¡Hola! Mi nombre es Andrés Bermea tu guía en la exploración de la jungla cinematográfica y te tenemos lista… ¡la Selección de la Semana en CINESAURIO.COM!
Esta vez la cartelera se siente como un triplete perfecto para públicos muy distintos: una aventura animada con imaginación desbordada (Hoppers), un drama-comedia indie que ha venido cosechando premios fuertes de temporada (Si pudiera, te patearía / If I Had Legs I’d Kick You), y una relectura “monstruosamente” atrevida del mito de Frankenstein, con elenco de lujo (¡La novia! / The Bride!). Aquí van las claves, con premios, nominaciones y curiosidades.
Antes de salir, recuerda revisar horarios y formatos en tu cine favorito. Aquí, en CINESAURIO, celebramos el cine de ayer, de hoy y el que vendrá.
Pixar se lanza con una premisa rarísima y muy divertida: una chica “bota” su conciencia a un cuerpo robótico de animal, abriendo la puerta a comedia, aventura y ese toque emocional que suele pegar duro en sala. La crítica ya la trae en la conversación como un regreso a la creatividad “loca” del estudio.
¿De qué va?
Una amante de los animales aprovecha la oportunidad de utilizar una tecnología que coloca su conciencia en un castor robótico, descubriendo misterios dentro del mundo animal que van más allá de lo que podría haber imaginado.
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Maggie Gyllenhaal toma el mito de La novia de Frankenstein y lo convierte en algo como Bonnie & Clyde con monstruos, punk y romance peligroso.
Jessie Buckley encabeza y Christian Bale contó que, al leer el guion, pensó que se había equivocado de proyecto por lo arriesgado que era.
¿De qué va?
¡LA NOVIA!, una versión audaz e iconoclasta de una de las historias más fascinantes del mundo. Un solitario Frankenstein (Bale) viaja a Chicago de la década de 1930 para pedirle a la renombrada científica Dra. Euphronious (Annette Bening, nominada al Oscar en cinco ocasiones) que le confeccione una compañera. Juntos logran resucitar a una joven asesinada, y nace La Novia (Buckley). Lo que sucede a partir de ahí supera todo lo que podrían haber imaginado: ¡asesinato! ¡posesión! ¡un movimiento cultural radical y desenfrenado! ¡Y amantes fuera de la ley en un romance salvaje e irresistible!
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Indie con humor incómodo y corazón roto: una terapeuta/mamá intenta mantener la vida en pie mientras todo se le viene encima. Lo sobresaliente aquí es el peso actoral: Rose Byrne se volvió el imán de la temporada y llegó hasta el Óscar y está nominada a Mejor Actriz. Actriz nominada al Gotham (Mejor Película) en su historial de premios, y aparece con listados y reconocimientos en portales de crítica.
¿De qué va?
Con su vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su terapeuta.
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RESEÑAS
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¡Ya está lista la Selección de la Semana en CINESAURIO! En esta entrega la cartelera se siente como “variedad fina”: tenemos un thriller helado de supervivencia Muerte en Invierno (Dead of Winter); una animación francesa con sensibilidad filosófica Amelie y los secretos de la lluvia (Amélie et la métaphysique des tubes); una comedia dramática que mira el divorcio con humor incómodo ¿Está Funcionando Esto? (Is This Thing On?); También un documental mexicano sobre boxeo con los guantes bien puestos, Rómpete La Madre; el regreso a cines de un clásico absoluto de la animación El viaje de Chihiro y dos experiencias musicales de alto calibre para quienes prefieren cantar la función (EPiC: Elvis Presley in Concert y Paul McCartney: Man On The Run). Además, sumamos una parada curiosa con Cosmos, una historia íntima filmada en Yucatán que le apuesta a la contemplación.
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AMELIE Y LOS SECRETOS DE LA LLUVIA
Título original: Amélie et la métaphysique des tubes
Clasificación: «A»
Género: Animacion, Familiar
Director: Mailys Vallade, Liane-Cho Han
Actores: Loise Charpentier, Yumi Fujimori, Marc Arnaud
País: Francia
Duración: 1Hr. y 19 Mins.
