ella. VALOR SENTIMENTAL (Sentimental Value) lo hace con creces.

¡Alerta de Spoilers! Este artículo (más que una reseña) está dirigida principalmente a quienes ya vieron la película y lo que busco es desentrañar los abundantes y profundos simbolismos contenidos en el filme.

El Director Joachim Trier al centro

Este drama contemporáneo dirigido por Joachim Trier (uno de los cineastas europeos más finos para hablar de emociones “difíciles”: culpa, vergüenza, cariño mal expresado… y silencios que pesan). Nacido en Dinamarca pero quien adoptó la nacionalidad noruega narra la película en dos planos distintos, el dramático, contándonos la historia mediante el desempeño de los actores y otro mucho más importante, a través del lenguaje de la imagen, porque este dice más que las palabras. La imagen habla por sí misma y la parte que nos corresponde a nosotros como espectadores es descubrir su significado y -como decía antes- desentrañar sus simbolismos.

Hablemos de eso, los simbolismos y subtextos en Valor sentimental:

 La casa como narradora

La casa de la familia la podemos ver como una memoria material: la casa guarda capas de vida como un “archivo” físico: pasillos, puertas, marcas, objetos. Es por una parte escenario, y a la vez testigo. Además conlleva un linaje emocional que afecta a favor o en contra a cada nueva generación que va a vivir ahí, esto es igual a patrones o costumbres que se heredan (formas de amar, callar, huir, manipular).

La casa es de una madera rojiza

La cámara se regodea en ella y en sus tonos de madera añeja y puede leerse como carne / sangre / herida: una casa “viva” que carga el calor de lo familiar, pero también su lado más crudo. También sugiere oxidación del tiempo: lo rojo envejece como recuerdo que se intensifica (o se distorsiona) con los años.

La grieta en la construcción

La grieta -un notorio error de construcción de la casa- es un símbolo casi perfecto porque es visible, pero puede ignorarse… como los conflictos familiares. Se ve pero que a nivel consciente se deja de percibir, de notarse.

Esto nos deja ver que hay una fractura afectiva en la familia; algo se rompió hace mucho y todos aprendieron a vivir “con eso”. La grieta es una Verdad que se asoma: la grieta es como un secreto o dolor que ya no cabe bajo la alfombra: tarde o temprano se abre. Pero también representa algo grave, un Riesgo estructural: lo que parece “detalle” termina afectando todo. Igual que una palabra dicha a destiempo, un abandono, una humillación.

Nora y la imposibilidad de “empezar” la obra teatral

La dificultad que tiene Nora para iniciar su actuación en la obra teatral no es simple nervio escénico. Simboliza la dificultad que ella tiene para abordar la vida, la representación real de la que queremos escapar. Más que un pánico escénico, es la metáfora de un pánico y una inseguridad personal.

No puede entrar al personaje porque todavía no puede entrar a su propia historia: enfrentarse a la obra implica enfrentarse a la verdad. Usa el bloqueo como defensa: si empieza, se compromete. Y si se compromete, se expone.

El simbolismo del ducto del calentador

Este es un simbolismo potentísimo, porque convierte a la casa en un medio de transmisión: literalmente “la casa que habla” y Nora crece oyendo voces filtradas, deformadas, incompletas, distantes… El ducto como “canal”; Un conducto que lleva calor… y también lleva voces y revela verdades y secretos. El calor sugiere cuidado / hogar, pero el mismo camino sirve para que circule lo que no está destinado a ella: discusiones, tensiones, verdades a medias. Nora aprende el mundo adulto como se aprende un rumor: A distancia, sin contexto, con imaginación completando huecos. Eso puede explicar una sensibilidad particular: vive con la sensación de que siempre hay “algo que no está a la vista”, que no termina de entender.

Uno de los maravillosos aspectos de esto es el manejo de tiempos y elipsis -En una tercera ocasión y ya hacia el final solo vemos que Nora entra al escenario segura y determinada y de ahí corte y súbitamente pasamos a un festejo y los aplausos tras la representación- Ya no es necesario ver lo que sucede entre esos dos momentos.

