ZENDAYA LE PUSO UN ULTIMÁTUM A TOM HOLLAND…

Y SPIDER-MAN TUVO QUE ESPERAR

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Matt Damon, Christopher Nolan, Anne Hathaway y Tom Holland el 1 de julio de 2026. Fotografía de: Gavin Bond

En Hollywood, mover la fecha de rodaje de una película de Spider-Man debe ser casi tan sencillo como cambiar de trayectoria un transatlántico en medio del océano. Sin embargo, Tom Holland consiguió hacerlo por dos razones difíciles de rechazar: una invitación de Christopher Nolan… y una amenaza amorosa de Zendaya.

La historia fue revelada por el propio Holland durante una entrevista con People, en compañía de Matt Damon, Anne Hathaway y Christopher Nolan, a propósito del estreno de LA ODISEA (The Odyssey). El actor recordó que Nolan lo llamó para ofrecerle el papel de Telémaco, hijo de Odiseo y Penélope, interpretados en la película por Damon y Hathaway.

No era una oferta cualquiera.

Cuando Holland regresó a casa, le contó a Zendaya que le habían propuesto participar en una nueva película. Ella quiso saber quién lo había llamado, pero el actor respondió misteriosamente:

– Es el importante.

Zendaya no necesitó más pistas:

– ¿Chris?

Era, efectivamente, Christopher Nolan.

El problema apareció inmediatamente. El rodaje de LA ODISEA estaba programado para comenzar prácticamente al mismo tiempo que la nueva aventura del Hombre Araña, SPIDER-MAN UN NUEVO DÍA (Spider-Man: Brand New Day).

Holland debía elegir entre regresar al traje rojo y azul que lo convirtió en una estrella mundial o incorporarse por primera vez al universo cinematográfico del director de EL ORIGEN, INTERESTELAR y OPPENHEIMER.

Zendaya resolvió el dilema con una frase que, según Holland, fue pronunciada en tono de broma, aunque suficientemente clara:

– Te dejo si no haces LA ODISEA.

Al escuchar la anécdota, Nolan respondió entre risas:

– Bueno, agradécele de mi parte.

Pero aceptar la película no consistía simplemente en llamar a su agente. Holland tuvo que comunicarse con Tom Rothman, presidente de Sony Pictures, y sostener lo que posteriormente describió como una conversación “muy incómoda”: necesitaba que el estudio modificara el calendario de producción de SPIDER-MAN UN NUEVO DÍA para poder rodar primero con Nolan.

Sony terminó aceptando.

Holland considera que la reputación de Nolan ayudó considerablemente. El director es conocido por planear sus producciones con enorme precisión y concluirlas dentro del tiempo previsto. El actor incluso reconoció que, tratándose de cualquier otro cineasta, la conversación quizá habría tenido un resultado muy diferente.

La modificación permitió que Holland interpretara a Telémaco y regresara después como Peter Parker. También hizo posible una curiosa coincidencia: Zendaya forma parte de ambas películas. En LA ODISEA interpreta a Atenea, la diosa griega de la sabiduría; en SPIDER-MAN, vuelve como M.J.

Así, una broma pronunciada en casa terminó alterando el calendario de una de las franquicias más importantes del mundo.

No sabemos si Zendaya realmente habría cumplido su amenaza. Probablemente no.

Pero Tom Holland decidió no averiguarlo.

Después de todo, hay ofertas que ningún actor debe rechazar… especialmente cuando vienen de Christopher Nolan y cuentan con la muy convincente aprobación de su esposa.

Fuentes: entrevista original de Tommy McArdle y Andrea Mandell para People, publicada el 15 de julio de 2026; información complementaria de Amanda Goh para Business Insider, publicada el 16 de julio de 2026.


RESEÑAS DE LA ODISEA




CHRISTOPHER NOLAN SIENTE MIEDO…

Por el equipo editorial de Cinesaurio

Una nota publicada por Business Insider llamó nuestra atención y queremos compartirla con la audiencia de CINESAURIO, no solo por el dato curioso, sino por lo que revela sobre el oficio de hacer cine: Christopher Nolan, uno de los directores más admirados y exitosos de la actualidad, todavía siente miedo antes de estrenar una película.