¿DE QUÉ VA?
Amélie es una pequeña niña de Bélgica nacida en Japón. Gracias a su amiga Nishio-san, el mundo está lleno de aventuras y descubrimientos. Pero en su tercer cumpleaños, un acontecimiento cambia el curso de su vida. Para Amélie, todo está en juego a esa edad, tanto la felicidad como la tragedia. «Amélie y los secretos de la lluvia»» adaptada de la novela “Metafísica de los tubos»» de Amélie Nothomb, cuenta una historia tierna, conmovedora y visualmente impresionante sobre el poder curativo de la conexión humana.
Una joya animada basada en la novela de Amélie Nothomb: infancia, identidad y descubrimiento del mundo con mirada poética. En el Festival de Annecy se llevó el Premio del Público (dato buenísimo para medir conexión emocional), y ya aparece en el radar de críticos con nominaciones en premios de crítica y europeos (según listados de galardones).
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COSMOS
Título original: Cosmos
Clasificación: «A»
Género: Drama
Director: Germinal Roaux
Actores: Andrés Catzin, Ángela Molina, Erandeni Durán, Marco Treviño,
País: México, Suiza
Duración: 2 Hrs. 32Mins.
¿DE QUÉ VA?
En un pueblo olvidado de Yucatán, Lena, una viuda de 68 años, cruza caminos con León, un guardián maya de 62 años que conoce los secretos y espíritus de la naturaleza. Lena encuentra en León un compañero inesperado. A pesar de sus diferencias y sus mundos aparentemente opuestos, se forma una profunda conexión entre ellos. Cosmos es un relato filosófico sobre el envejecimiento, sus transformaciones silenciosas y el vínculo esencial del amor en la vida humana.
Una historia de vejez, soledad y conexión humana filmada en la zona rural de Yucatán, con un tono más contemplativo y fotografía en blanco y negro. Dato festivalero: tuvo Mención Especial (Ficción) en el Festival International du Film et Forum International sur les Droits Humains (FIFDH), y está respaldada por fichas de festivales y cinetecas que subrayan su enfoque íntimo.
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EPIC: ELVIS PRESLEY EN CONCIERTO
Una experiencia cinematográfica que revive a Elvis Presley con material perdido y restaurado (incluyendo momentos clave de su era en Las Vegas), combinado con archivo inédito y grabaciones donde Elvis narra su propia historia, para mostrar al artista y a la persona con una cercanía que no se había visto antes.
Dirección: Baz Luhrmann
Clasificación: «A»
Duración: 1 Hr. y 36 Mins.
¿DE QUÉ VA?
No es “otro documental más”: es un concierto-cine con material de archivo restaurado y el sello espectáculo de Baz Luhrmann. Curiosidad técnica: se ha destacado el trabajo de restauración y el enfoque en el Elvis Presley escenario, con estreno y perfil festivalero en Toronto International Film Festival.
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¿ESTÁ FUNCIONANDO ESTO?
Título original: Is This Thing On?
Clasificación: «B-15»
Género: Comedia, Drama
Director: Bradley Cooper
Actores: Will Arnet, Laura Dern, Bradley Cooper
País: Reino Unido, Estados Unidos
Duración: 2hrs.
¿DE QUÉ VA?
Mientras su matrimonio se desmorona silenciosamente, Alex enfrenta la mediana edad y un inminente divorcio, buscando un nuevo propósito en la escena humorística de Nueva York a la vez que Tess confronta los sacrificios que hizo por su familia —obligándolos a navegar la crianza compartida, la identidad, y la posibilidad de que el amor adopte una nueva forma.
Comedia dramática sobre recomponerse cuando todo se está desarmando: un personaje que intenta reinventarse (sí, incluso con Stand-up) mientras su vida familiar cambia. Curiosidad de temporada: recibió el SF Honors Award de SFFILM, y además figura con nominaciones en grupos de crítica.