Otro aspecto muy interesante es la Figura del padre como un director de cine (y de la familia) muy exitoso, pero controlador y ausente en la familia y que a través de un guion cinematográfico escrito específicamente para su hija y que desde luego quiere dirigir él mismo, busca la reconciliación con ella.

Replica de EL SET en VALOR SENTIMENTAL

Para lograrlo usa una estrategia o “truco” ingenioso: La réplica de la casa –el set– de la película filmada por padre e hija vuelve a ser SU escenario pero con un final que puede ser muy diferente. Esa revelación final (cuando la cámara “se abre” y vemos que lo que parecía la casa real es en realidad un set que la replica) funciona como un remate meta-cinematográfico muy coherente con el corazón de Valor sentimental: en esta familia, la vida y el arte están entrelazados, y la reconciliación -si ocurre- sucede más fácil dentro del marco de la creación que en la vida cotidiana.

Elle Fanning, Inga Lilleaas, Renate Reinsve, Stellan Skarsgård

Los cuatro protagonistas están nominados al Óscar en las categorías de Actuación. (Abajo las lista completa de nominaciones).

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Premios, nominaciones y reconocimientos (a la fecha)

  • Festival de Cannes 2025: Ganadora del Grand Prix (el segundo premio más importante del festival, después de la Palma de Oro).
  • Golden Globes 2026:8 nominaciones y 1 premio. Entre ellas:
    • Ganó: Mejor actor de reparto (Stellan Skarsgård).
  • Óscar (98ª edición): Nominado para 9 premios Óscar:

* Mejor Película del Año

* Mejor Película Internacional

* Mejor Logro en Dirección: Joachim Trier

* Mejor Guion Original

* Mejor Edición

Tiene una Duración de 133 minutos.




Sirāt: Trance en el Desierto

Reseña por Andrés Bermea

¡Nunca había visto una película como esta! ¡Nunca había visto una película en donde el maridaje entre la imagen y el sonido fuera tan poderoso, tan intenso, tan provocador!

Seré especialmente cuidadoso en este comentario porque Sirāt no debe recibir ningún “espóiler”. Esa es mi primera recomendación, ve a verla sin prejuicios, sin expectativas, sin leer o ver reseñas de nadie, ya lo podrás hacer después. Mira la película con los ojos bien abiertos y sobre todo siéntela, experiméntala, vívela…

Pero ¿Qué es Sirāt o qué quiere decir?…

El título no es casual: “Sirāt” alude, en la tradición islámica, a un puente/camino que conecta salvación y caída, un paso peligroso entre infierno y paraíso. Si cruzas el puente, ese puente que va subiendo y constantemente más difícil, llegarás al paraíso, si caes del él, vas al infierno.

La película es eso, un camino ascendente, una “Road Movie” que va literalmente en “crescendo”…

La estructura muy bien definida en sus tres actos y un epílogo «abierto» me recuerda mucho a la de aquélla memorable película francesa “EL SALARIO DEL MIEDO” (Le salaire de la peur) de 1953. Aquí el filme arranca con una búsqueda, en este caso -un padre y su hijo tratando de encontrar a la hija del primero y hermana del segundo-. El microcosmos creado por el Director franco español Óliver Laxe, está “ambientado” en el famoso y por demás hostil Desierto del Sahara, en Marruecos; en donde se realiza un “rave” (una fiesta masiva centrada en la música electrónica, techno, etc.), en donde los “ravers” aunque inmersos en un colectivo, viven más bien una experiencia sensorial intensamente propia, privada, absolutamente entregados al delirio de los sentidos que en casi todos los casos están exacerbados por drogas como el LSD. Así, entre ellos empieza la búsqueda de la chica, que al parecer no está ahí. La exploración apenas empieza cuando padre e hijo son informados que hay una fiesta más en otro lugar del desierto. Una vez establecida la situación; el segundo acto arranca cuando este par -padre e hijo- decide seguir por ese desierto incesantemente hostil, a un grupo de ravers que al parecer va a ese otro sitio. A partir de ahí se trata de un viaje físico y espiritual para todos.

Entonces ya más que sólo ver la película, también la empezamos a sentir gracias a un magnífico diseño de sonido apoyado muchísimo en frecuencias bajas que nos hacen vibrar a su ritmo y tono. Más que ver una película es una experiencia sensorial que nos sacude con una fuerza inusitada.