Sí, miedo

Al borde del estreno de LA ODISEA (The Odyssey) en todo México mañana jueves 16, su ambiciosa adaptación del poema épico de Homero, Nolan reconoció que el periodo previo al lanzamiento sigue siendo “aterrador”. Y no lo dice un principiante, ni alguien que apenas está esperando la reacción del público por primera vez. Lo dice el director de Memento, Batman: El caballero de la noche, El origen, Interestelar, Dunkerque y Oppenheimer. Es decir, alguien que ya conoce el aplauso, la crítica, la taquilla y también la enorme presión de las expectativas y cuando ya los boletos se agotan en muchas salas.

Según recoge Business Insider, Nolan explicó que una película no queda realmente completa hasta que el público la ve, la interpreta y la hace suya. Esa idea es muy reveladora. Para muchos espectadores, una película parece terminar cuando se apagan las cámaras, cuando concluye la edición o cuando se entrega la copia final al estudio. Pero para Nolan, el proceso culmina en la sala, frente a la mirada de los demás. Ahí es donde la obra deja de pertenecer únicamente al director y empieza a vivir en la imaginación del público.

Y quizá por eso siente miedo.

Porque no importa cuánta experiencia tenga un cineasta. No importa cuántos premios haya ganado, cuántos millones haya recaudado o cuántas veces su nombre haya dominado la conversación mundial. Cada estreno implica soltar algo profundamente personal y aceptar que ya no se puede controlar del todo.

En el caso de Nolan, esa tensión se vuelve todavía mayor porque cada película suya se presenta casi como un acontecimiento. LA ODISEA no llega simplemente como una nueva producción de Hollywood, sino como una experiencia cinematográfica diseñada para verse en gran formato, con una enorme expectativa alrededor del IMAX, el reparto y la escala épica de la historia. Business Insider señala que la anticipación ha sido tan alta que incluso hay reportes de boletos revendidos a precios muy elevados para algunas funciones.

Lo interesante es que, detrás de toda esa maquinaria, aparece una confesión muy humana: el director también espera, duda y se expone.

En tiempos donde muchas películas se venden como productos perfectamente calculados, esta declaración recuerda algo esencial: el cine sigue siendo un acto de incertidumbre. Nadie puede garantizar del todo cómo reaccionará el público. Una película puede estar impecablemente fotografiada, tener un reparto espectacular, una campaña poderosa y un director de prestigio; aun así, su verdadero destino empieza cuando alguien se sienta en la butaca y decide si conecta con ella o no.

Tal vez ahí está una de las razones por las que Nolan sigue resultando tan interesante. No parece hacer películas solo para llenar espacios en una plataforma ni para alimentar un algoritmo. Hace películas para provocar una experiencia. Para que el espectador entre, participe, piense, sienta y complete el viaje.

Y eso nos lleva a una reflexión muy Cinesaurio: el cine no sucede únicamente en la pantalla. Sucede también en quien lo mira.

Una película puede ser escrita, filmada y editada por sus creadores, pero termina de nacer en la sala, cuando el público la recibe. Cada espectador la completa con su memoria, su sensibilidad, sus miedos, sus expectativas y su propia historia.

Por eso resulta tan poderosa la confesión de Nolan. Porque nos recuerda que incluso los grandes maestros no estrenan desde la comodidad absoluta, sino desde el vértigo. Y quizá ese vértigo sea parte de lo que mantiene vivo al cine.

Al final, LA ODISEA habla de un largo viaje de regreso a casa. Pero, como ocurre con todo estreno importante, también hay otro viaje: el que hace la película desde las manos de su director hasta los ojos del público.

Y ese trayecto, incluso para Christopher Nolan, sigue siendo aterrador.



ELSA AGUIRRE: LA BELLEZA SERENA DEL CINE DE ORO MEXICANO

Con la muerte de Elsa Aguirre, el Cine de Oro Mexicano pierde no sólo a una de sus últimas grandes figuras, sino a una presencia distinta: una actriz que nunca necesitó levantar la voz para imponerse en pantalla. Su fuerza estaba en otra parte: en la mirada, en la elegancia, en esa serenidad que parecía venir de un México ya muy lejano, pero que todavía reconocemos cuando aparece su rostro en una película.