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PAUL MCCARTNEY: MAN ON THE RUN
¿Qué pasa cuando despiertas a la mañana siguiente de haber dejado la banda de Rock más importante de todos los tiempos? En abril de 1970, Paul lanzó su primer álbum solista, McCartney, junto con un inesperado comunicado de prensa en el que anunciaba la separación de la amada banda. Cuando le preguntaron qué haría a continuación, respondió que su único plan era… madurar.
¿DE QUÉ VA?
Man on the Run captura la década de transformación de Paul tras la separación de The Beatles. A través de impresionantes imágenes de archivo, las excepcionales fotografías de Linda McCartney y entrevistas con Mick Jagger, Chrissie Hynde, Sean Ono Lennon, Mary y Stella McCartney, así como con quienes formaron parte de Wings y, por supuesto, con el propio Paul, la película explora esta época desde una perspectiva única y vulnerable. Incluye una conversación exclusiva con Paul McCartney y el director Morgan Neville.
Otro evento para melómanos: documental centrado en la etapa post-Beatles y el renacer creativo. Dato concreto para agenda: tendrá función limitada en cines (sólo un día) antes de su ventana en streaming, según el anuncio oficial del equipo de Paul McCartney. Además, viene con pedigree festivalero por su paso por Telluride y cobertura de crítica.
¡Alerta! esta película SOLO se exhibe el jueves 19
Clasificación: «C»
Duración: 1 Hr. 55 Mins.
Dirección: Morgan Neville
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MUERTE EN INVIERNO
Título original: Dead Of Winter
Clasificación: «B«
Género: Suspenso
Duración: 1:38 Hrs.
Director: Brian Kirk
Actores: Emma Thompson, Judy Greer, Marc Menchaca, Laurel Marsden
País: Los Estados Unidos
¿DE QUÉ VA?
Una mujer pescadora viuda, viajando sola a través del nevado norte de Minnesota, interrumpe el secuestro de una joven chica. A horas de distancia del pueblo más cercano y sin señal de celular, se percata de que ella es la única esperanza de la joven chica.
Si te gustan los thrillers de secuestro con naturaleza como enemiga, aquí hay nieve, tensión y una protagonista que no se deja. La película tuvo estreno mundial en el Festival de Cine de Locarno y, a la fecha, aparece con menciones y nominaciones en rutas de premios (incluyendo listados en IMDb y la conversación festivalera alrededor de Emma Thompson).
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RÓMPETE LA MADRE
Clasificación: «B-15»
Género: Documental
Director: Daniela Uriza
Actores: Ibeth Zamora (Ex-Campeona Mundial WBC), Guadalupe Martínez (Ex Campeona Mundial WBC); Mariana Caballero, Camilla Panatta (Campeona WBC Latinoamérica) y Juan Manuel Manuel Márquez (Campeón de la Década)
País: México
Duración: 1Hr. 47 Mins.
¿DE QUÉ VA?
El Box siempre ha sido el deporte que mejor representa la cultura mexicana de sacrificio y actitud combativa frente a la adversidad. Este documental narra la historia de cuatro guerreras que pelean arriba y abajo del ring por encontrar su lugar en un deporte que no fue pensado para ellas.
«Documental mexicano con músculo y corazón: box, disciplina y el precio físico/emocional de subirse al ring (con enfoque en mujeres boxeadoras). Por ahora, su “gancho” principal es el tema y la energía del material: 107 minutos de historia real con carácter.» (FilmAffinity)
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EL VIAJE DE CHIHIRO
Título original: Sen to Chihiro no kamikakushi
Clasificación: TBC
Género: Animación. Fantástico. Aventuras
Director: Hayao Miyazaki
Actores: Animación
País: Japón
Duración: 2h 2m
(Re-estreno)
¿DE QUÉ VA?
Chihiro es una niña de diez años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un túnel, llegan a un mundo fantástico en el que solo hay lugar para los dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro inicia una aventura para salvarlos y volver a la normalidad, a pesar de sentirse sola y asustada.