Empiezan también una serie de incidentes posibles pero que cada vez son más impredecibles y que van subiendo en una intensidad y tono pocas veces vistos en la pantalla que van de lo estrujante a lo devastador…

SIRĀT: TRANCE EN EL DESIERTO es de esas películas que no se “explican” del todo con una sola idea, porque funciona como un trance: te va llevando con el cuerpo, con el sonido, con lo hostil del paisaje… hasta que la búsqueda deja de ser sólo “encontrar a alguien” y se vuelve una pregunta más grande: ¿Qué hacemos con la ausencia, con el miedo, con la vida y la muerte?…

Esta es la selección oficial de España a los Premios Óscar 2026 (98ª edición): Nominada a Mejor película internacional y Mejor sonido. Después de verla verás que tienen completo sentido ambas nominaciones. ¡Un extraordinario ejercicio de realización cinematográfica!

Ya está en cines… para vivir esta experiencia, te recomiendo ¡Hazlo EN EL CINE!



SELECCIÓN ESTRENOS DE LA SEMANA, JUEVES 8 DE ENERO

¡Bienvenidos a la Selección de la Semana en CINESAURIO! Tres estrenos muy diferentes que dialogan con la identidad, la soledad contemporánea y las máscaras que usamos para sobrevivir: un clásico que regresa con fuerza, una mirada afilada a los afectos “de alquiler” y una comedia negra que se mete hasta la cocina de nuestras contradicciones.

Antes de salir, recuerda revisar horarios y formatos en tu cine favorito. Aquí, en CINESAURIO, celebramos el cine de ayer, de hoy y el que vendrá.

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

Título original: Kiss of the Spider Woman

Clasificación: «B15»

Género: Musical

Director: Bill Condon

Reparto: Diego Luna, Tonatiuh, Jennifer Lopez, Bruno Bichir

País: Los Estados Unidos

Duración: 2h 8m

¿DE QUÉ TATA?

Ambientada en la Argentina de 1983, protagonizada por Jennifer López, Tonatiuh y Diego Luna sigue a dos hombres encarcelados que, en medio de la represión de la dictadura, uno de ellos comienza a narrar su película favorita, una fantasía sobre una mujer que intenta huir de una leyenda; al visualizarla juntos, los prisioneros transforman su diminuta celda en un refugio, donde encuentran esperanza y conexión mientras buscan una forma de liberarse más allá de los barrotes.

Un título imprescindible que combina drama carcelario, deseo y fantasía como refugio. Entre confidencias y relatos que se vuelven cine dentro del cine, la película explora la libertad interior, el poder de la imaginación y la dignidad en los márgenes. Ideal para verla —o revisitarla— en pantalla grande y recordar por qué se volvió un referente.

RESEÑAS


FAMILIA EN RENTA

Título original; Rental Family

Clasificación: B-15

Género: Comedia, Drama, tragedia

Director: Hikari

Repasrto: Brendan Fraser, Takehiro Hira, Mari Yamamoto, Shannon Gorman, Akira Emoto

País: Los Estados Unidos

Duración: 1Hr. 50 minutos

¿DE QUÉ TATA?

Ambientada en el Tokio actual, FAMILIA EN RENTA sigue a un actor estadounidense que se esfuerza por encontrar su propósito en la vida, hasta que consigue un trabajo inusual: se une a una agencia japonesa de “familias de renta”, interpretando roles sustitutos para desconocidos. A medida que se sumerge en el mundo de sus clientes, comienza a establecer vínculos genuinos que desdibujan las líneas entre la ficción y la realidad. Al enfrentarse a las complejidades morales de su trabajo, redescubre el propósito, el sentido de pertenencia y la belleza silenciosa de las conexiones humanas.

Crónica aguda de la soledad urbana: personas que contratan “familia”, amigos o parejas para eventos y momentos clave. Detrás de la anécdota hay preguntas incómodas sobre el afecto, el desempeño y la necesidad de pertenecer. Humor sutil, toques de ternura y un espejo que nos devuelve la cara de nuestras relaciones en tiempos de apps y contratos.