Elsa Aguirre falleció a los 95 años, en Cuernavaca, rodeada de sus seres queridos. La noticia fue confirmada por la Asociación Nacional de Intérpretes, que destacó tanto su talento dramático como su belleza icónica dentro del cine nacional. Nacida en Chihuahua en 1930, llegó al cine siendo apenas una adolescente, después de ganar un concurso organizado por Clasa Films Mundiales, que la llevó a debutar en EL SEXO FUERTE (1946).

Pero reducir a Elsa Aguirre a “una de las mujeres más bellas del cine mexicano” sería quedarse en la superficie. Sí, su belleza fue evidente, casi escultórica, de esas que la cámara no sólo registra sino que parece obedecer. Sin embargo, lo que la distinguió fue que no se quedó prisionera de esa imagen. En una época en la que muchas actrices eran moldeadas por el estudio, por el galán de turno o por la idea de la “mujer ideal”, Elsa Aguirre construyó una presencia más discreta, más contenida, menos estruendosa que la de otras divas, pero igualmente poderosa.

En películas como OJOS DE JUVENTUD, LLUVIA ROJA, LA MUJER QUE YO AMÉ y CUIDADO CON EL AMOR, compartió pantalla con figuras como Jorge Negrete, Pedro Infante y hasta Mauricio Garcés. Su carrera cruzó el melodrama, la comedia, el drama romántico y más tarde la televisión, siempre con una cualidad que la hacía reconocible: no parecía actuar desde el exceso, sino desde una naturalidad elegante.

Había en ella una especie de dignidad tranquila. Elsa Aguirre podía ser luminosa sin resultar frívola; podía ser romántica sin parecer débil; podía ser sofisticada sin perder cercanía. No era la diva que avasalla: era la diva que permanece. Y quizá por eso su imagen trascendió el tiempo de manera distinta. No se quedó congelada en el póster o el celuloide, sino que siguió habitando la memoria del público como una mujer real, con voz propia, con disciplina, con carácter y con una manera muy personal de entender la vida.

Fuera de la pantalla, también se distinguió por algo poco común entre las grandes estrellas de su generación: su relación con el cuerpo y la vida interior. Durante décadas practicó yoga, promovió la meditación y llevó una dieta vegetariana u ovolactovegetariana (seguía una alimentación vegetariana que incluía huevo y lácteos), hábitos que ella misma relacionaba con su bienestar y longevidad. En entrevistas recientes hablaba de caminar, ejercitarse y cuidar su alimentación como parte de una disciplina cotidiana, no como pose de celebridad.

Ese rasgo es importante porque revela a una mujer que no sólo cultivó su imagen, sino también su equilibrio. Elsa Aguirre no parecía perseguir la juventud; más bien daba la impresión de haber hecho las paces con el tiempo. Mientras otras figuras quedan atrapadas en el recuerdo de lo que fueron, ella siguió apareciendo ante el público con una mezcla de coquetería, lucidez y serenidad. Como si hubiera entendido que la belleza, cuando se sostiene sólo en el rostro, se agota; pero cuando nace también del alma, de la presencia, puede durar toda una vida.

También fue una figura querida porque mantuvo un vínculo cercano con sus admiradores. Aun retirada de la actuación, siguió compartiendo recuerdos, reflexiones y fragmentos de su vida. Su permanencia no dependía ya de estrenos ni de reflectores, sino del afecto de varias generaciones que la recordaban como parte de un cine mexicano donde el rostro de una actriz podía convertirse en patrimonio sentimental.

Elsa Aguirre perteneció a una época en la que el cine mexicano fabricaba mitos, pero su singularidad estuvo en no dejarse devorar del todo por el mito. Fue estrella, sí; fue belleza emblemática, desde luego; pero también fue una mujer disciplinada, reservada, espiritual, resistente y dueña de una elegancia que no necesitaba explicación.

Hoy, al despedirla, no se va solamente una actriz de la Época de Oro. Se va una forma de vivir, de estar frente a la cámara: con misterio, con clase, con luz propia. Una forma de belleza que no pedía permiso ni hacía ruido. Elsa Aguirre no sólo perteneció al Cine de Oro. Fue una de esas presencias que ayudaron a que el cine mexicano brillara con oro propio.