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RESEÑAS
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¡Bienvenidos a la Selección de la Semana en CINESAURIO! Son dos estrenos los que abordamos y que dialogan con la memoria —la romántica y la histórica— desde lugares muy distintos: un clásico que regresa a sala grande para recordarnos cómo nació la pasión gótica en el cine, y un documental urgente que pone voz a una tragedia reciente. Aquí te dejamos una ficha, premios y curiosidades para que elijas tu función.
CUMBRES BORRASCOSAS
Título original: Wuthering Heights
Clasificación: «B-15«
Dirección: Emerald Fennell
Actores: Margot Robbie – Catherine Earnshaw; Jacob Elordi – Heathcliff Owen Cooper; – Young Heathcliff, – Hong Chau – Nelly Dean
La historia de amor y furia entre Heathcliff y Catherine vuelve a la pantalla para recordarnos por qué este relato escrito marcó a generaciones. Uno de los aspectos adicionales al interés por la novela, será sin duda el reparto encabezado por las tres veces nominada al Óscar: Margot Robbie y desde luego del recientemente nominado también a la dorada estatuilla por su actuación como Mejor Actor de Reparto en FRANKENSTEIN, Jacob Elordi.
Entre las diferentes versiones, destacamos el clásico de 1939 (dir. William Wyler), ojo al dato cinéfilo: versión que acumuló 8 nominaciones al Óscar, incluida Mejor Película, y ganó Mejor Fotografía (B/N) para Gregg Toland, el mismo genio visual que después firmó CIUDADANO KANE (Citizen Kane).
Cumbres Borrascosas es la única novela de la escritora inglesa Emily Brontë. Fue publicada por primera vez el 24 de noviembre de 1847 bajo el seudónimo de Ellis Bell.
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La imperdible de la semana es esta película nominada al Óscar en la categoría MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL…
LA VOZ DE HIND RAJAB
Título original: Sawt al-hind raja – (The Voice of Hind Rajab)
Clasificación: «B«
Género: Drama
Director: Kaouther Bem Hania
Actores: Saja Jilani, Motaz Malhess
País: Tunez
Duración: 1 Hr. 29 Mins.
29 de enero de 2024. los voluntarios de la media luna roja reciben una llamada de emergencia. una niña de 6 años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. mientras intentan mantenerla en la línea, hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia; su nombre, Hind Rajab.
Documental de impacto que reconstruye, con testimonios y material de archivo, la historia de Hind Rajab, una niña cuyo caso se volvió símbolo humanitario tras una llamada de auxilio en una zona de conflicto. Aquí el cine funciona como vehículo de memoria: seguimiento periodístico, preguntas incómodas y una puesta en escena sobria para no invadir el dolor. Recomendación: función para público adulto por contenido sensible (audio e imágenes que pueden resultar perturbadoras). Curiosidad: más allá del circuito festivalero, su fuerza ha sido el eco social—proyecciones con conversatorios, cobertura en medios y mesas de debate sobre infancia y derechos humanos.
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Las películas que más me gustan son las que te acarician la inteligencia, las que te tratan como persona pensante, como un observador capaz de poner atención y que te invitan a buscar y descubrir lo que te dice el lenguaje de la imagen; a ser cocreador de la película al hacer en tu mente tu propia versión de ella. VALOR SENTIMENTAL (Sentimental Value) lo hace con creces.
¡Alerta de Spoilers! Este artículo (más que una reseña) está dirigida principalmente a quienes ya vieron la película y lo que busco es desentrañar los abundantes y profundos simbolismos contenidos en el filme.
El Director Joachim Trier al centro
Este drama contemporáneo dirigido por Joachim Trier (uno de los cineastas europeos más finos para hablar de emociones “difíciles”: culpa, vergüenza, cariño mal expresado… y silencios que pesan). Nacido en Dinamarca pero quien adoptó la nacionalidad noruega narra la película en dos planos distintos, el dramático, contándonos la historia mediante el desempeño de los actores y otro mucho más importante, a través del lenguaje de la imagen, porque este dice más que las palabras. La imagen habla por sí misma y la parte que nos corresponde a nosotros como espectadores es descubrir su significado y -como decía antes- desentrañar sus simbolismos.