RESEÑAS


PRIMATE

Título original: Primate

Clasificación: «C«

Género: Horror, Simios

Director: Johannes Roberts

Reparto: Johnny Sequoyah, Troy Kotsur, Troy Kotsur

Duración: 1 Hr. y 29 Mins.

¿DE QUÉ TATA?

Tras regresar de la universidad, Lucy se reúne con su familia, incluido el chimpancé Ben. Ben contrae la rabia durante una fiesta en la piscina y se vuelve muy agresivo. Lucy y sus amigos se atrincheran en la piscina e idean formas de sobrevivir al feroz chimpancé.

Comedia negra de “crisis evolutiva”: un protagonista que se cree muy civilizado se topa con sus instintos básicos cuando la vida lo arrincona. Satira de oficina, ego, poder y supervivencia emocional; ritmo ágil, diálogos filosos y situaciones que hacen reír… porque duelen un poquito.

RESEÑAS



¡Me encantó SONG SUNG BLUE!

¡Y qué agradable sorpresa! Originalmente pensé que se trataba de ooooootra biopic ahora de Neil Diamond y pensé ¡Qué flojera!, pero… ¡No!… Es más bien la historia de Mike y Claire Sardina, dos músicos de Milwaukee, EUA, quienes formaron la Banda tributo (No imitación) a Neil Diamond Lightning & Thunder.

Los intérpretes son Hugh Jackman y Kate Hudson; del primero ya tengo bien claro que es uno de los mejores actores del cine, una verdadera Triple amenaza (Actúa, canta y baila), pero… ¡Qué bárbara! Kate Hudson me parece extraordinaria y cautivadora, emana y contagia una energía desbordante y positiva; y ¡qué manera de cantar! Me extraña que la hayan ignorado en los CRITICS CHOICE AWARDS, Pero, pero, eso SÍ, tiene nominación en los GOLDEN GLOBE AWARS en la categoría de Mejor actriz en una película: musical o comedia.

Mike y Claire Sardina

No conocía al matrimonio Sardina, y ahora se me ha despertado el interés por conocer más de ellos y veré en YouTube el documental sobre sus vidas que sirvió de base para esta película.

Tenía un tanto olvidado a Neil Diamond y qué maravilla rescatar sus excelentes canciones.

SONG SUNG BLUE es una de esas -ya escasas- películas que te llevas contigo después de la proyección con un buen sabor de boca (y de oído), con una propuesta inspiradora sobre lo que es seguir y vivir tu pasión aún frente las dificultades y hostilidades que se presentan en la vida.

Andrés Bermea


Espectacular!

HAMILTON el musical triunfador de Broadway llega a la pantalla grande…

Presenciar «En Vivo» un espectáculo como un musical de Broadway siempre será una experiencia inigualable, pero sin duda hoy gracias al video se puede experimentar también de una manera diferente pero significativa ya que el uso de múltiples cámaras nos permite ver aspectos imposibles desde una butaca lejana tales como las expresiones en los rostros de los actores; las cámaras nos dan una experiencia totalmente inmersiva en el escenario.

Tal es el caso de HAMILTON el musical histórico que ya rebasa los diez años en escena en el majestuoso Richard Rodgers Theatre en Broadway.

Para los amantes del género musical es imperdible, pues aunque desde hace tiempo está disponible en el canal de DISNEY+ la pantalla del cine nos envuelve y el sonido nos hace sentir el ritmo de la historia.

Elementos clave en los que se basa el musical:

  • Biografía de Ron Chernow: La obra de Chernow es la fuente principal para la historia, ofreciendo un relato detallado de la vida de Alexander Hamilton. 
  • Figuras históricas: El musical se centra en la vida de Alexander Hamilton, pero también explora sus interacciones con otros personajes clave, como George Washington, Thomas Jefferson, James Madison y Aaron Burr. 
  • Revolución Americana: La narrativa sigue a Hamilton desde sus días como inmigrante caribeño que lucha por la independencia hasta su papel en la fundación de Estados Unidos. 
  • Historia temprana de Estados Unidos: La obra detalla los inicios del gobierno estadounidense y los debates que moldearon la nación. 
  • Estilos musicales: La banda sonora es una mezcla innovadora de hip-hop, R&B, jazz, soul, pop y baladas de Broadway, que da vida a los eventos y personajes históricos. 