Por: Consejo Editorial de CINESAURIO



80.º ANIVERSARIO DE LA ACADEMIA MEXICANA DE ARTES Y CIENCIAS CINEMATOGRÁFICAS.

Cumplimos 80 años de historia, marcados por risas, lágrimas, sustos, romance y pasión compartida.

A lo largo de estos años hemos crecido y cambiado contigo, siempre comprometidos a investigar, preservar, defender y difundir el cine mexicano para que se conozca y se valore en México y en el mundo.

Celebremos juntos 80 años de cine mexicano, el cine que somos.

Con información de la Academia Mexicana de Cine



MARLON BRANDO Y EL TRUCO DE LA CÁSCARA DE NARANJA

Marlon Brando improvisó por completo la famosa secuencia de la cáscara de naranja casi al final de la película EL PADRINO de1972, para lograr la expresión más espontánea del niño actor con quien compartía la escena y lograr que reaccionara de forma natural…

El periodista Andrés Bermea te narra en el video la historia detrás de la escena…



HOY CUMPLE 66 AÑOS,

la regadera que cambió la historia del cine.

El 16 de junio de 1960, un regaderazo empapó para siempre la historia del cine… la película *PSICOSIS* (Psycho) tuvo su premiere en Nueva York y el cine de suspenso ya no volvió a ser el mismo… En el video te cuento la historia.



LA ACADEMIA REVELA NUEVOS ÓSCARES

LA ACADEMIA HOMENAJEARÁ A GLENN CLOSE, FLOYD NORMAN, RIDLEY SCOTT Y CHRISTINE VACHON Y PAMELA KOFFLER EN LOS PREMIOS DE LOS GOBERNADORES 2026

Las estatuillas del Oscar® se entregarán a estos homenajeados el 15 de noviembre

LOS ÁNGELES, CA – La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció hoy que su Junta de Gobernadores votó a favor de otorgar Premios Honoríficos de la Academia a la actriz Glenn Close, al animador Floyd Norman y al director Ridley Scott, y el Premio Memorial Irving G. Thalberg a las productoras Christine Vachon y Pamela Koffler. Las estatuillas del Óscar® se entregarán en la 17.ª edición de los Premios de los Gobernadores de la Academia, el domingo 15 de noviembre de 2026, en el Ray Dolby Ballroom del Ovation Hollywood.

“La Junta de Gobernadores de la Academia se complace en entregar los Premios de los Gobernadores de este año a cinco personas extraordinarias cuyo trabajo innovador ha marcado para siempre el arte cinematográfico”, declaró la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor. “A lo largo de su extraordinaria trayectoria, la incomparable gama emocional de Glenn Close ha dado vida a algunos de los personajes más complejos del cine. Floyd Norman es el legendario animador que ha roto barreras e inspirado a generaciones de artistas a lo largo de su brillante carrera. Sir Ridley Scott es un verdadero visionario cuyo legado de décadas ha dejado una huella incalculable en el cine y la cultura a nivel mundial. Christine Vachon y Pamela Koffler desempeñan un papel fundamental en el cine independiente estadounidense, defendiendo narrativas audaces, ambiciosas y singulares”.

La carrera actoral de Close abarca más de cinco décadas, con más de 100 películas en su haber. Ha recibido ocho nominaciones al Óscar, comenzando con su debut cinematográfico en «El mundo según Garp», y ha sido nominada posteriormente por «Reencuentro», «El mejor», «Atracción fatal», «Las amistades peligrosas», «Albert Nobbs», «La mujer» y «Elegía de los campesinos».

Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen «Al filo de la navaja»,

«El cambio de fortuna», «Hamlet», «101 dálmatas», «102 dálmatas», «Mars Attacks!», «Air Force One», «Las esposas de Stepford», «La chica con todos los dones», «Cuatro buenos días» y «Despierta, muerto: Un misterio de la película Puñales por la espalda».