Hablemos de eso, los simbolismos y subtextos en Valor sentimental:
La casa como narradora
La casa de la familia la podemos ver como una memoria material: la casa guarda capas de vida como un “archivo” físico: pasillos, puertas, marcas, objetos. Es por una parte escenario, y a la vez testigo. Además conlleva un linaje emocional que afecta a favor o en contra a cada nueva generación que va a vivir ahí, esto es igual a patrones o costumbres que se heredan (formas de amar, callar, huir, manipular).
La casa es de una madera rojiza
La cámara se regodea en ella y en sus tonos de madera añeja y puede leerse como carne / sangre / herida: una casa “viva” que carga el calor de lo familiar, pero también su lado más crudo. También sugiere oxidación del tiempo: lo rojo envejece como recuerdo que se intensifica (o se distorsiona) con los años.
La grieta en la construcción
La grieta -un notorio error de construcción de la casa- es un símbolo casi perfecto porque es visible, pero puede ignorarse… como los conflictos familiares. Se ve pero que a nivel consciente se deja de percibir, de notarse.
Esto nos deja ver que hay una fractura afectiva en la familia; algo se rompió hace mucho y todos aprendieron a vivir “con eso”. La grieta es una Verdad que se asoma: la grieta es como un secreto o dolor que ya no cabe bajo la alfombra: tarde o temprano se abre. Pero también representa algo grave, un Riesgo estructural: lo que parece “detalle” termina afectando todo. Igual que una palabra dicha a destiempo, un abandono, una humillación.
Nora y la imposibilidad de “empezar” la obra teatral
La dificultad que tiene Nora para iniciar su actuación en la obra teatral no es simple nervio escénico. Simboliza la dificultad que ella tiene para abordar la vida, la representación real de la que queremos escapar. Más que un pánico escénico, es la metáfora de un pánico y una inseguridad personal.
No puede entrar al personaje porque todavía no puede entrar a su propia historia: enfrentarse a la obra implica enfrentarse a la verdad. Usa el bloqueo como defensa: si empieza, se compromete. Y si se compromete, se expone.
El simbolismo delducto del calentador
Este es un simbolismo potentísimo, porque convierte a la casa en un medio de transmisión: literalmente “la casa que habla” y Nora crece oyendo voces filtradas, deformadas, incompletas, distantes… El ducto como “canal”; Un conducto que lleva calor… y también lleva voces y revela verdades y secretos. El calor sugiere cuidado / hogar, pero el mismo camino sirve para que circule lo que no está destinado a ella: discusiones, tensiones, verdades a medias. Nora aprende el mundo adulto como se aprende un rumor: A distancia, sin contexto, con imaginación completando huecos. Eso puede explicar una sensibilidad particular: vive con la sensación de que siempre hay “algo que no está a la vista”, que no termina de entender.
Uno de los maravillosos aspectos de esto es el manejo de tiempos y elipsis -En una tercera ocasión y ya hacia el final solo vemos que Nora entra al escenario segura y determinada y de ahí corte y súbitamente pasamos a un festejo y los aplausos tras la representación- Ya no es necesario ver lo que sucede entre esos dos momentos.
Otro aspecto muy interesante es la Figura del padre como un director de cine (y de la familia) muy exitoso, pero controlador y ausente en la familia y que a través de un guion cinematográfico escrito específicamente para su hija y que desde luego quiere dirigir él mismo, busca la reconciliación con ella.