Aunque para muchos la trama pueda parecer un tanto ajena por bordar sobre un personaje propio de la historia de los Estados Unidos, nunca sobra un poquito de cultura al respecto. Pero finalmente la dramatización y musicalización de esa fracción de la vida norteamericana se ha convertido en un espectáculo sumamente disfrutable. La parte histórica está contada de manera accesible y sin caer en lo prolijo o aburrido.

Las variaciones musicales le aplican un dinamismo que hace de la pieza algo muy llevadero y hasta divertido. La Producción con que se presenta refleja porqué Broadway es Broadwayla capital del teatro en nuestro continente-; La Dirección escénica nos lleva con gran ingenio de un lado a otro del escenario para que nunca decaiga la atención; La coreografía es un lujo del teatro moderno, las actuaciones son fenomenales gracias a un elenco de extraordinarios actores y actrices encabezados por el creador y protagonista principal Lin-Manuel Miranda.

Ojalá que la magia que resulta de combinar el teatro con el cine se siga dando para que lo mejor del mundo artístico llegue hasta las pantallas cercanas a nosotros. La había visto un par de veces en la pantalla de la televisión, pero anoche la vi en la gran pantalla del cine y resultó ser una experiencia muy gratificante. La sala tenía una ocupación de un 80% durante esta función lo que me hace pensar que al público esto le encanta. Ojalá y los programadores de los complejos cinematográficos como #Cinépolis y #Cinemex nos traigan más espectáculos como este.

Andrés Bermea


LA VIDA DE CHUCK / RESEÑA

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DICEN QUE CUANDO VAS A MORIR VES EN TU MENTE LA PELÍCULA DE TU VIDA, LA VIDA DE CHUCK ES ALGO SEMEJANTE, UNA PARÁBOLA…

Por Andrés Bermea

Es una película basada en un guion escrito por Mike Flanagan y Stephen King sobre la novela corta original de este último, incluida en la antología If It Bleeds (2020) y dirigida por el primero… 

Dicen que cuando vas a morir ves en tu mente imágenes que son como la película de tu vida, LA VIDA DE CHUCK es algo semejante, una parábola, una inmersión justo al final de la existencia en diversos momentos de lo vivido y en una secuencia regresiva, partiendo del lecho de muerte hasta la niñez. Es un repaso existencial muy vívido e intenso en un hombre común en diferentes etapas de la vida, de las experiencias en cada una de ellas, sobre las fortalezas y debilidades y muy especialmente el cómo fue la relación con los demás;

lo que recibimos de ellos, lo que les dimos y particularmente con la familia,una evocación de los miedos que paralizan y de los logros y satisfacciones de la determinación.

Conocer el final justo desde el inicio es una apuesta que puede parecer atrevida, pero tiene sentido porque es ver cómo se armó el rompecabezas de la vida. La película está llena de simbolismos y secuencias mágicas y muy humanas como una escena de un baile callejero que Chuck danza con una desconocida al ritmo de una batería que bien podría evocar los latidos del corazón.

Annalise Basso y Tom Hiddleston

La vida es un baile que hay que interpretar con todo el gusto, la entrega y la pasión que sea posible, pero que no lo hacemos solos, siempre es con alguien más y en una perfecta sincronía con la pareja y con la música. El baile no es gratuito ni salido de la nada, es simbólicamente el resultado de las enseñanzas de la abuela que nos dice que la vida hay que vivirla y gozarla a su tiempo, a su ritmo y en su espacio.

Durante su niñez Chuck es un chico bajo de estatura que cuando ve a los demás tiene que levantar la cabeza y su mirada, pero se da cuenta que no tiene por eso que ser insignificante sino al contrario, capaz de lidiar con todo lo que ve más grande o mayor que él. Chuck no se amilana con miedos, al contrario los transforma en curiosidad, luego en retos y ansias por descubrir qué hay en lo que le tenían vedado.