Animador y artista de guiones gráficos, Norman comenzó su prestigiosa carrera de 65 años en Walt Disney Animation Studios en 1956, convirtiéndose en el primer animador negro del estudio. Su primer largometraje de Disney fue «La Bella Durmiente»,

y colaboró ​​en clásicos como «La Espada en la Piedra», «Mary Poppins», «El Libro de la Selva» y «Robin Hood», así como en los cortometrajes «Donald en el País de las Matemáticas», «Goliath II» y «Winnie the Pooh y el Árbol de la Miel». Entre sus otros trabajos cinematográficos destacados se incluyen «El Jorobado de Notre Dame», «Mulán», «Toy Story 2» y «Monsters, Inc.».

Scott ha recibido nominaciones al Óscar por dirigir «Thelma & Louise», «Gladiator» y «Black Hawk Down», además de una nominación a Mejor Película por «The Martian». A lo largo de una carrera que abarca casi seis décadas, también ha dirigido películas como «Alien», «Blade Runner», «Legend», «Black Rain», «G.I. Jane», «Kingdom of Heaven», «American Gangster», «Prometheus», «All the Money in the World», «House of Gucci», «The Last Duel», «Napoleon» y la próxima película «The Dog Stars».

En 2024, Scott fue nombrado Caballero Gran Cruz de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la industria cinematográfica británica.

Christine Vachon y Pamela Koffler (Crédito: Shutterstock)

Vachon y Koffler fundaron la productora independiente Killer Films, con sede en Nueva York, en 1995. Juntos, han producido películas como «Hedwig and the Angry Inch», «One Hour Photo», «Camp», «The Company», «The Notorious Bettie Page», «May December» y «Materialists». Vachon y Koffler recibieron una nominación al Óscar a la Mejor Película por “Past Lives” en 2024. Entre sus producciones en Killer Films se incluyen “Safe”, “Velvet Goldmine”, “Happiness”, “Boys Don’t Cry”, “Far from Heaven”, “I’m Not There”, “Still Alice”, “Carol”, “First Reformed”, “Vox Lux”, “The World to Come”, “Zola” y “A Different Man”.

El Premio Honorífico se otorga “para reconocer una trayectoria profesional extraordinaria, contribuciones excepcionales al estado de las artes y ciencias cinematográficas en cualquier disciplina, o por un servicio sobresaliente a la Academia”.

El Premio Conmemorativo Irving G. Thalberg se otorga a un productor creativo cuya obra refleja una alta calidad constante en la producción cinematográfica.

Información recibida de la © Academy of Motion Picture Arts and Sciences

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¿SPIELBERG, VOCERO ALIEN?

Lo que ha dicho sobre EL DÍA DE LA REVELACIÓN, los ovnis y una posible revelación extraterrestre.

Steven Spielberg no está diciendo que “El día de la revelación” (Disclosure Day) sea una operación para preparar al mundo ante una revelación extraterrestre. Pero sí ha dejado algo muy claro: para él, el tema alienígena ya no pertenece por completo al terreno de la fantasía. En declaraciones recientes, afirmó que ésta será la primera película suya que muchos llamarán ciencia ficción, pero que él mismo no considera ciencia ficción, porque la ve más bien como un reflejo de un mundo que está cambiando mientras se realizan descubrimientos en tiempo real.

Ese matiz es importante. Spielberg no presenta la película como tesis conspirativa ni como documental encubierto, pero tampoco la vende como simple entretenimiento escapista. En otra entrevista explicó que la historia gira en torno a una revelación inminente que podría soltar la verdad sobre los ovnis al mundo entero. Es decir: Disclosure Day nace de una idea que él siente cada vez menos imposible y más cercana al debate contemporáneo.

Además, Spielberg ha reconocido abiertamente su fascinación por la posibilidad de vida extraterrestre y por los fenómenos aéreos no identificados. En ese sentido, la película parece moverse en una frontera muy sugestiva: la que separa a la ciencia ficción clásica de una pregunta que hoy, para muchos, ya no suena tan fantástica.

Fuentes: ABC News; Entertainment Weekly (cover story sobre Disclosure Day); Entertainment Weekly (entrevista sobre Spielberg y la vida extraterrestre).



¿VER O NO VER ‘EL DÍA DE LA REVELACIÓN’?…

En este NOTISAURIO el periodista Andrés Bermea de CINESAURIO.COM hace un breve y divertido análisis sobre si ir al cine a ver o no, la más reciente película Ciencia Ficción del Director Steven Spielberg EL DÍA DE LA REVELACIÓN (Disclosure Day).