Replica de EL SET en VALOR SENTIMENTAL
Para lograrlo usa una estrategia o “truco” ingenioso: La réplica de la casa –el set– de la película filmada por padre e hija vuelve a ser SU escenario pero con un final que puede ser muy diferente. Esa revelación final (cuando la cámara “se abre” y vemos que lo que parecía la casa real es en realidad un set que la replica) funciona como un remate meta-cinematográfico muy coherente con el corazón de Valor sentimental: en esta familia, la vida y el arte están entrelazados, y la reconciliación -si ocurre- sucede más fácil dentro del marco de la creación que en la vida cotidiana.
DATO INTERESANTE:
Elle Fanning, Inga Lilleaas, Renate Reinsve, Stellan Skarsgård
Los cuatro protagonistas están nominados al Óscar en las categorías de Actuación. (Abajo las lista completa de nominaciones).
EL CLUB DE LAS MIRADAS pone en marcha el primer ciclo de análisis de las películas nominadas al Óscar en la categoría de Mejor Película Internacional
Andrés Bermea, Lorena Morales y Consuelo Hinojosa
Este lunes 9 tocó turno a la selección oficial de Noruega VALOR SENTIMENTAL Nominada para 9 premios Óscar: Mejor Película del Año, Mejor Película Internacional, Mejor Logro en Dirección: Joachim Trier, Mejor Actriz en un Rol protagónico: Renate Reinsve, Mejor Actor en un Rol de Soporte: Stellan Skarsgård, Mejor Actriz en un Rol de Soporte: Inga Ibsdotter Lilleaas, Mejor Actriz en un Rol de Soporte: Elle Fanning, Mejor Guion Original y Mejor Edición.
Los tres panelistas fueron. Andrés Bermea, Lorena Morales y Consuelo Hinojosa quienes expresaron sus puntos de vista sobre la película: Los simbolismos y el lenguaje de la imagen; El guion invisible: patrones familiares y memoria en VALOR SENTIMENTAL y la realización cinematográfica, respectivamente.
La respuesta a la invitación hecha por la UDEM llenó la sala y la participación de los asistentes fue generosa en número y calidad.
Este lunes 16 toca el visionado y análisis de FUE SOLO UN ACCIDENTE la representante de Francia, realizada por el cineasta y activista político Jafar Panahi.
El filme está nominado también a Mejor Guion Original.
Las sesiones aunque dirigidas a los Exalumnos de la UDEM está abiertas a todo público bajo el llenado de un registro, y tienen como sede el Claustro Universitario en el edificio de Rectoría y se cuenta con estacionamiento gratuito para los asistentes.
El registro de inicio a las 6:30 pm y la sesión en punto de las 7 de la tarde.
Si requieres de más información de este evento, déjanos un comentario y nos comunicaremos a la brevedad.
Compartimos el análisis a VALOR SENTIMENTAL de la Lic. Lorena Morales publicado ya en su blog:
Con ocho nominaciones a los premios Óscar en 2026, entre ellos a: Mejor Película, Dirección y Actriz. Hay que verla con dos ópticas totalmente diferentes, ¡que claro! corren juntas, pero que cada una es independiente…
Lo primero a destacar es que está basada en la novela de Maggie O’Farrell, de 2020, y es lo que se denomina “Ficción histórica”: es decir, que parte de apenas unos pocos hechos documentados o registrados en el mundo real, pero donde la inmensa mayoría de lo que leemos/vemos en el terreno de lo emocional y lo cotidiano es pura invención, creatividad literaria, porque de la familia de William Shakespeare hay muy pocos registros personales. Esto me parece importante aclararlo porque la mayoría de los espectadores tienden a quedarse con lo que ven en la pantalla y a aceptarlo por cierto, como un hecho verdadero. Para evitar “Espóileres” me reservo para el final lo que Sí es real y lo que es ficción.
La otra óptica y muy probablemente la importante para muchos cinéfilos es la narrativa, o sea, el cómo nos contaron la historia las guionistas Maggie O’Farrell y la también Directora Chloé Zhao.