Creo que LA VIDA DE CHUCK es una muestra de cómo nuestra vida por simple y ordinaria que pueda parecer toca la de los demás y a la vez es tocada por ellos. La vida no siempre conlleva actos o proezas heroicas, es la suma de pequeños eventos simples, cotidianos y ordinarios. La maravilla de la película es que puede ser tan amplia y profunda como un bosque lleno de cosas por descubrir.

En lo personal celebro cuando un realizador como Mike Flanagan acaricia nuestra inteligencia y nos da materia para completar la película junto con él, buscando las innumerables piezas que conforman el rompecabezas de la vida; soy feliz cuando como creador un Director toma en serio al espectador y a su capacidad de pensar, de descubrir, de apreciar y disfrutar de cada pieza que encaja en el lugar que le corresponde. Me gustan estas películas que no se acaban cuando termina la proyección, que te siguen dando basta materia para pensar, descubrir y sobre todo para conversar, y así el film trasciende la pantalla. Una película no tiene sentido sin el espectador.

Ficha técnica

  • Título original: The Life of Chuck
  • Título en español: La vida de Chuck
  • Año de producción: 2024 (presentada en festivales), estreno comercial en 2025.
  • Director y guionista: Mike Flanagan
  • Basada en: Novela corta de Stephen King, publicada en la colección If It Bleeds (2020)
  • Elenco principal:
    • Tom Hiddleston como Chuck (adulto)
    • Chiwetel Ejiofor como Marty Anderson
    • Karen Gillan como Felicia Gordon
    • Jacob Tremblay y Benjamin Pajak (versiones jóvenes de Chuck)
    • Mark Hamill, Mia Sara, Nick Offerman (voz), entre otros (Wikipedia)
    • Annalise Basso, compañera de baile callejero de Chuck
  • Narrador (voz en off): Nick Offerman (Wikipedia)
  • Duración: 111 minutos (1 h 51 min) (IMDb)
  • Géneros: Drama, fantasía, ciencia ficción ligera (Rotten Tomatoes)
  • Idioma original: Inglés

EDDINGTON / RESEÑA

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EDDINGTON: pandemia, polarización y western contemporáneo

Eddington, de Ari Aster, es una audaz película que se debate entre el drama al estilo Film-Noir la comedia negra y el estilo neo-western ambientada en un pueblo ficticio de Nuevo México durante los muy difíciles días iniciales de la pandemia de COVID-19 en 2020.

Lo que comienza como un enfrentamiento político entre el sheriff Joe Cross -interpretado por Joaquin Phoenix)- y el alcalde Ted García -Pedro Pascal- un alcalde tecnocrático pronto se transforma en una micro escenario del caos cultural:

redes sociales omnipresentes, conspiraciones, activismo performativo, extremismos y violencia.

En Eddington su pueblo imaginario, Aster crea un auténtico microcosmos y condensa la fractura de una sociedad real, mostrando lo que es perder la capacidad de distinguir lo real de lo urgente, lo verdadero de lo escandaloso. Tanto la estructura visual como el ritmo narrativo —claustrofobia sonora, simbolismo fragmentado, tono inestable— refuerzan esa atmósfera de colapso emocional.

El Director Ari Aster y Pedro Pascal

El Escritor y Director Ari Aster parece ilustrar más lo que siente estar sumergido en un torrente de ruido —miedo, conspiraciones, desinformación, activismo performativo— que hacer un juicio político específico.

¿Real o ficticio?
El pueblo y los eventos son ficticios, pero hay una fuerte referencia a momentos reales: pandemia, protestas de Black Lives Matter, desinformación, cultura digital. Eddington es una alegoría moderna de nuestro desconcierto colectivo.

Con un reparto de lujo -Joaquin Phoenix, Pedro Pascal y Emma Stone- y con actuaciones que ponen en evidencia porqué sus nombres brillan, están en los primeros créditos y son respetados por crítica y audiencia; la película cosecha opiniones encontradas: mientras algunos resaltan su ambición temática y capacidad para reflejar la paranoia digital contemporánea de forma inquietante, otros critican su falta de claridad narrativa y exceso de simbolismos. Sea admirada o criticada, Eddington provoca y sigue resonando mucho después de los créditos finales.