Me parece que para ellas el propósito y tema es construir una película sobre el duelo, pero contada desde lo íntimo, lo cotidiano; desde el dolor, “los puentes rotos” y lo sensorial. Sobre una propuesta imaginaria de cómo podrían haber sido los hechos que dieron pie y materia a la pieza teatral Hamlet escrita por “El Bardo de Avon» entre 1599 y 1601, y que es en realidad una tragedia que se basa principalmente en el mito escandinavo de AMLETH.
Pero cinematográficamente ¿Qué es lo que la hace valiosa como para que la Academia la nomine en las categorías de Guion Adaptado, Dirección, Actriz y -la Joya de la Corona- a Mejor Película del Año?…
La Dirección que nos sumerge en un microcosmos estupendamente construido y en donde vemos el dolor sin subrayarlo, el duelo como experiencia, no como trama: Chloé Zhao confía en el comportamiento, las miradas y los espacios. Las excelentes interpretaciones de Jessie Buckley (Agnes) y de Paul Mescal (Shakespeare) realmente nos atrapan de principio a fin y ella con una versatilidad excepcional tiene más que merecida su nominación y le auguro que se llevará a casa la codiciada estatuilla (¡Lo lamento Kate Hudson!, por cierto, mi otra favorita). El trabajo visual de la cinematografía -encuadres, luz natural, textura y color- construye un mundo de época que se siente real, y nunca se siente artificial; nos hace testigos de la trama. El score musical de Max Richter es también excepcional, tanto que parece desaparecer; muy merecida también su nominación a Mejor Música Original.
En Rotten Tomatoes se señala como uno de los aspectos más potentes de la película: El vínculo entre dolor y creación: la película sugiere —sin explicarlo con letreros— cómo una pérdida puede transformar la forma de mirar y de nombrar el mundo (y por tanto, de crear).
Ahora con el apoyo de la IA comparto un rastreo en la red para encontrar
(Con espóileres)…
Lo que sí está documentado (hechos “duros”)
Existió Hamnet Shakespeare y fue enterrado el 11 de agosto de 1596 en Stratford-upon-Avon (registro parroquial).
Tenía una hermana gemela, Judith, y sabemos del bautizo de los gemelos (1585) y de la existencia de Susanna como hija mayor (por registros).
La causa de muerte de Hamnet no está registrada (los registros no anotaban causas) y no hay certeza de si fue peste u otra enfermedad.
La ortografía de nombres no era estable y Hamnet/Hamlet podían usarse de forma intercambiable o indistintamente en registros de la época.
Que a Anne Hathaway la llamen “Agnes” tiene base en una tradición documental: aparece como Agnes en el testamento de su padre, y por eso algunos autores consideran plausible ese nombre.
Lo que es principalmente ficción (creatividad de la autora)
Cómo eran Shakespeare, su esposa y sus hijos en su vida íntima (carácter, dinámica familiar, conversaciones, sexualidad, conflictos, ternura, culpas). No hay diarios ni cartas que lo documenten, así que la novela imagina.
Los detalles de la enfermedad y muerte (quién se contagia, “cómo” ocurre, el dramatismo del evento) son reconstrucciones narrativas: sólo sabemos el entierro, no el “relato clínico”.
La idea de que la muerte de Hamnet “originó” Hamlet es una hipótesis atractiva, pero no demostrable: la obra pudo estar influida, pero no hay prueba directa (ni “confesión” del autor).
El retrato de Agnes/Anne como curandera/visionaria (o con dones particulares) es una decisión literaria: sirve para centrar a la madre y encarnar el mundo sensorial del duelo, más que para “reconstruir” un expediente histórico.
Sí, Timothée Chalamet realizó un entrenamiento exhaustivo y prolongado para su papel como el jugador de tenis de mesa Marty Mauser en la película Marty Supreme (Ya estrenada en cines).
Su preparación destacó por los siguientes puntos:
Entrenamiento de larga duración: El actor reveló que se preparó durante seis a siete años de manera intermitente, tras haber sido contactado para el proyecto originalmente en 2018.
Entrenamiento en sets de otras películas: Para no perder su nivel, Chalamet viajaba con su propia mesa de ping-pong a las filmaciones de otras cintas como Wonka (en Londres), Dune: Parte Dos (en Budapest, Jordania y Abu Dabi) y A Complete Unknown.
Instructores profesionales: Fue entrenado por expertos técnicos y jugadores de alto nivel, incluyendo a la ex-olímpica estadounidense Wei Wang y a Diego Schaaf, para asegurar que sus movimientos en pantalla lucieran auténticos para los aficionados al deporte.
Uso de prótesis: Más allá del ejercicio físico, su transformación incluyó el uso de cinco prótesis faciales para recrear cicatrices y la textura de la piel del personaje, inspirado en el jugador real Marty Reisman.
Gracias a esta dedicación, el actor pudo realizar sus propias secuencias de juego sin necesidad de dobles de cuerpo, logrando ganar el Globo de Oro 2026 a Mejor Actor en una Comedia o Musical por esta interpretación.
¡Y qué agradable sorpresa! Originalmente pensé que se trataba de ooooootra biopic ahora de Neil Diamond y pensé ¡Qué flojera!, pero… ¡No!… Es más bien la historia de Mike y Claire Sardina, dos músicos de Milwaukee, EUA, quienes formaron la Banda tributo (No imitación) a Neil Diamond Lightning & Thunder.
Los intérpretes son Hugh Jackman y Kate Hudson; del primero ya tengo bien claro que es uno de los mejores actores del cine, una verdadera Triple amenaza (Actúa, canta y baila), pero… ¡Qué bárbara! Kate Hudson me parece extraordinaria y cautivadora, emana y contagia una energía desbordante y positiva; y ¡qué manera de cantar! Me extraña que la hayan ignorado en los CRITICS CHOICE AWARDS, Pero, pero, eso SÍ, tiene nominación en los GOLDEN GLOBE AWARS en la categoría de Mejor actriz en una película: musical o comedia.
Mike y Claire Sardina
No conocía al matrimonio Sardina, y ahora se me ha despertado el interés por conocer más de ellos y veré en YouTube el documental sobre sus vidas que sirvió de base para esta película.
Tenía un tanto olvidado a Neil Diamond y qué maravilla rescatar sus excelentes canciones.
SONG SUNG BLUE es una de esas -ya escasas- películas que te llevas contigo después de la proyección con un buen sabor de boca (y de oído), con una propuesta inspiradora sobre lo que es seguir y vivir tu pasión aún frente las dificultades y hostilidades que se presentan en la vida.
Andrés Bermea
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Hasta el viento tiene miedo es una película de terror gótico sobrenatural mexicana de 1968, escrita y dirigida por Carlos Enrique Taboada. Está protagonizada por Marga López, Maricruz Olivier, Alicia Bonet, Norma Lazareno, y Renata Seydel.
La historia sigue a un grupo de jóvenes estudiantes, dos educadoras y un jardinero de un internado para señoritas que viven los sucesos paranormales de un alma en pena vengativa, la cual ronda las instalaciones en busca de una venganza.
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Es considerada una película de culto y se le atribuye haber revitalizado el cine de terror mexicano.
Filmada a partir del 22 de mayo de 1967 en los estudios Churubusco y en locaciones del Distrito Federal (Hoy Ciudad de México), entre ellas el parque Viveros de Coyoacán y la Escuela Superior de Música Campus Fernández Leal. Fecha de estreno: 30 de mayo de 1968 en el cine ORFEÓN (de 3,165 butacas) en dónde se exhibió con éxito por cuatro semanas.; Duración: 88 min.
País de origen: México
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Guion: Carlos Enrique Taboada
Música: Raúl Lavista, Armando Manzanero
Fotografía: Agustín Jiménez
Reparto:
Marga López, Maricruz Olivier, Alicia Bonet, Norma Lazareno, y Renata Seydel, Elizabeth Dupeyrón, Rita Sabre Marroquín, Irma Castillón, Pamela Susan Hall, Rafael Llamas, Enrique García Álvarez, Sadi Dupeyrón, Lourdes Baledón,
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