La recepción crítica ha sido mixta y polarizada:

Rotten Tomatoes: 68 % de críticas positivas. El consenso resalta el reparto estelar y la audacia de Aster, aunque muchos sienten que el tono confunde más de lo que comunica .

Metacritic: 64/100 — críticas “generalmente favorables” .

RogerEbert.com (Brian Tallerico): 2.5/4 estrellas; considera que, más allá de sus divisiones, cumple su propósito como obra provocativa para 2025 .

IndieWire (David Ehrlich): le da una A−, elogiando su capacidad para capturar vívidamente cómo lo digital ha despojado a las personas de su propia verdad .

The New Yorker (Justin Chang): ve ambición en la película, pero critica su sátira y personajes, que pueden no ser lo suficientemente interesantes como para juzgarlos; califica el resultado como “pesado” .

Además, IndieWire la ubicó en el puesto 74 de las «100 mejores películas de los 2020 (hasta ahora)» .


AMORES MATERIALISTAS / RESEÑA

Por Andrés Bermea

Reseña en video, haz Clic en la pantalla

Cuando busco entender una película en lo primero que pienso es en ¿Cuál puede ser el tema?… Es decir el qué de la película, el sentido o propósito, lo que -como en este caso- la escritora y directora nos quiere decir al público… En AMORES MATERIALISTAS (Materialists / 2025) Celine Song busca dar respuestas a estas preguntas:

¿Se puede encontrar el amor verdadero en una actualidad dictada por el dinero y los nuevos convencionalismos sociales?…

Es más…

¿Existe todavía el amor de pareja o ya es una negociación empresarial o comercial?… ¿Acaso hoy el amor está totalmente supeditado a la estabilidad económica, el estatus y los beneficios materiales?… ¿Es eso procurar por un futuro más estable y promisorio o es mero egoísmo, pensar sólo en primera persona?…

AMORES MATERIALISTAS puede encajar bien en el género romántico pero está muy lejos de ser una simple “Chic-Flick”, es una película adulta para adultos, muy humana, aterrizada y sin “melcocha barata”; está inmersa seriamente en nuestro tiempo, pero al mismo tiempo que cuestiona y plantea, también proporciona dos horas de entretenimiento de calidad y clase.

Celine Song

En entrevistas recientes, Celine Song ha dicho que lo que más le interesa no es juzgar, sino observar cómo las decisiones sentimentales están entrelazadas con las estructuras del capitalismo actual. Según sus palabras, la película “no se trata de amor o dinero, sino del poder y del deseo de tenerlo todo. Lo romántico y lo económico ya no pueden separarse”.

Un buen guion audaz y filoso es la base de esta película que facilita una narrativa  atractiva, clara, sincera, directa y enfocada.

Pedro Pascal y Dakota Johnson

Pero si el guion es un esqueleto sólido, las actuaciones de los protagonistas revisten al film un cuerpo lleno de vida y verdadera humanidad, que deja ver bastante más allá de lo que socialmente permitimos.

La historia está muy bien construida sobre el personaje de una “casamentera”. ¿Quién mejor que ella para conocer el variado catálogo de los verdaderos, ocultos y más íntimos deseos de aquellos que buscan una pareja con quién hacer “click” y que no lo han logrado por sí mismos?… El rol lo tiene la bella Dakota Johnson quien nos regala una sólida y brillante interpretación muy verosímil, humana y auténtica, llena de matices y con un “arco” muy amplio, sutil y al mismo tiempo profundo. Es decir, la mujer y casamentera que vemos al final es muy diferente a la que vimos al inicio. Hay transformación y evolución.

Por su parte Pedro Pascal muestra un gran oficio actoral con un personaje que viene a ser un catalizador muy importante para la historia. El chileno va muy bien en su carrera y ya se va consolidando no solamente como un “SuperStar” hollywoodiano, sino como un actor atractivo para la taquilla, pero a la vez  a la altura de papeles protagónicos muy reservados para los consagrados.

Chris Evans y Dakota Johnson

Chris Evans cumple y hasta ahí. Su personaje creo es el menos logrado y claro, se ve un tanto opacado por Johnson y Pascal.

La directora Celine Song logra un muy buen ejercicio de cine, con una historia bien narrada, sutil, elegante y a la vez contundente que le deja a los cinéfilos tema para platicar después de la proyección acompañando la charla con un cafecito o un buen tinto…

Probablemente le quede grande a los pubertos, adolescentes y a más de uno de los opinólogos,gurús tiktokeros” y “timburtonianos”. La recomiendo y creo que agradará a los cinéfilos que buscan un buen entretenimiento con temas adultos, trascendentes y que acaricien la inteligencia.

Reconozco siempre el derecho inalienable que tenemos todo el mundo a “opinar”.



Los 4 fantásticos aciertos de «LOS 4 FANTÁSTICOS: PRIMEROS PASOS”

Reseña por Andrés Bermea

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Primer acierto: Un muy buen guion con un tema inspirador: “La unidad frente a la adversidad.” Y podríamos extenderlo a la unidad familiar.

Los guionistas sabían lo que querían y supieron perfectamente cómo lograrlo. La historia es sencilla, clara y asequible; directa y enfocada; la puedes seguir sin ningún problema y sin toparte con subtramas o personajes innecesarios. Esta es una película veraniega con propósitos muy definidos: divertir, hacer mucho dinero y abrir las puertas a más historias -y así hay que entenderla-. Nada hubieran aportado personajes oscuros y llenos de traumas e historias retorcidas con el torpe pretexto de darle profundidad.

Galactus

Tiene los elementos básicos y precisos: Un VILLANO literalmente enorme y del que pronto sabes exactamente lo que pretende, y desde luego los HÉROES que con sus prodigios -y limitaciones- tienen como misión salvar al mundo y a la humanidad de las malvadas intenciones del villano. El gran cineasta mexicano galardonado mundialmente GABRIEL FIGUEROA me dijo en una ocasión: –“Andrés, las películas se hacen a base de historia y personajes”. Su enseñanza quedó grabada en mí a fuego, como los Diez Mandamientos en las Tablas de Moisés. Y LOS 4 FANTÁSTICOS: PRIMEROS PASOS te aseguro tiene eso: historia y personajes.

Segundo acierto: El Director Matt Shakman entendió a la perfección el guion y nos obsequia con una narrativa sencilla -no por ello menor-. Sabía a dónde quería llegar y supo cómo irse sin perderse entre las ramas. Su dirección es impecable, muy bien pensada, planeada y pulida.

Tercer acierto: Hablemos de personajes y actores. El guion no se entretiene mucho en detallar sus orígenes pero lo que se dice es bastante claro y suficiente como para que incluso sin antecedentes entendamos la psicología y funcionalidad de todos los personajes. Son sólidos. Pero sobre  todo destaco al reparto, realmente logran -literalmente- un ensamble fascinante. Mis respetos para el chileno Pedro Pascal que saca un excelente protagónico muy digno y a la altura del más pintado astro hollywoodense. Vanessa Kirby está adorable y entrañable en su rol de súper héroe y súper mamá. Y la química entre ambos actores es “fantástica”!!

En realidad TODOS están muy bien y la química entre todo el ensamble funciona de maravilla.

Cuarto acierto: El Diseño de Producción con un ambiente retro sesentero es bellísimo, sumamente cuidado al detalle más mínimo y la palabra que lo define es: IMPECABLE. Casi son obligados nuevos visionados para captar la infinidad de detalles. Todo esto se traduce en un universo tan atractivo, tan real pero al mismo tiempo lleno de creatividad, color y texturas que nos transportan a un mundo de los 60s pero en bonito. Todo muy bella y estupendamente fotografiado y los Efectos Visuales -muy abundantes por cierto- son obra de verdaderos artistas y lo digo en el sentido original de creadores. Apuesto desde ya, nominaciones al Oscar en estas categorías.

Creo que a los “opinólogos” de Rotten Tomatoes y a uno que otro diletante nacional disfrazado de crítico -de esos que abundan en redes sociales-, les quedó muy grande la tarea de reseñar esta joyita.

Para definir a LOS 4 FANTÁSTICOS: PRIMEROS PASOS me basta una palabra: ¡Fantástica!